Has Anybody Seen My Girl? (Douglas Sirk/1952)

Has Anybody Seen My Girl? (Douglas Sirk/1952)

Dirección: Douglas Sirk
Reparto: Rock Hudson (Dan Stebbins), Piper Laurie (Millicent Blaisdell), Charles Coburn (John Smith/Samuel Fulton) Gigi Perreau (Roberta Blaisdell), Larry Gates (Charles Blaisdell), Lynn Bari (Harriet Blaisdell), William Reynolds (Howard Blaisdell)
Guión: Joseph Hoffman. Basado en el relato de Eleanor H. Porter.
Música: Hermman Stein
Fotografía: Clifford Stine
Productor: Ted Richmond
Editor: Russell F. Schoengarth

Sinopsis
Un anciano millonario ha decidido inmiscuirse en el futuro de la familia de la mujer que en su juventud amo.

Sirk en clave de musical

Los críticos de Douglas Sirk, asumen sencillamente que este film fue realizado decididamente a pedido y por cumplir su rol de director de planta de la Universal. Sin duda hay algo de verdad en esto, pero la manera en que Sirk asume el musical, es construyendo una critica demoledora de la sociedad norteamericana. Y es que en Sirk (no podía ser de otra forma), tanto color esconde sencillamente la ironía más grande.

El film se construye a partir de la clave de la comedia romántica clásica, hay que casar a una joven pareja, pero antes de ello, deberán pasar por una serie de peripecias, hasta llevar a un impasse o situación aporética que es resuelta por un Deus ex Machina. En la que no puede faltar un senex (anciano, a veces sabio), como vehiculo de resolución de conflictos o desde donde se originan estos.

El caso del senex (interpretado por Charles Coburn), construido por Sirk, es una suerte de identidad venida no solo de lejos, sino que juega a pasar por un igual. Además cumple el rol del que impide y a la vez permite el matrimonio de la joven pareja. Este senex, que como dijimos viene de afuera, cree, como los dioses en las tragedias griegas, que lo bueno para ellos, es lo bueno para los humanos. Así que cuando decide darles un “don” (cien mil dólares) a la familia Blaisdell que lo acoge en su casa, lo hace confiado que esta suma hará feliz a la familia. Lo cierto es que Sirk, como siglos atrás Eurípides, sabía que el “don”, no cambia a la persona que lo recibe, solo potencia lo que hay ya en ella. Creer que la familia buena y pobre, cambio solo por el dinero y que en ella se encierra la moraleja u enseñanza del film, es una ingenuidad. Sirk, ya nos había mostrado, que la única razón por la que la familia Blaisdell (en concreto la madre), aceptan como huésped al extraño venido de afuera (Charles Coburn), no es por cordialidad, sino por la promesa de recibir dinero a cambio del hospedaje.

Y esta avaricia retratada por Sirk, no es pesimismo o escepticismo ante lo humano, es sencillamente lo humano haciéndose presente. Se olvida lo humano, precisamente cuando se quiere ver solo la bondad tras las buenas costumbres. Sirk retrata a la sociedad norteamericana, no con el afán de burlarse de ella, sino que es ella, la sociedad la que esta ansiosa de verse en el espejo que le coloca Sirk.

En el caso de este film, el espejo se sitúa en los años veinte, antes del crack económico y en plena “ley seca”. Sirk elige como es usual un pequeño pueblo de Nueva York, que parece de postal, con la pérgola en el centro de la plaza central y la cruz en la punta de la iglesia. No es una urbe en la que los valores se han diluido, sino que en apariencia aún se conservan. Además se mira con cierta melancolía la década del veinte, como aquellos inocentes viejos tiempos.

Pero este pequeño pueblo, no ha sido inmune de los nuevos ritmos y costumbres que practican los jóvenes. Nos referimos al Ragtime[1], con sus particulares pasos de baile, el Foxtrot y el Charleston. Además se pasa el tiempo en la Drugstore, la cual se encuentra abastecida de una sección en que se expende helados y gaseosas. Y la que solo es tolerada afirma el dueño, por el dinero que produce. Esta afirmación en apariencia anodina, marca la pauta del film, lo aceptado en Norteamérica, no es necesariamente lo admitido por el ethos (es decir, las costumbres de la comunidad), sino por el dinero que hay alrededor. O mejor dicho, el ethos se construye y reconfigura decididamente en relación al dinero. Y eso se realza cuando la familia pobre, es admitida en sociedad, por la pequeña fortuna que ha heredado, y que el chisme se ha encargado de exagerar. Ellos importan en tanto hay dinero de por medio. Lo cual no es asumido solo por los ricos, sino por los propios “nuevos ricos”. Y que se excusan en la figura del sueño efimero hecho realidad, por la fortuna despilfarrada.

Este film, en apariencia alejado de los melodramas que lo harán famoso en Hollywood en años posteriores, inicia la simiente de lo que será el cine de Sirk en los cincuenta. Con films llenos de estrellas, con imágenes cuidadas y bellas. Con historias de final feliz, que hacían caer cientos de lagrimas y que regresaban a cientos de mujeres a casa tranquilas, sabiendo que siempre habrá un mañana. Pero que muestran a la vez una sociedad intentando ocultar tras un velo de color, las culpas por un pasado nada glorioso. Y no es que Sirk crea que la hipocresía sea exclusividad norteamericana, no. Sencillamente, es el lienzo en el que le toca retratar la condición humana. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Post Data
Como dato curioso, un joven James Dean aparece, en una pequeña escena del film, en lo que parece su primera aparición en el cine. El modo en que lo hace no podría ser de otra manera, a un lado de la barra del Drugstore, pidiendo ser atendido, con actitud despreocupada por las formas.

Ver: http://www.youtube.com/watch?v=QJVms-HEH6g&feature=PlayList&p=D599B599D78478CD&playnext=1&playnext_from=PL&index=19

Además es bueno resaltar que es con este film que inicia la relación director-actor, entre Douglas Sirk y Rock Hudson.

[1] La canción que da nombre al film se llama “Five Foot two, Eyes of Blue” creada por Ray Henderson (música), Sam Lewis y Joe Young (letra). La letra nos habla de un hombre que no conoce ya a su novia pues se ha vestido de Flapper. Algo similar pasa en el film de Sirk.

Frozen River (Courtney Hunt /2008)

Frozen River (Courtney Hunt /2008)

Dirección: Courtney Hunt.
Reparto: Melissa Leo (Ray Eddy), Misty Upham (Lila), Charlie McDermott (T.J.), Mark Boone Junior (Jacques Bruno), Michael O'Keefe (Trooper Finnerty), Jay Klaitz (Guy Versailles), John Canoe (Bernie), Dylan Carusona (Jimmy), Michael Sky (Billy Three Rivers), Nancy Wu (Chen Li).
Guión: Courtney Hunt.
Productores: Heather Rae y Chip Hourihan.
Fotografía: Reed Morano.
Editor: Kate Williams.
Música: Peter Golub y Shahzad Ismaily.
Vestuario: Abby O'Sullivan.

Sinopsis
Es navidad al norte del estado de Nueva York, cerca de la frontera con Canadá. Ray Eddy (Melissa Leo) acaba de ser abandonada con sus dos hijos, de quince y de cinco años, por su esposo adicto a las apuestas. Intentando encontrarlo, conoce a Lila (Misty Upham), una joven Mohawk que la introduce en lo que ella denomina “el comercio entre naciones”.

Sobre el Film
En el 2008 Frozen River[1] recibió un gran número de críticas positivas, dada la manera sencilla en que es narrado el film. Esto sin duda a dos elementos, a la dirección y a las actuaciones de Melissa Leo[2] y Misty Upham[3]. Y es precisamente esa sencillez la que marca cada cuadro del film. Son dos mujeres en necesidad (provenientes de tradiciones distintas), ambas madres, y es esta situación la que las confronta y las une.

A ambas las mueve no la ambición sino el amor a su familia y el sentirse cansadas de ser engañadas. Relación que se enmarca en temas tan complejos como los son el trafico de personas, la discriminación (por género y raza) y la autonomía de lo pueblos indígenas en países como Estados unidos y Canadá[4].
De ahí que uno sepa reconocer el manejo de Hunt, sin forzar la historia nos coloca ante problemas que no son discutidos o vistos comúnmente. Las situaciones que van afrontando Ray y Lila reflejan el abandono y el desinterés que sufren buena parte de la población en estos lugares, son rostros no vistos tanto de sociedades desarrolladas, como de pueblos indígenas. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] En los premios Sundance, gano el gran premio del jurado y estuvo nominada a los Oscars por mejor actriz (Melissa Leo) y por mejor guión (Courtney Hunt).
[2] Quien tiene una carrera de más de veinte años, en la que por lo general asume papeles de figurante o actriz de reparto. Y a quien conocemos por su participación como actriz de reparto en films como Los tres entierros de Melquíades Estrada, o por su participación en series como La ley y el Orden, Cold Case y The L Word.
[3] Ambas ya habían trabajado con Hunt en el 2004 realizando un cortometraje sobre el mismo film. El cual fue presentado y premiado en el festival de Nueva York de ese año.
[4] Temas que la directora ha sabido insertar en su guión debido a su formación de abogada especializada en temas de derechos civiles y en derecho constitucional.

Good (Vicente Amorin/2008)

Good (Vicente Amorin/2008)

Dirección: Vicente Amorim.
Reparto: Viggo Mortensen (John Halder), Jason Isaacs (Maurice), Jodie Whittaker (Anne), Mark Strong (Bouhler), Steven Mackintosh (Freddie), Gemma Jones (madre de Halder), Anastasia Hille (Helen), Ruth Gemmell (Elisabeth), David de Keyser (Mandelstam).
Guión: John Wrathall; basado en la obra de C.P. Taylor.
Productor Miriam Segal, Sarah Boote, Kevin Loader, Dan Lupovitz y Billy Dietrich. Fotografía: Andrew Duna.
Edición: John Wilson.
Vestuario: Györgyi Szakács

Sinopsis
John Halder es profesor de literatura a inicios del treinta del siglo pasado en Alemania y ha escrito una novela sobre la posibilidad de otorgarle una muerte digna a quienes amamos. La novela le abrirá posibilidades de ascenso no previstas en una Alemania que esta empezando a abrazar el nazismo.

Sobre el film
Este film de Amorin se encuentra basado en la obra de teatro del mismo nombre de C.P. Taylor. Y muy bien adaptado por John Wrathall a las posibilidades del lenguaje cinematográfico. Hacemos mención de esto pues hay que tener presente que la versión de Taylor se centraba en la psique de su protagonista y se servia de muchos elementos teatrales para hacernos conscientes de el tour de force que implica vivir en una Alemania tan incierta como la del nazismo. En el caso del film, Amorin procura centrarse también en el personaje. Y sin duda la genial actuación de Mortensen hace posible esto, ya que nos acerca a la angustia, al deseo, a la ambición y al miedo del buen John Halder. Quien en momentos de tensión extrema escucha Mahler intentando escapar de la realidad que lo agobia. Más allá del tema del nazismo y sus terribles consecuencias, el film trata del peligro de olvidar deliberar y solo actuar ocultándonos tras la creencia que hacemos el bien. Lo cual nos da la posibilidad de vernos reflejados en el espejo en que se convierte Halder. Es descubrir no al monstruo sádico y perverso, sino a aquel que se esconde en la sencilla respuesta que daba Eichmann: me comportaba simplemente, como todo buen alemán de la época haría . Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Departures/Okuribito (Takita, Yojiro/2008)

Departures/Okuribito (Takita, Yojiro/2008)

Dirección: Yojiro Takita.
Reparto: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamazaki, Tetta Sugimoto, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Kazuko Yoshiyuki.
Guión: Kundo Koyama. Inspirado en la novela autobiografica de Shinmon, Aoki, Coffinman: The Journal of a Buddhist Mortician.
Productor: Toshiaki Nakazawa. Fotografía: Takeshi Hamada.
Edición: Akimasa Kawashima.
Vestuario: Katsuhiko Kitamura.

Sinopsis
Daigo toca el violonchelo desde niño a pedido de su padre y se desempeña en una orquesta sinfónica en Tokio. Es lo que ha hecho durante toda su vida, pero un giro del destino lo hará regresar junto a su esposa a Yamagata, su pueblo natal en donde encontrará la dicha en un empleo poco habitual.

Sobre el film
La muerte en muchas culturas es una experiencia que nos embarga por su extrañeza. Si bien es una situación inexorable por nuestra condición de seres finitos, lo cierto es que la rechazamos y huimos de ella. Departures/Okuribito (ganadora en los premios Óscar de este año como mejor película extranjera) nos muestra la posibilidad de encontrar a través de un rito la posibilidad de conciliar la pérdida y poder dejar partir al ser amado. Ese rito es el del nōkan (納棺), práctica perteneciente al budismo, el cual consiste en realizar la purificación y preparación de un cuerpo para que este sea incinerado. En este rito el cuerpo es tratado con suma delicadeza para crear una última imagen bella ante sus seres queridos. Es así que el nōkan nos permite encontrar la estética de la vida en nada menos que un cadáver. Daigo se inicia en este negocio de manera casual, pero descubre en él, la delicadeza y cuidado que todo arte y todo rito tiene en el Japón. Es decir, una acción no se reduce a conseguir un propósito determinado, es el modo en que se realiza lo que distingue a un arte. Además encuentra en la muerte, la intensidad que había perdido en relación a la vida. Finalmente, Daigo al iniciarse en este rito descubre (parafraseando a Kierkegaard) que para comprender nuestra vida se requiere mirar hacia nuestro pasado, lo cual nos permitirá poder vivir mirando hacía delante. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

In Bruges (Martin McDonagh /2008)

In Bruges (Martin McDonagh /2008)

Dirección: Martin McDonagh.
Reparto: Colin Farrell (Ray), Brendan Gleeson (Ken), Ralph Fiennes (Harry), Clémence Poésy (Chloë), Jérémie Rénier (Eirik), Thekla Reuten (Marie), Jordan Prentice (Jimmy).
Guión: Martin McDonagh.
Productores: Graham Broadbent y Pete Czernin .
Fotografía: Eigil Bryld.
Editor: Jon Gregory.
Música: Carter Burwell.
Vestuario: Jany Temime.

Sinopsis
Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson) son un par de asesinos de Londres que luego de un trabajo han sido mandados a la ciudad Belga de Brujas, por su jefe Harry (Ralph Fiennes) a esconderse y a esperar órdenes. Lo que parece ser unas vacaciones forzadas en una pequeña y placida villa medieval, se irán convirtiendo de a pocos en la oportunidad para estos dos sicarios de ir pensando que tan conformes se encuentran con sus vidas.

Sobre Martin McDonagh
In Bruges[1] es la opera prima de Martin McDonagh[2], a quien en Lima conocemos por dos de sus obras de teatro, nos referimos a “El hombre almohada” y “El teniente de Inishmore”. Ambas obras se distinguen por su uso de la crueldad como un elemento desde el cual desarrollar la trama. Por ello, algunos críticos han desestimado la calidad de sus obras acusándolas de efectistas, ya que, se vale de la exageración y el ridículo para impresionar. Por otra parte, los que defiende este uso de la violencia, sustentan que su presencia extrema muestra lo absurdo de esta. Creemos que en el caso de McDonagh, la violencia no solo sirve para impactar al espectador, sino que es desde ella, que se busca iniciar la reflexión, pero no en el sentido de mostrarnos lo ridículo de la violencia, sino en que reparemos sobre la presencia que esta tiene en nuestras vidas y que frecuentemente intentamos no ver.

Sobre el Film
Desde la tragedia griega, la violencia, y su impacto en nuestros sentidos más primarios, ha sido un elemento desde el cual se parte cualquier proceso de cavilación sobre la condición humana. El hombre en la Grecia antigua y el hombre de nuestro tiempo, intentan con el mismo fervor alejar el conflicto de su vida, y ambos solo logran acercarse con mayor velocidad a él.
La espera en Brujas, coloca a Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson) en una situación muy particular, la de empezar a pensar en su vida. Esto los lleva a creer que su vida debe ser dirigida por algún propósito. De ahí que la trama de “In Bruges”, nos presente la crisis que atraviesan un grupo de personajes que a pesar de vivir al margen de la ley, se aferran a la práctica de ciertos códigos de conducta.
Los personajes de McDonagh nos muestran sus neurosis, exacerbando el valor del honor en un intento por encontrar sentido a la vida. Principios o códigos que se constituyen desde un ámbito muy particular, el yo. Exigen además, algo que parece, nadie en nuestra sociedad de consumo está dispuesto o en capacidad de ofrecerles, un reconocimiento fuera de la relación de costo beneficio. Qué duda cabe que vivimos en una sociedad que se encuentra alejada de los códigos tradicionales de honor y virtud. Por el contrario somos una sociedad que parece responder únicamente al pragmatismo, así como a concebir el éxito exclusivamente a partir de los resultados. Sociedad en la que todo es una mercancía o está en capacidad de serlo. De ahí que el drama pareciera residir en que nadie parece entender ni interesarle, el valor que alguien le puede dar en la actualidad a estos valores de antaño.
En realidad creemos que el sinsentido se produce al intentar encontrar una razón a la existencia. En ese ridículo que implica ir detrás de un simple Cliché[3] se encierra la tragedia humana para McDonagh. Como decíamos, esa melancolía por vivir bajo ciertos códigos de honor, se hace tan absurda para los otros, que es vista sencillamente como locura.

Algunas nota de Nietzsche
Por otro lado, nuestra época sufre de una apatía constante, ya que añora melancólicamente la supuesta pérdida de la versión original, una suerte de saudade (tristeza por ausencia) por lo real. Vivimos pensando que solo nos quedan las copias, y que por ello cuando nos enfrentamos a lo que está (supuestamente) a la base de todas las representaciones, no tenemos ya la capacidad de poner en valor a lo real. Esta neurosis ya la describía bien hace más de un siglo Nietzsche al hablarnos del Nihilismo. Esa enfermedad por vivir añorando un tiempo en que la verdad, la realidad en sí existía. Nietzsche contrapone al nihilismo la voluntad de poder que implica ver la vida a partir del transcurrir del tiempo. Es dejar de evadir el conflicto de nuestras vidas y abrazar el dolor de la existencia. La vida no tiene ningún sentido, y ello no debe producir en nosotros ninguna sensación de angustia o de ansiedad. Mencionamos esto pues los personajes de McDonagh en este film, buscan evadir la apatía y desapego por la vida, intentando de cualquier forma sentir algo. Y nos muestran la duro que se nos hace asumir el rol que juega el absurdo en nuestra existencia. De ahí que podamos decir que es un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] Llamo la atención de la prensa por sus múltiples nominaciones a los BAFTA, a los Globos de Oro y a los Oscars, entre otros premios.
[2] Aunque hay que indicar que tiene ya un cortometraje premiado (gano un Oscar) en su haber, nos referimos a Six Shooters (2004). El cual mantiene el uso del humor negro que ya es característico en su obra.
[3] La razón de escoger una ciudad (como nos lo recuerdan constantemente los personajes en el film) como Brujas, que aunque real, pareciera salida de un parque temático, se engarza totalmente con este otro ámbito en que se manejan los personajes del film.

The Visitor (Thomas MaCarthy/2007)

The Visitor (Thomas MaCarthy/2007)
Dirección: Thomas MaCarthy.
Reparto: Richard Jenkins (Walter Vale), Tarek Khalil (Haaz Sleiman), Danai Jekesai Gurira (Zainab), Hiam Abbass (Mouna Khalil), Marian Seldes (Barbara).
Guión: Thomas MaCarthy.
Productores: Omar Amanat, Michael London, Mary Jane Skalsky.
Fotografía: Oliver Bokelberg.
Editor: Tom McArdle.
Música: Jan A.P. Kaczmarek.
Vestuario: Melissa Toth.

Sobre el director y su obra
Thomas MaCarthy[1], tiene únicamente dos films[2], pero su manera íntima de dirigir, da la apariencia de un director de oficio y curtido, que se encuentra alejado por la experiencia, de manierismos y trucos, ya que posee un estilo sutil de acercarnos a sus personajes. Hace un par de años tuvimos en el cable la oportunidad de ver su comentada opera prima The Station Agent[3], la cual nos cuenta el encuentro de tres personajes totalmente disimiles entre sí. El protagonista es Finbar McBride (Peter Dinklage) quien sufre de enanismo y ha trabajado toda su vida en una tienda especializada de trenes a modelo. En ese espacio siempre se ha sentido seguro, ya que logra evitar la mirada curiosa e incómoda ante su condición. Pero luego de la muerte de su amigo y dueño de la tienda, se muda a la New Jersey rural a vivir a una pequeña y abandonada estación de trenes. En el pequeño poblado, Finbar espera poder pasar desapercibido. Pero conoce, a pesar de su intento de alejarse de todos (pues se considera un solitario), a Joe Oramas (Bobby Cannavale). Quien reemplaza a su padre en su local ambulante de hot dogs, que se encuentra en las inmediaciones del lugar en que vive Finbar. Joe se convierte en la contraparte de Finbar, si este es melancólico, metódico y pesimista, Joe es todo lo contrario. A ellos se suma Olivia Harris (una genial Patricia Clarkson) una artista plástica que no logra superar una tragedia que cambio su vida. Las relaciones entre estos personajes, nos muestra la posibilidad de vivir la soledad de a tres.

Acerca del Film
Si un elemento, comparten los films de MaCarthy, es colocar a sus protagonistas fuera de sus zonas seguras. Esto lo hace a través del duelo. La muerte se abre como una zona liminal, de transito, desde la cual curiosamente y aunque suene idílico, nace una nueva vida. Si en el caso de Finbar la muerte de su mejor amigo, lo lleva a mudarse y termina conociendo a nuevas personas que ingresan a su vida, en The Visitor, el viejo profesor de economía Walter Vale (interpretado por un genial Richard Jenkins[4], quien tiene en sus contrapartes actores que le brindan en todo momento las posibilidades para construir una gran actuación), se encuentra en duelo permanente por la muerte de su esposa. Y será ese duelo el que lo lleve a empezar a reencontrarse. A saber que no hay edad para aprender a acoger como tus iguales a personas que no te son cercanas, por raza, cultura o profesión. Que son tus iguales por que aman igual que tu, vivir.
De ahí que podamos decir que, The visitor es una historia construida en la confianza del director en la capacidad de sus actores. Son ellos los que nos hacen creer en la trama, son ellos los que le dan piel y carne al film. Finalmente nos queda por decir que es una historia sobre la otredad como medio de alcanzar encontrar nuestra propia identidad. Es ver este viaje de encuentro de uno mismo, a través de unos otros que me son (en apariencia) totalmente diferentes a quien yo imagino o supongo ser. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Ganador por “The visitor” del Independent Spirit Awards.
[2] Los cuales ha dirigido y escrito. Su carrera se ha construido principalmente como actor de reparto en diferentes films, pero sobretodo en diversas series de televisión, entre ellas The Wire, Law & Order, Boston Public, entre otras.
[3] Entre los variados premios que gano, se encuentra un BAFTA ha mejor guión.
[4] El cual fue nominado en la categoría de mejor actor en el Oscar de este año, y que gano por este film premios en ese rubro en festivales internacionales como el de Moscú y el de Brisbane en Australia.

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)

Dirección: Sydney Pollack.

Productor: Ultan Guilfoyle.

Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.

Editor: Karen Schmerr.

Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.

Synopsis

The famous director Sidney Pollack, takes us to discover, from the sketches written by the architect Frank Gehry[1], not just to the genesis of his art work, but introduces us in the creative process of one of the most interesing and influencial men of our times.

About the Film

In the ancient Greece, architects and their purpuse were conceived as the articulator of human efforts. He was a man of τέχνη (techné), the one who had enough knowledge to conceive a concept (design it) and produce an object(construct it). The concept of τέχνη (from where the tecnique comes from), as time passed by, was just seen through is production consideration, loosing somehow, its creative aspect and conception.
Along the film, Gehry’s image let us find within him, the man with τέχνη, the processes from which his pieces had been taking shape and the elements that had let him foreseen desings that challenge the principles of construction and edification and the capacity to make them true. Gehry’s work is con conceptual, he designs to make his sketches become structures that transform the space that lodges them.
Lets take under consideration the relationship between Arquitecture have always had with power. Design had been a commodity that only a very reduced group had enjoyed, due the expensive costs that require to develop a project an make it come true.
Last century, with the masification of almost everything, arts included, shows us the presence of Design in our lives. That’s why it becomes so interesting to know and learn about the work of an avante- garde artist in the fileld of design, because architecture reflections are about spaces in which our lives develop and happen, call it home, office, entertainment, religious practices, etc.
Frank Gehry’s work invite us to think and consider arquitecture as a profesión, considering the profesional who works it. Gehry shows us the possibility of watching the architect not as a simple producer, but as an artist, as a man with the power and capacity to take us to an absolut aesthetic experience, in which man really considers, stares and gets in touch with the space sorrounding him. He achieves it due to the managing forms, objects, and of course, the way he forseens how light will interact with his work.
To have the opportunity to watch a documental on Gehry’s work, is the best way to get close to this art that implys watching in an empty space a design that adequates to it.

JUAN ALBERTO GONZALES HURTADO.

Traducido por: Paola Fattorini.

[1] Who has become a cultural reference. Lets remenber the chapter from "The Simpsons”, 16th seasson ( The Seven-Beer Snitch /2005) in which Springfield builds a concert auditorium with a Gehr’s design (whom by the way, participates with his own voice in that episode). The auditórium looses its attractiveness y finaly ends up becoming the new penitenciary of the city.
Without a doubt, a reference from the critics that Guggenheim Museum received in Bilbao.

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)
Dirección: Sydney Pollack.
Productor: Ultan Guilfoyle.
Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.
Editor: Karen Schmerr.
Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.

Sinopsis
El afamado director Sidney Pollack, nos lleva a descubrir a partir de los sketches (los borradores) del arquitecto Frank Gehry[1], no solo la génesis de su obra, sino que nos introduce en el proceso creativo de uno de uno de los hombres, más interesantes e influyentes de nuestro tiempo.

Sobre el Film
Los griegos antiguos, concebían al arquitecto y su función como aquel articulador de los esfuerzos humanos. Era un hombre con τέχνη (techné), es decir, aquel que tenía el conocimiento necesario para conceptuar (diseñar) y producir un objeto (construir). El concepto τέχνη (de donde proviene técnica) con el tiempo solo fue visto a través de su matiz de producción, de esta manera, perdió su aspecto creativo y conceptual. La figura de Gehry nos permite encontrar en él al hombre con τέχνη, ya que durante el film podemos ir viendo los procesos por los cuales se han ido constituyendo sus obras. Los elementos que le han permitido no solo vislumbrar diseños que desafían los principios de construcción y edificación, sino la capacidad de realizarlos, pues la obra de Gehry no es conceptual, él diseña para lograr que sus bocetos se conviertan en estructuras que reconfiguren el espacio que las alberga.

Hay que hacer notar, la relación que la Arquitectura ha tenido siempre con el poder. El diseño ha sido un bien del cual solo un grupo reducido ha podido disfrutar dado los altos costos de requieren diseñar un proyecto y llevarlo acabo. Sin duda en el siglo pasado y la masificación de todo, incluidas las artes, nos muestran la presencia en nuestras vidas del diseño. De ahí que se vuelva tan interesante conocer la obra de un artista de vanguardia en esta área del diseño, ya que la arquitectura reflexiona sobre los espacios en que se desarrolla nuestra vida. Llamase vivienda, trabajo, diversión, práctica religiosa, etc.

La obra de Frank Gehry nos enfrenta a pensar en la arquitectura como profesión y al profesional que la ejerce. Gehry nos muestra la posibilidad de ver al arquitecto no como un mero productor, sino principalmente como un artista, como un hombre con la capacidad de llevarnos a una experiencia estética total, en la que el hombre no solo repara en el espacio que lo rodea, sino que se pone realmente en contacto con él. Y esto es gracias al manejo que tiene de las formas, de los objetos, así como al modo en que logra vislumbrar la manera en que la luz va interactuar con sus obras.
Tener la oportunidad de ver un documental sobre la obra de Gehry, es sin duda la mejor forma de acercarse a este arte que implica el ver en un espacio vacío un diseño que se adecue a él.

JUAN ALBERTO GONZALES HURTADO.

[1] Quien sin duda se ha convertido en una referencia cultural. Basta recordar un capitulo de “Los Simpsons” de su temporada 16 ( The Seven-Beer Snitch /2005) en que en Springfield se construye una sala de conciertos, con un diseño de Gehry (quien por cierto participa del capitulo con su voz), el auditorio de conciertos pierde su atractivo y finalmente termina convirtiéndose en la nueva penitenciaria de la ciudad. Sin duda una referencia a partir de las críticas que recibió el diseño del museo Guggenheim en Bilbao.

This is England (Shane Meadows/2007)

This is England (Shane Meadows/2007)
Director: Shane Meadows.
Cast: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls).
Writer: Shane Meadows.
Produced by: Mark Herbert.
Director of Photography: Danny Cohen.
Film Editing by: Chris Wyatt.
Music by: Ludovico Einaudi.
Costume: Jo Thompson.

Synopsis
Shaun (Thomas Turgoose) is an english boy from Thatcher era, who lives in a coastal town with his mother only, since his father died combating at the Falklands War (Malvinas). Shaun, despite his loneliness, will find a local skinhead gang that will confront him to his first life lessons.

About the film
Shane Meadows films have been always connected to the process of passing from childhood to adolescence, and so from adolescence to adulthood. His films show families built on the streets, families made little by little and with a few.
Meadows has been focused to picture the economical and social processes England has gone through since Margaret Thatcher era. But not from the huge facts, or the ones recorded by history (which serve as a scenery from which to tell the story), but from a story of the most tough learning and growing process. And that is the thoughness that nurtures and gives rythim to "This is England", that from his title calls us to sense the different varieties and meanings of this expression. And, the purpuse for this particular period of time in the recent history of England, according to the very testomony of Meadows, is that he grew up in that England, the one with unemployment, empoverishment of small towns, meaning the diminution of chances to develop capacities of the childrend from the work force.
Meadows, as a child like Shaun belonged to a skinhead gang, the ones that now are related to radical groups that have as ideals segregation and discrimination, were more a contracultural expression that had its roots at the end of the sixties, at the encounter between the sons of jamaican migrants with young english workforce classs. Their tough appeal (jeans, shirts, braces, sking heads, high boots) went along with their thoughts about life as a constant struggle. If hippies were looking to lavish a peace and love culture, the skinheads from the sixties had very clear that life was hard and difficult and that we had to be ready to fight for what we considered fair.
From those times we remember the Jamaican group The Maytals (now known as Toots & The Maytals) - and that without hesitate would deserve a comment aside - , plays a significant role as the film soundtrack. The fusion and rythim from this group (that combines ska, reggae, gospel and R&B) brings the perfect tune to go along with joy escenes and camaraderie, to the ones more crude. The music complements and accompanies the eighties skinheads that listen to jamaican music, but hit every single one that is not white and protestant.
We’ve just mentioned that Meadows films worked with stories from kids having the streets as a space to survive, for Shaun (Thomas Turgoose) it is not the lack of love or affection which pushes him to the street, but that this place, is the only space in which his emotions and inner feelings are understood. The pain he carries for his father death finds a perfect spot at the radical skin group of Combo (Stephen Graham). Precisely, between both characters occurs a symbiosis that becomes very natural, because both mean and are something for the other, that they feel they have lost and couldn’t have back again.
Without a doubt theres is a lot to say about “This is England”, but we would close this comment saying that is a film with an even rythm, with an atypical ability to confront us to the inner contradictions of a gang of buddies and displaced adults, struggling to make them a space. A film to watch.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.
Traducido por: Paola Fattorini.

Steel City (Brian Jun/2006)

Steel City (Brian Jun/2006)

Dirección: Brian Jun.
Reparto: John Heard (Carl Lee), Tom Ghiry (PJ Lee), Raymond J. Barry (Vic Lee), Laurie Metcalf (Marianne Karn), America Ferrara (Amy Barnes), Clayne Crawford (Ben Lee), James McDaniel (Randall Karn).
Guión: Brian Jun.
Productores: Rusty Gray, Ryan Harper, Brian Jun.
Fotografía: Ryan Samul.
Editor: Brian June.
Música: Mark Geary.
Vestuario: Meredith J. Murray.

Sinopsis

PJ Lee (Tom Ghiry) y su padre Carl Lee (John Heard) se encuentran a partir de un accidente de auto.

Sobre el Film

Steel City es la opera prima de Brian Jun[1], quien además es el guionista y editor del film. Lo que nos habla de un film con una mirada muy personal. Lamentablemente este film no ha tenido mucha distribución, ni difusión. Logro si un par de nominaciones en festivales (una en el festival de Sundance por su guión y otra en los Independent Spirit Award, por la actuación de Raymond J. Barry) y se exhibió en algunos cines de Norteamérica, pero pronto fue lanzado en formato de DVD[2].

Con Steel City, uno se encuentra con un cine de silencios, en que la imagen y especialmente los colores que se resaltan en ella dan por completo el tono al film. Otro elemento a destacar, son las actuaciones, construidas a partir de miradas, de gestos, no es que los textos no sean buenos o que el guión no importe, solo que la manera en que se construye el film apuesta más por lo que se muestra, que por lo que se dice.

Un tercer elemento a resaltar en la composición del film, es la música, nos referimos tanto a la compuesta por Mark Gehry, especialmente para el film, la cual, no es solo un complemento, sin duda es un elemento que ayuda a narrar la historia, a crear el clima adecuado para comprender y delinear las emociones de los personajes. Así como a las canciones de Jeff Black, quien en sus letras expresa aquello que los personajes mantienen en silencio[3].

Finalmente queremos decir que Steel City es un film sobre el aprender a vivir con las elecciones que uno ha tomado. Si bien es usual creer que una parte importante del proceso de entrar en la vida adulta y alcanzar lo que se conoce como madurez, reside en saber no solo distinguir entre el bien y mal, sino practicarlo[4]. Lo cierto es que vivimos a partir de circunstancias que no controlamos, ni decidimos, lo que no nos aleja de una cuota de responsabilidad en las decisiones que tomamos.

Y es esto lo que nos presenta el film de Brian Jun, personajes en el proceso de aprender a asumir y afrontar las consecuencias de sus decisiones, es decir, que no ven ni viven la vida a partir de valores de excelencia que demarcan un ideal de vida buena. Por el contrario, se encuentran, como dijimos, en el proceso de aprender que vivir es confrontar aquello que no nos es agradable (en relación a nosotros mismos y a los demás) y a creer en que la posibilidad de cambiar las cosas reside exclusivamente en nosotros. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] De quien hemos tenido la oportunidad de ver su primer cortometraje titulado “For Jimmy Brown”. Este 2008 acaba de estrenar “The Thacker Case”.
[2] Lo cual para los estudios de cine no es algo inconveniente, hay que tener en cuenta que por concepto de venta de DVD´s, los estudios muchas veces ganan más dinero por este medio, que por la exhibición de los film en las propias salas de cine, pues en estas deben compartir buena parte de las ganancias con los distribuidores y exhibidores.
[3] Para escuchar la banda sonora del film, solo se requiere visitar la página oficial del film: http://www.steelcitythemovie.com/base.html.
[4] Tratamos de vivir guiados por una concepción ideal de lo que es el “bien”, pero no reparamos que por seguir un ideal se tiende a perder la perspectiva de las cosas.

This is England (Shane Meadows/2007)

This is England (Shane Meadows/2007)
Dirección: Shane Meadows.
Reparto: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls).
Guión: Shane Meadows.
Productor: Mark Herbert.
Fotografía: Danny Cohen.
Editor: Chris Wyatt.
Música: Ludovico Einaudi.
Vestuario: Jo Thompson.

Sinopsis
Shaun (Thomas Turgoose) es un niño ingles de la era Thatcher y vive en un pueblo costero junto a su madre, pues su padre murió combatiendo en las Malvinas. Shaun aunque solitario encontrara a un grupo de skin locales, que lo enfrentará a sus primeras lecciones sobre la vida.

Sobre el film
La obra de Shane Meadows, siempre ha estado ligada al tema del paso de la niñez a la adolescencia, así como de la adolescencia a la adultez. Sus películas tratan sobre la familia que se construye en la calle, esa familia que se hace de a pocos y con pocos.
Meadows ha estado interesado por retratar los procesos económicos y sociales que ha vivido Inglaterra desde la era de Margaret Thatcher. Pero contado no desde los grandes hechos registrados por la historia oficial (que sirve como un fondo desde el cual contar la historia), sino que lo hace a través de historia de crecimiento y aprendizaje, pero del más duro. Y esa es esa dureza la que nutre y da ritmo a "This is England", que ya desde su título (“Esto es Inglaterra”), nos llama a los variados sentidos que tiene esta expresión. Y el interés por este periodo en particular de la historia reciente de Inglaterra, se debe, por propio testimonio del director, a que él creció en esa Inglaterra, la del desempleo, la del deterioro de la economía de las pequeñas ciudades y por ende la disminución de posibilidades de desarrollar sus capacidades para la los hijos de la clase obrera.
Meadows, de niño como Shaun, perteneció a un grupo de skin, los cuales a pesar de que en la actualidad se los asocia a grupos radicales que tienen como credo la segregación y la discriminación, era más una moda contracultural que tenía sus raíces en los finales de la década de los sesenta, en el encuentro de los hijos de migrantes jamaiquinos con jóvenes de clase obrera inglesa. Su aspecto rudo (jeans, camisas, tirantes, el pelo rapado o corto, las botas altas) iba acorde con su postura de ver la vida como una lucha constante. Si los hippies buscaban prodigar una cultura de paz y amor, los skin de los sesenta tenían claro que la vida era difícil, y había que estar listo para luchar por defender lo que uno consideraba justo.
De ese periodo es el grupo jamaiquino The Maytals (conocidos en la actualidad como Toots & The Maytals, y que sin duda merecería un comentario aparte), que sirve como soundtrack del film. El ritmo fusionado de este grupo (mezcla de ska, reggae, góspel y R&B) da el tono perfecto para el paso de escenas de alegría y camaradería, a las de más crudeza. La música complementa y acompaña las contradicciones de los skin de los ochenta que escuchan música jamaiquina, pero golpean a todo aquel que no sea blanco y protestante.

Si bien las películas de Meadows trabajaban historias de chicos que solo tenían la calle como espacio para sobrevivir, en el caso de Shaun (Thomas Turgoose) no es la falta de amor o afecto lo que lo empuja a la calle, sino que esta, es el único espacio en que sus emociones y sentimientos son comprendidos. El dolor que lleva por la muerte de su padre encuentra un nicho perfecto en el grupo de skin radicales de Combo (Stephen Graham). Precisamente entre ambos personajes se da una simbiosis que se hace muy natural, pues ambos son algo para el otro, que sienten no podrán tener ya.
Sin duda es mucho lo que nos queda por decir de “This is England”, pero queremos cerrar este pequeño comentario diciendo, que es un film de ritmo sostenido, con una habilidad atípica de enfrentarnos a las contradicciones propias de un grupo de chicos y adultos desplazados, intentando hacerse un lugar. Un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

The Savages (Tamara Jenkins /2007)

The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Director: Tamara Jenkins.

Cast: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).

Writer: Tamara Jenkins.

Produced by: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.

Director of Photography: Mott Hupfel.

Film Editing by: Brian A. Kates.

Music by: Stephen Trask.

Costume Design by: David C. Robinson.

Synopsis

The lives of Jenny and Jon Savage are about to change when they get news about his father´s needs for special care due to his delicate mental condition, so they consider putting him in a nursing home as the right decision. What they didn’t expect was that the situation would open the door to memories and emotions left behind long, long ago.

About the film

Tamara Jenkins has a film career consisting of two films. A short time ago on cable, we had the opportunity to watch Slums of Beverly Hills, about a penniless nomadic family. In his intent to improve their son’s education, a desperate father decides to frequently move in and out of various apartments in order to have their kids attending city schools in Beverly Hills. This act that could be taken as a noble intent by the father to give better opportunities to his family, actually represented his frustrated aspirations and effort to sustain an apparent success. In this film Jenkins already gave us examples of her corrosive spirit and capacity to expose her characters to the most absurd situations, always with an ironic tone. But with The Savages, Jenkins’ story acquires a few more obscure shades without losing black humor, which is introduced in the most unexpected situations and moments.

The Savages are intellectuals that employ all their energy just to avoid showing their emotions. They think that their boldness and intelligence allows them to be ironical, as well escape from ridiculousness and distinguish themselves from the rest. They think the have become experts hiding their miseries, though they haven’t really succeed at it. And perhaps that aspect relates the Savages with the Slums. Both families try so hard to hide who they are, to escape and avoid reality, that it finally ends up exposing them even more.
The Slums make a constant intent to live in Beverly Hills, even in the most deplorable apartments. The Savages, making fun of the rest by ridiculing their conventionalities, while they would madly love to attain any one of them.

If in the Greek tragedy, the main character confronted destiny forces and the cosmos, pretentiously thinking that he could change his destiny. In the contemporary tragedy, the outlook of our destiny does not correspond exclusively to external forces. The reason of our misery resides especially within us, in our fears, in our constant self destructive patterns. Jenkins´ direction and the knowledge she has about her story is projected in the detailed attention she pays to Laura Linney (Wendy Savage) and Philip Seymour Hoffman´s (Jon Savage) performances, each one of them had given birth to shades and particularities of the characters. They have known how to create in them, from the usual interpretations which undoubtedly has given the personal look that this whole film has. Don’t miss it.

Juan Gonzales.
Sept. 2008

POST DATA

La presente reseña ha sido traducida gracias a la generosidad de una serie de amigos, resultando esta la versión final, cualquier error, lo asume el autor de la reseña original.

The Savages (Tamara Jenkins /2007)

The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Dirección: Tamara Jenkins.
Reparto: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).
Guión: Tamara Jenkins.
Productores: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.
Fotografía: Mott Hupfel.
Editor: Brian A. Kates.
Música: Stephen Trask.
Vestuario: David C. Robinson.

Sinopsis
Los hermanos Wendy y Jon Savage, reciben la noticia de que su padre necesita cuidados extremos por su delicada salud mental. Los hermanos Savage, no encuentran mejor solución que internarlo en una casa de reposo. Lo que no esperan los Savage, es que esta situación abrirá en ellos una puerta a emociones y recuerdos dejados de lado por mucho tiempo.

Sobre el film
Tamara Jenkins tiene una obra que se compone por dos films, hace un tiempo en el cable se podía ver Slums of Beverly Hills[1] (1998), que nos contaba la historia de los Slums, una familia pobre que por intentar brindarle una mejor educación a sus hijos vivían de manera itinerante de departamento en departamento con tal de residir en la zona que correspondía al distrito escolar de Beverly Hills. Este acto que podría ser interpretado como un intento noble por parte de los padres para brindarles mejores oportunidades a sus hijos, representaba en realidad las ambiciones frustradas de estos padres, quienes solo buscan mantener la apariencia de éxito. En este film Jenkins nos daba muestras ya de su espíritu irónico y corrosivo, dispuesto a exponer a sus personajes a las situaciones más absurdas, lo que los obligaba a exponer sus miserias, pero siempre en un tono absurdo e irónico.

En cambio en esta ocasión con The Savages, el film de Jenkins, adquiere matices algo más oscuros, pero sin perder el humor negro, colocando el humor en los momentos y situaciones más inesperadas.
Los hermanos Savage, son intelectuales, que utilizan toda su energía en intentar evadir sus emociones, creen que la ironía, que les permite su inteligencia, los hace escapar del ridículo, los hace diferentes al resto. Se han vuelto en unos expertos en intentar ocultar sus miserias, lo cual por cierto no han logrado. Y es tal vez este aspecto lo que emparenta a los Savages con los Slums, ambas familias intentan ocultar quienes son. Intentan escapar a su realidad y es esto los que los termina exponiendo aún más.
Los Slums a través de su intento constante por vivir en Beberly Hills, así sea en el departamento más deplorable. Los Savages burlándose del resto y de lo ridículo de sus convencionalidades, mientras ellos desearían fervientemente poder acceder a alguna de ellas.

Si en la tragedia clásica el protagonista se enfrentaba a las fuerzas del destino y del cosmos, de manera pretensiosa, al creer que podría cambiarlas. En la tragedia contemporánea, el hado de nuestro destino, nuestro sino[2], no corresponde exclusivamente a fuerzas externas, la razón de nuestras miserias reside especialmente en nosotros, en nuestros miedos, en nuestros constantes patrones autodestructivos.

La dirección de Jenkins y el conocimiento que tiene de su historia, se refleja en el cuidado de las actuaciones de Laura Linney (Wendy Savage) y Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), cada uno de ellos, ha sabido darle vida y matices particulares a sus personajes. Han sabido construirlos más allá de sus usuales interpretaciones, lo que sin duda ha aportado el cariz personal que tiene todo el film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film que por cierto se convirtió rápidamente en una suerte de film de culto en el circuito de films independientes.
[2] El “sino” o destino (anagké) para la mitología griega se encontraba bajo el control de las Moiras. Las Moiras son tres hermanas (Cloto-la que hila-, Láquesis-la que asigna el destino- y Átropos-la inflexible, pues es la encargada de cortar el hilo de la vida-) que hilan el destino de los hombres. A su vez, en la tragedia Griega clásica, la Moira es entendida como el destino prefijado, que cada persona lleva consigo.

The Wackness (Jonathan Levine /2008)

The Wackness (Jonathan Levine /2008)
Dirección: Jonathan Levine.
Reparto: Ben Kingsley (Dr. Squires), Josh Peck (Luke), Famke Janssen (Sra. Squires), Olivia Thirlby (Stephanie), Mary-Kate Olsen (Union), Jane Adams (Eleanor), Method Man (Percy), Aaron Yoo (Justin), Talia Balsam (Sra. Shapiro), David Wohl (Sr. Shapiro), Bob Dishy (abuelo), Joanna Merlin (abuela), Ken Marks (Oliver).
Guión: Jonathan Levine.
Productores: Keith Calder, Felipe Marino y Joe Neurauter.
Fotografía: Petra Korner.
Editor: Josh Noyes.
Música: David Torn.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis
Es 1994, Luke (Josh Peck) ha concluido la secundaria, tiene un pequeño negocio de venta de marihuana y se le presenta un largo verano antes de asistir a la universidad. Por lo cual decide aprovechar el tiempo y juntar algo de dinero.

Sobre el Film
The Wackness sin duda es un film sobre adolecer, sobre carecer, sobre verse impedido a cambiar las circunstancias que se suscitan alrededor nuestro y el intento por hallar un refugio al cual escapar. Y el modo de trabajar esta situación en el film nos la brinda la relación entre Luke (Josh Peck) y su psiquiatra el Dr. Squires (Ben Kingsley) ambos se encuentran en procesos de cambio, de crisis, se sienten impotentes de lograr el control de lo que sucede a su alrededor. La presencia del Dr. Squires le sirve de un espejo en el cual reflejarse a Luke y viceversa, la vida de este adolescente ha puesto sobre el tapete las preguntas que el propio Dr. Squires ha obviado por mucho tiempo. Conocer la vida del otro les permite alejarse de la suya. El gusto de ambos por la marihuana los lleva a encontrar un espacio para compartir en el que se encuentran alejados por completo de sus familias y los retos y dificultades que estas traen consigo. Por ello podemos decir que el film se encuentra en esa larga lista de películas de aprendizaje, de formación, en que sus personajes se llevan algo consigo al final de la historia[1].

En un Nueva York, que a su vez se encuentra sufriendo muchos cambios pues la ciudad empieza un periodo de leyes de cero tolerancia (contra el grafiti, beber en la vía pública, escuchar música en equipos portátiles, etc.) impuestas por el alcalde de ese tiempo Rudolph Giuliani y a su vez esta en un periodo de desarrollo de una escena musical muy importante. Diversos autores y grupos de Hip Hop imponen nuevas liricas, ritmos y temáticas. Por ello no es casualidad la participación de Method Man[2] (quien interpreta el papel de Percy, el abastecedor de marihuana de Luke), miembro de uno de los más importantes e innovadores grupos de los noventa, conocido como Wu-Tang Clan[3].

A pesar de ser un film de corte independiente, el film gano notoriedad gracias a su participación en el festival de Sundance de este 2008, en el que gano el premio del público. The Wacknness, es un film con buenas actuaciones y gran ritmo, lo que no le impide tener momentos de pausa en que se entremezclan los sonidos del Hip Hop[4] con la voz en off del protagonista en una estética emparentada con el video clip, lo cual no resta sino que por el contrario responde por completo a la estética que desarrolla el film. Sin duda una película a tener en cuenta.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] Para algunos será una suerte de vicio, el de cerrar un relato con una moraleja, por nuestra parte creemos que en la medida que esto no se fuerce y no pretenda ser moralizante, no perjudica en nada a una historia.
[2] Su nombre es Clifford Smith.
[3] En el video clip de la canción How High de 1995, Method Man y Red Man, ambos miembros de Wu-Tang Clan interpretan un par de comercializadores de droga que dirigen su negocio desde un camión de helado.
[4] En voz de quien en la actualidad es un referente en términos de ritmo y lirica en el Hip Hop. Nos referimos al fallecido Notorious B.I.G.

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)
Dirección: Fatih Akin.
Reparto: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter).
Guión: Fatih Akin.
Productores: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck.
Fotografía: Rainer Klausman.
Editor: Andrew Bird.
Música: Shantel.
Vestuario: Katrin Aschendof.

Sinopsis
Un joven profesor universitario de ascendencia turca ante una tragedia familiar decide regresar a Turquía.
Sobre el film
Poder ver este film en el reciente Festival de Cine de Lima, ha sido ciertamente una gratificante sorpresa. De Akin[1], hemos visto hace un tiempo en el cable Im Juli, un film que nos presentaba ya en clave de road movie, la dinámica en que conviven los alemanes y las distintas generaciones de migrantes turcos en Alemania. Pero es en Auf der anderen seite (Al otro lado) que vemos la relación turco-alemana, con una carga más sombría. Con una mirada que se adentra en los diversos problema de identidad que se han desarrollado entre ambas comunidades.
EL film de Akin no intenta discutir las claves del problema, ni tomar bando, se limita a presentar la constante búsqueda de las nuevas generaciones de turcos nacidos en Alemania, que intentan encontrar un lugar en el mundo.
Es un relato pausado, pero que no escapa a los momentos álgidos de gran tensión. Un film que se muestra más interesado en preguntar, en dejar la respuesta pendiente pero sin evadir el tono de reflexión. Akin sabe mantener no solo nuestro interés en la historia, sino que sabe manejar los distintos giros que nos presentan el film. Resaltamos este aspecto, pues nunca es fácil hablar sobre individuos que se sienten desarraigados o escindidos.
Más que tildar el film de Akin como un film social, político o de protesta, consideramos que es un film sobre individuos en situación. Con necesidades encontradas y que intentan desarrollar estrategias para sobrevivir, en una sociedad que se nos presenta en cada momento como en tránsito, con individuos en movimiento, no solo físico, sino también emocional. Un film sobre la memoria, la identidad, de encuentros y rupturas, sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Akin ha participado en proyectos de otros directores interesados en el tema de la relación turco-alemana, como es el caso de “Kebab Connection”, de Anno Saul, film recientemente exhibido en el Festival de Cine de Lima.

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)
Dirección: Gus Van Sant.
Reparto: Gabe Nevins (Alex), Dan Liu (detective Richard Lu), Jake Miller (Jared), Taylor Momsen (Jennifer), Lauren McKinney (Macy), Olivier Garnier (Cal), Scott Green (Scratch), Winfield Henry Jackson (Christian), Dillon Hines (Henry), Brad Peterson (Jolt).
Guión: Gus Van Sant; basado en la novela de Blake Nelson.
Productores: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz, Neil Kopp y David Cress.Fotografía: Christopher Doyle y Rain Kathy Li.
Editor: Gus Van Sant.
Vestuario: Chapin Simpson.

Sinopsis

Alex (Gabe Nevins) es un skater adolescente de Portland. Que debido a una serie de casualidades se ve envuelto en una situación que lo sobredimensiona por completo. Un film sobre la culpa y el modo de intentar vivir con ella.

Sobre el film

Van Sant, en sus últimos films (Elephant, Last days) trabaja con una estética muy particular[1], mezclando efectos de fotografía con una edición y musicalización sumamente cuidadas. Regresa a Portland, la ciudad en que tiene lugar su primer film Mala Noche (1985) y mantiene sin duda la temática de la adolescencia como un puntal en su obra. Adolescencia que puede trascurrir ante la mirada de adultos, pero es como si estos no existieran, algo que se encarga muy bien el propio Van Sant de mostrar difuminando su presencia de la escena (o mostrándolos incompletos como es el caso del cameo[2] que realiza el director de fotografía australiano Christopher Doyle, interpretando al tío de Alex). Por el contrario tiende a posar la cámara por largos periodos de tiempo, intentando que veamos en los gestos de sus personajes el proceso por el cual están pasando. No utiliza el sonido captado de manera directa, sino que musicaliza las escenas, las mezcla con voces y sonidos de otras escenas. Intenta delicadamente con la iluminación y los demás elementos mencionados, acercarnos a lo que puede ser el fluir del pensamiento de Alex, de qué modo se encuentra lidiando con la culpa que enfrenta, situación que lo sobrepasa por completo y que parece es incapaz de afrontar.

Mencionamos que es un film sobre la culpa, lo que no implica que se trate de la búsqueda de la redención, Van Sant no va por ese camino, lo que al le interesa es llevarnos como dijimos a través de los pensamientos y sensaciones que se acumulan en Alex y que gracias a irlos tratando de hacer encajar en una historia, nos acerca a la soledad y a desazón de alguien que realmente se siente en total desamparo, o tal vez sea mejor decir que se siente totalmente alienado en relación al mundo que lo rodea. Sin duda un fin imprescindible. A no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Sin duda que la estética que ha desarrollado en la actualidad Van Sant pareciera que lo aleja del gran público, pero hay que recordar que sus temáticas nunca han sido complacientes. Interesándose siempre por los diversos vicios y carencias que una persona puede experimentar. Sus personajes, asesinan se prostituyen por necesidad, por rebeldía, por intentar encontrar algún sentido a un mundo al que no parecen pertenecer.
[2] Terminó del inglés, para referirse a la aparición o a una pequeña actuación en un film por parte de un personaje conocido o de cierta notoriedad.

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)
Dirección: Wes Anderson.
Reparto: Owen Wilson (Francis), Adrien Brody (Peter), Jason Schwartzman (Jack), Anjelica Huston (Patricia), Amara Karan (Rita), Camilla Rutherford (Alice), Irrfan Khan (Padre del pueblo).
Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman.
Productores: Wes Anderson, Scott Rudin, Roman Coppola y Lydia Dean Pilcher.Fotografía: Robert Yeoman.
Editor: Andrew Weisblum.
Vestuario: Milena Canonero.

Sinopsis

Los hermanos Whitman se han vuelto a reunir luego de un año de la muerte de su padre. Francis el mayor de los tres los ha invitado a recorrer por tren la India, pues busca que se les contagie algo de la espiritualidad que cree abunda en esas tierras[1].

Sobre el Film

Los Whitman se encuentran en esa lista larga de familias adineradas, dispares y excéntricas creadas por Wes Anderson. En muchos momentos nos hacen acordar a los propios hermanos Marx por sus constantes enredos y sus problemas para la comunicación y el absurdo que termina siendo el tratar de entenderse del todo.
Con elementos fetiche (como las maletas con animalitos de colores diseñadas por Louis Vuitton que aparecen todo el film, los lentes de sol del padre y el exceso así como la pericia para consumir barbitúricos y relajantes musculares) Anderson nos coloca de golpe dentro de los códigos de los Whitman.

Que mejor elemento en movimiento que el tren, el cual está ligado a la historia del cine desde su nacimiento, con el film “Llegada de un tren a la estación de la Ciotat” de los hermanos Lumière. Para representar una situación de movimiento, pero a la vez una situación de inmovilidad, pues se puede decir que de algún modo el tren está moviéndose, pero los objetos que se encuentran dentro de él se encuentran en perfecta calma.
Si llevamos esta figura a los hermanos Whitman, es algo similar lo que les sucede, el moverse, el ir tras algo es solo promesa de cambio, no implica necesariamente un cambio en cuanto tal. Ellos inician un viaje intentando lograr un renacer espiritual, un reencuentro familiar, pero lo que hallarán es solo más de lo mismo.
Un gran film sobre la familia, el deseo de que nos comprendan y poder si es posible comprender a los otros. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Hay que recordar que el film viene con un corto que da inicio al film. El nombre del corto es Hotel Chevalier y se encuentra en total relación con los acontecimientos del film. Otro aspecto para recordar, es la polémica que origino este corto, en el que aparece desnuda por primera vez Natalie Portman, pues ella se sintió utilizada y engañada por Anderson para realizar el desnudo. Como se imaginaran, esta situación lo que ocasiono fue el interés por saber de que se arrepentía Portman de haber mostrado.

Once (John Carney/2007)

Once (John Carney/2007)
Dirección: John Carney.
Reparto: Glen Hansard (chico), Markéta Irglová (chica), Hugh Walsh (Timmy), Gerry Hendrick (guitarrista), Alastair Foley (bajista), Geoff Minogue (Eamon), Bill Hodnett (padre del chico), Danuse Ktrestova (madre de la chica), Mal Whyte (Bill), Niall Cleary (Bob).
Guión: John Carney.
Productores: Martina Niland.
Música: Glen Hansard.
Editor: Paul Mullen.
Diseño de producción: Tamara Conboy.
Vestuario: Tiziana Corvisieri.

Sinopsis

Un joven músico ambulante pasa sus tardes cantando temas conocidos con el fin de llamar la atención y ganarse algunas monedas. Por las noches interpreta temas personales. Todo cambia a partir de conocer a una pianista poco usual.

Sobre el Film

Chico (Glen Hansard) abandonado encuentra a Chica (Markéta Irglová) que se ha fugado de su ex pareja, ambos son músicos y empiezan una relación a partir de aquello que tienen en común. Sin duda, un argumento que suena a miles de películas e historias, pero que en este caso ha tenido un trabajo que no cuesta denominar, genial. No siempre se ve un film que con tan poco nos pueda dar tanto. La cámara en mano y la iluminación naturalista, nos colocan en medio de la historia, nos hacen sentir que esos personajes no podrían ser vistos de otra forma y que apostar por una composición más compleja hubiera sido contraproducente.

Pero por otro lado en contraposición de la sencillez de elementos, se encuentra la variedad de estilos que recoge este film. Combina elementos de una comedia romántica, con los de un musical y un drama, pero nunca desentona. Por el contrario cada uno de ellos ayuda al desarrollo de la trama, nada se siente sobrepuesto o forzado y por el contrario todo parece caer por su propio peso. Un film para ver y disfrutar, no solo con la imagen, sino a través de la música, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

It's a free world... (Ken Loach/2007)

It's a free world... (Ken Loach/2007)
Dirección: Ken Loach.
Reparto: Kierston Wareing (Angie), Juliet Ellis (Rose), Leslaw Zurek (Karol), Joe Siffleet (Jamie), Colin Coughlin (Geoff), Maggie Hussey (Cathy), Raymond Mearns (Andy), Davoud Rastgou (Mahmud), Mahin Aminnia (mujer de Mahmud), David Doyle (Tony).
Guión: Paul Laverty.
Productora: Rebecca O'Brien.Fotografía: Nigel Willoughby.
Música: George Fenton.
Editor: Jonathan Morris.
Vestuario: Carole K. Fraser.

Sinopsis

Angie (Kierston Wareing) está cansada, de ir de un trabajo tras otro y de ser explotada, por lo cual decide organizarse para desarrollar junto a Rose (Juliet Ellis) su compañera de casa, una agencia de empleo que sea diferente a las que la contrataban a ella.

Sobre el film

Ken Loach es un director que desde sus inicios a estado preocupado por diversos temas sociales. Y este film no es la excepción. Pero si bien se podría considerar que el film se centra únicamente el mercado del trabajo ilegal, así como en la explotación que sufren los migrantes. Loach nos introduce magistralmente en lo que sucede cuando una lógica de mercado (que procura el puro beneficio individual) se introduce en otros ámbitos de la vida. Vemos de qué modo nuestros valores y creencias adquieren un nuevo norte, el del dinero. En un mundo que pareciera, nos deja cada vez menos espacios para pensar y ver al otro más allá de un mero medio para conseguir un beneficio. Que sucede cuando una visión de libre mercado, de mundo libre, implica encontrarse libre de responsabilidades con los otros. Sencillamente genial, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Cassandra's Dream (2007/ Woody Allen)

Cassandra´s Dream (2007/ Woody Allen)
Dirección: Woody Allen.
Reparto: Ewan McGregor (Ian), Colin Farrell (Terry), Tom Wilkinson (Howard), Hayley Atwell (Angela), Sally Hawkins (Kate), John Benfield (padre), Clare Higgins (madre), Ashley Medekwe (Lucy).
Guión: Woody Allen.
Productores: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley.
Fotografía: Vilmos Zsigmond.
Música: Philip Glass.
Editor: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Maria Djurkovic.
Vestuario: Jill Taylor.

Sinopsis
Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell) son dos hermanos que acaban de cumplir su sueño de comprar con mucho esfuerzo un pequeño bote llamado Cassandra's Dream. Los hermanos sienten tenerlo todo, pero parece que eso que representaba su felicidad, solo es el inicio de sus nuevos sueños.

Sobre el Film

Woody Allen nos trae lo que parece ser el movimiento final de su sinfonía londinense. Vimos hace un par de años Match Point (2004), la cual sorprendió por completo a la crítica y al público, con un Allen totalmente distinto, no solo en términos de trama, sino en el manejo de la historia, la fotografía y la música. Luego siguió Scoop (2006), para muchos una obra fallida y poco articulada, en nuestra opinión, una comedía que se sostiene por sí misma, pero que vista en relación a Match Point funciona como un espejo en donde contrastar la primera y como enlace a la reciente Cassandra´s Dream.

Los temas se entrecruzan en cada uno de los films, las apariencias, el ascenso social, el asesinato, el amor, y la familia. Utilizando como decorado la sociedad inglesa, Londres y su campiña. Otro elemento a resaltar es el regreso constante por parte de Allen, a la tragedia griega[1] en cada uno de estos films. En especial, a la obra de Eurípides[2], mostrándonos de manera magistral su versión del Deux ex Machina[3] y las consecuencias que este trae.

Y es precisamente este el tema de Cassandra´s Dream, el de la felicidad y su búsqueda. De qué modo ese sueño ideal de poder tener todo aquello que se desee puede llegar a ser peligroso. Otro aspecto importante del film, es el de las acciones y consecuencias, nada en la vida viene de gratis, todo lo que vale cuesta, como dirían los abuelos, y los hermanos Benfield están a punto de comprenderlo. Aquello que se presenta como un asomo de final feliz, de solución a todo aquello que aqueja, puede terminar siendo solo el inicio de un peligro mayor.

La música compuesta por Philip Glass (conocido por su trabajo en The Hours), da a cada escena el matiz y equilibrio perfecto. Un film que bebe de Bergman y Hitchcock, pero que a su vez tiene todos los elementos del cine de ese gran autor que es Woody Allen. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] No es mera casualidad que el bote anhelado por los hermanos lleve el nombre de Cassandra, quien según la mitología griega nos cuenta, tiene la habilidad de ver el futuro, pero nadie cree en ella, ni en sus pronósticos.
[2] La tragedia de Eurípides, no trabaja personajes heroicos, que simbolizan un valor o un defecto en particular, por el contrario los personajes de Eurípides tienden a ser ambiguos. Y es su ambigüedad la que muchas veces ha sido criticada como una falla en su obra. Por el contrario nosotros creemos que es precisamente ese rasgo el que permite que lo sintamos tan cercanos a nosotros. Pues en el se encierra lo inestable que son nuestros sentimientos y emociones. Nos muestra de qué modo podemos llegar a ser incluso unos extraños para nosotros mismos.
[3] Eurípides se caracterizo precisamente por la utilización del Deus ex Machina, que se refiere a la aparición de un Dios o un héroe, que resuelve la situación calamitosa por la que estén atravesando los protagonistas. Lo podríamos emparentar con el Happy end contemporáneo.

Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud /2007)

Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud /2007)
Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.
Reparto: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche).
Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi.
Productores: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault.
Música: Olivier Bernet.
Editor: Stéphane Roche.
Diseño de producción: Marisa Musy.

Sinopsis
Marjan tiene nueve años y tiene dos obsesiones en la vida, depilarse las piernas y convertirse en profeta. Su país (Iran) y ella y esta a portas de sufrir muchos cambios.

Sobre el film
Son pocas las veces que tenemos la oportunidad de ver una película de animación de estas características. En la que se combina una narración que sabe llevar el pulso de la historia, con un cuidado especial y sutil de las emociones. El film escapa a la sensiblería, o a simplemente narrar hechos trágicos uno tras otro de modo que se logre conmover en base de empeño al espectador. Lo trágico en un film como este es presentado como parte de la vida, como una suerte de enseñanza extraña, que se llega a compreder mucho después. Un film sobre la familia, la memoria y la identidad. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel /2007)

Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel /2007)
Dirección: Julian Schnabel.
Reparto: Mathieu Amalric (Jean-Dominique Bauby), Emmanuelle Seigner (Céline Desmoulin), Marie-Josée Croze (Henriette Durand), Anne Consigny (Claude), Patrick Chesnais (doctor Lepage), Niels Arestrup (Roussin), Olatz Lopez Garmendia (Marie Lopez), Jean-Pierre Cassel (Lucien), Marina Hands (Joséphine), Max Von Sydow (Papinou), Isaach de Bankolé (Laurent), Emma de Caunes (Eugenia).
Guión: Ronald Harwood; basado en el libro "La escafandra y la mariposa" de Jean-Dominique Bauby.
Productores: Kathleen Kennedy y Jon Kilik.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Música: Paul Cantelon.
Editor: Juliette Welfing.
Vestuario: Olivier Beriot.

Sinopsis
Jean-Dominique Bauby es editor en jefe de una prestigiosa revista de moda. Tiene el trabajo que siempre soñó, tiene hijos que adora y lo adoran y tiene junto a su lado a la mujer que ama. Pero un derrame cerebral cambiaria todo eso, o no?.

Sobre el Film
Le scaphandre et le papillon, es la adaptación de Julian Schnabel (Basquiat, Antes que anochezca), sobre el libro biográfico del mismo nombre de Jean-Dominique Bauby. La formación de Schnabel es la de pintor, y coincidentemente todos sus films, han sido de algún modo retratos de personajes (caso del pintor Jean-Michel Basquiat, o el poeta cubano Reynaldo Arenas). Retratos que nunca han intentado ser cuadros realistas, ni naturalistas. Sus films siempre han estado alejados del concepto de biopic estándar, en que se procura recrear y presentar con precisión las venturas y desventuras de sus protagonistas. Y que por lo general tienen el gusto de colocar actores que sean un calco de los personajes reales.
Por su parte, Schanabel compone sus films, como se compone un collage. Utilizando diversos elementos (fotografías, cortos de animación, imágenes de documentales, cuadros, etc.), que en conjunto crean una magnifica representación sobre aquello que desea mostrar. Este collage sin duda le hace honor a los elementos que coge del libro de Bauby. La imaginación de Schnabel es la que de algún modo nos completa los largos monólogos de Bauby. A veces, los llena de color y de imágenes, otras veces, es sobrio en todo sentido, la cámara solo muestra la quietud de un paisaje, el trascurrir lento del tiempo.
Schnabel muestra de qué modo lo intimo, lo personal, es lo que nos permite (aunque suene extraño) acercarnos a lo universal. Y decimos universal en el sentido de comunidad, de sentidos compartidos, de fondo común, aquello que se nos hace más cercano a cada uno de nosotros.
Le scaphandre et le papillon, sin duda es un film que hay que ver, una historia que nos acerca a las reflexiones más comunes, pero no por ello menos importantes de occidente. Es un cuadro que nos hace regresar a cavilar sobre el hacer, los afectos, el tiempo y la vida. No nos queda más que decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)
Dirección: Sidney Lumet.
Reparto: Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank), Marisa Tomei (Gina), Albert Finney (Charles), Rosemary Harris (Nanette), Michael Shannon (Dex), Brian F. O'Byrne (Bobby), Amy Ryan (Martha).
Guión: Kelly Masterson.
Productores: Michael Cerenzie y Brian Linse.Fotografía: Ron Fortunato.
Música: Carter Burwell.
Editor: Tom Swartwout.
Vestuario: Tina Nigro.

Sinopsis

Los hermanos Hanson desean salir de sus diversos apuros, por lo cual deciden que no hay mejor solución que robar una pequeña joyería en una zona residencial. Lo que no esperan es que esto vaya a desencadenar el inicio del fin de su propia familia.

El Regreso de un Maestro

Sidney Lumet tuvo su estreno como director, con la no poco recordada 12 Angry Men[1] (Doce hombres en pugna). En esta ocasión nos trae su más reciente obra Before the Devil knows you're dead. Ya en el 2006 había presentado Find Me Guilty que no conto con el favor de la crítica. En especial por el riesgo que supuso apostar por darle el rol protagónico del film a un actor como Vin Diesel[2], emparentado más con films de acción, que con dramas complejos.

En esta ocasión Lumet nos muestra la razón por la cual ha sido un maestro en contar dramas psicológicos emparentados siempre con el film noir. Ya en Pawnbroker[3] (El prestamista) nos hablaba del mundo de los tratantes de joyas y objetos robados[4]. Judíos que sufrieron en carne propia los horrores de la guerra, que viven intentando sobrevivir, en los espacios más duros y difíciles de Nueva york, y que nos dejan con el pensamiento de que queda después de regresar del infierno.

Y decimos esto, pues algo de esto hay en Before the Devil knows you're dead, en la que los protagonistas provienen de verdaderos infiernos personales, de los cuales se les hace imposible de escapar. Sin duda deber ser uno de los mejores film sobre familia y lealtad de los últimos tiempos. Además el film nos ha regresado a uno de los maestros en esto de mostrar la psique humana de una forma en que solo lo han hecho los griegos y Shakespeare. Sencillamente nos queda decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film de 1957.
[2] Por cierto, nos gustaría apuntar que a nuestro entender, el film fue más que interesante y entretenido, con un Diesel realmente a la altura del papel. Y si algo hay que tener en cuenta, es que los grandes directores han logrado hacer que actores no muy buenos, o incluso mediocres enfrente a su lente, se vean en dominio de la escena.
[3] Film de 1964.
[4] Con un estilo narrativo diferente apoyado en el uso de la cámara, totalmente distinto a los estándares que se practicaban en el Hollywood de su época y más cercano a los estilos europeos.

Dan in real life (Peter Hedges/2007)

Dan in real life (Peter Hedges/2007)
Dirección: Peter Hedges.
Reparto: Steve Carell (Dan), Juliette Binoche (Marie), Dane Cook (Mitch), Dianne Wiest (Nana), John Mahoney (Poppy), Emily Blunt (Ruthie Draper), Alison Pill (Jane), Brittany Robertson (Cara), Marlene Lawston (Lilly), Norbert Leo Butz (Clay), Amy Ryan (Eileen.
Guión: Peter Hedges y Pierce Gardner.
Productores: Jon Shestack y Brad Epstein.Fotografía: Lawrence Sher.
Música: Sondre Lerche.
Editor: Sarah Flack.
Vestuario: Alix Friedberg.

Sinopsis

Dan es un viudo con tres hijas, que escribe una columna en el diario local que da consejos sobre la crianza de niños. Lo que no le impide tener problemas con su propia familia. Además es el final del verano y los padres de Dan organizan una reunión por el fin de la temporada. Sumado a esto conoce a la mujer de sus sueños, pero resulta ser la nueva novia de su hermano.

Sobre el film

Segundo largometraje de Peter Hedges, de quien vimos hace ya unos años la genial “Pieces of April”. En esta oportunidad hace uso de las habilidades de un comediante como Steve Carell para contar una historia sobre la familia y el amor.

El humor de Carell es perfecto para el personaje de Dan. La frustración que siente su personaje lo acercan sin duda al patetismo, pero no por eso uno se aleja de él, por el contrario logra que nos identifiquemos y nos sintamos parte de su angustia y sufrimiento. Es por eso que la elección de Juliette Binoche para interpretar a Marie, no podía ser mejor. Pues ella le imprime no solo su belleza y distinción, sino la capacidad de convertir el asunto más serio en la cosa más graciosa y absurda. En otra actriz el rol hubiera caído en ser meramente el objeto del deseo de Dan, pero en este caso su actuación nos permite hacer incluso más fundadas y cercanas las excentricidades de este.

Tal vez en este film Hedges, no se logre un drama complejo como lo fue la ya antes mencionada “Pieces of April”. Pero sin duda logra crear una comedia romántica de gran factura, de esas que siempre se extrañan poder ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Into the Wild (Sean Penn/2007)

Into the Wild (Sean Penn/2007)
Dirección: Sean Penn.
Reparto: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Catherine Keener (Jan Burren), Hal Holbrook (Ron Franz), Kristen Stewart (Tracy), Vince Vaughn (Wayne Westerberg), Brian Dierker (Rainey).
Guión: Sean Penn; basado en el libro "Hacia rutas salvajes" de Jon Krakauer.
Productores: Sean Penn, Art Linson y Bill Pohlad.Fotografía: Eric Gautier .
Música: Eddie Vedder, Michael Brook y Kaki King.
Editor: Jay Cassidy.
Vestuario: Mary Claire Hannan.

Sinopsis

Christopher McCandless tiene veintitrés años y acaba de terminar la Universidad. Pero a pesar de los planes que tiene su familia pensados para él, decide dejar toda de lado para viajar a pie por los Estado Unidos como una suerte de preparación para su destino final Alaska.

Sobre el film

Si tuviéramos que mencionar un elemento que se encuentra siempre en el imaginario norteamericano y que se ha mantenido a lo largo de su historia, tendríamos que decir que es el de la libertad. Entendida claro de diversas formas, tiene en autores como Thoreau a uno de sus exponentes más importantes.

Thoreau proponía una vida alejada de la sociedad, sobreviviendo con solo aquello que el trabajo de las manos pudiera proveer. Intentando así romper con la noción de éxito y confort que se desarrolla usualmente en la sociedad moderna. Si bien Thoreau no vivía aún en la sociedad de consumo que nos embarga en la actualidad, una constante de su obra es el cuestionamiento por las posesiones y la creación de necesidades, así como la angustia que la carencia de estas ocasiona en las personas. Dicho esto, nos queda más claro el ejemplo que sigue Christopher McCandless, esa inclinación por seguir el sendero de una vida estoica que duda de todo aquello que no cueste esfuerzo.

Otra forma de leer el viaje de McCandless, es la necesidad de escapar, por no poder afrontar la realidad que lo supera. Es intentar alejarse de todo aquello que le cuesta asumir y de lo cual se encuentra profundamente decepcionado. Es intentar desesperadamente romper el vinculo material y simbólico que lo une a su familia.

Sea cual sea la razón del viaje de McCandless, el film nos permite estar cerca del intento permanente de alguien por darle un sentido a su vida, así como al mundo que lo rodea. Por lo cual, no podemos dejar de señalar la calidad de la dirección de Sean Penn[1]. Ya habíamos visto el cuidado que procura colocar en la imagen[2] (el film tiene una fotografía exepcional), y el cuidado que tiene para tratar temas complejos, sin desarrollar historias endulzadas o llenas de lirismo e idealismo, por el contrario el relato es sobrio, sin dramatizar aquello que de por si tiene una carga y una fuerza propia. Y sin duda el trabajo de musicalización de Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam) ayuda a no solo seguir la historia, sino que es el complemento perfecto para muchas de las bellas imágenes del film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Si bien es un personaje público que usualmente genera polémica por sus posturas políticas, lo que no se discute es el grado de compromiso en relación a sus ideas y sus proyectos.
[2] En un corto (representando a Estados Unidos) que realiza para el film 11/09/01 September 11.

Things we lost in the fire (Susanne Bier/2007)

Dirección: Susanne Bier.
Reparto: Halle Berry (Audrey Burke), Benicio del Toro (Jerry Sunborne), David Duchovny (Brian Burke), Alison Lohman (Kelly), Omar Benson Miller (Neal), John Carroll Lynch (Howard Glassman), Alexis Llewellyn (Harper Burke), Micah Berry (Dory Burke).
Guión: Allan Loeb.
Productores: Sam Mendes y Sam Mercer.Fotografía: Tom Stern.
Editor: Pernille Bech Christensen y Bruce Cannon.

Sinopsis

Audrey Burke (Halle Berry) pierde a su marido, está tragedia la acercara al mejor amigo de de este.

Sobre el film

Susanne Bier, directora de origen danés, conocida por sus filiaciones con el grupo Dogma 95[1], y por ser la directora del film “Despues de la boda”[2], nos trae otro de sus films intimistas. Desarrollado con el cuidado que el tema requiere. La dirección de Bier se encuentra totalmente alejada de patetismos y exageraciones. Lo suyo es un trabajo centrado en las miradas, en posar la cámara el tiempo justo en los actores, permitir que ella nos acerque a lo que están viviendo. La cámara no exagera, no inventa las emociones, solo se encarga de mostrárnoslas. Por eso logra hacer que el dolor se haga patente en cada cuadro del film. Con un Benicio del Toro que nos brinda una de sus mejores actuaciones, no dudamos en decir que es un film que sin duda hay que ver.


Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Colectivo fundado en Copenhague por realizadores cinematográficos que buscaban desarrollar un cine más realista e intimista, por lo cual decidieron poner por escrito las prerrogativas que su cine debía desarrollar. Estos son los principios que el cine de Dogma, procura respetar.
Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:
1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
Hay que aclarar que estos principios constantemente hacen irrespetados por los propios propulsores del Dogma. Pero lo cierto es que el intento por regresar a un cine que concentre sus energías más en la actuación ha tenido variados aciertos y ha revitalizado una propuesta por un cine alejado de manierismos y exageraciones.

[2] Estuvo en la terna de mejor película extranjera en los Oscares de 2007.

Margot at the wedding (Noah Baumbach/2007)

Dirección:Noah Baumbach.
Reparto: Nicole Kidman (Margot Zeller), Jennifer Jason Leigh (Pauline), Zane Pais (Claude), Jack Black (Malcolm), John Turturro (Jim), Ciarán Hinds (Dick Koosman), Halley Feiffer (Maisy Koosman).
Guión: Noah Baumbach.
Productor: Scott Rudin.Fotografía: Harris Savides.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Ann Roth.

Sinopsis

Las hermanas Zeller no se han visto por mucho tiempo, pero la boda de una de ellas parecerá ser la ocasión adecuada para hacerlo.

Sobre el film

Este es el segundo film de Noah Baumbach[1], que hace un par de años escribió y dirigió The Squid and the Whale[2]. Nuevamente se introduce en el mundo que conoce de primera mano, el de los intelectuales de la costa este, de las prestigiosa universidades de la Ivy League[3], o de los que se sienten acomplejados y frustrados por no serlo. Muchos de ellos escritores, con una gran habilidad para describir con dramatismo y sensibilidad la tragedia humana, pero incapaces de reconocer y enfrentar la propia. Este es el caso de Margot Zeller (una estupenda Nicole Kidman) que ve en casi todos, el autismo que nadie ha podido diagnosticar en ella.

Y es que si usualmente se cree que el autista no tiene sentimientos, lo real es que en muchos casos su problema reside en su incapacidad de poder comunicarlos, de hacerlos sentir a los otros. Margot la escritora, no tiene problemas para llevar a sus lectores a través de los dramas silentes y complejos de sus personajes, llenos de contradicciones y carentes por completo de una catarsis final. Pero es incapaz de no tener una relación pasivo agresiva con su hijo, que por su parte la adora e intenta ser siempre de su agrado.

Y de algún modo el relato del propio Baumbach se asemeje a los rasgos de su protagonista. Quien se encuentra alejado del final cerrado o que intenta ser concluyente, apuesta por el contrario a dejar en suspenso la acción, absteniéndose por completo de llenar los vacios que el mismo ha creado en su espectador.

No queremos dejar de ecribir unas líneas sobre la fotografía, la cual sin duda va de acorde al film. Crea la sensación adecuada en cada momento. Es como un otoño proyectado en la vida de los personajes, pues acentúa los matices de sequedad, de agotamiento, de cansancio. No dudamos que la crítica planteara las deudas de Baumbach, con el cine de Bergman, Rohmer y Allen (nos referimos al Allen más cercano a Bergman justamente) pero para nosotros lo cierto es que Baumbach está acentuado y depurando su estilo.

Para finalizar nos gustaría apuntar que Baumbach, como Anderson, Hedges, entre muchos otros, son la apuesta de un cine norteamericano intimista (ciertos críticos lo han denominado “europeizado”). Un cine que se inclina por los relatos cortos y de emociones contenidas, con la cámara sumamente cerca de sus actores, distante de la pretensión de los relatos fundacionales y grandilocuentes. Es un cine que muchas veces pasa desapercibido, por su pretensión y ambición en apariencia menor, pero que para nosotros representan las apuestas más interesantes y cuidadas del cine norteamericano actual.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Conocido por colaborar con Wes Anderson en el guión de The Life Aquatic with Steve Zissou (conocida en nuestro medio como Vida Acuática).
[2] Conocida en nuestro medio como, El Calamar y la Ballena.
[3] Es una liga deportiva formada por ocho universidades del Noreste Norteamericano, cada una de ellas reconocidas por su alto nivel académico y de prestigio social.

La Visita de la Banda/BIKUR HATIZMORET (Eran Kolirin/2007)

Dirección: Eran Kolirin.
Reparto: Sasson Gabai (Tewfiq), Ronit Elkabetz (Dina), Saleh Bakri (Haled), Khalifa Natour (Simon), Imad Jabarin (Camal), Tarak Kopty (Iman), Hisham Khoury (Fauzi), François Khell (Makram), Eyad Sheety (Saleh), Shlomi Avraham (Papi).
Guión: Eran Kolirin .
Productores: Elion Ratzkovsky, Ehud Bleiberg, Yossi Uzrad, Koby Gal-Raday y Guy Jacoel.Fotografía: Shai Goldman.
Música: Habib Shehadeh Hanna.
Editor: Arik Lahav Leibovitz.
Vestuario: Doron Ashkenazi.

Sinopsis

Una pequeña banda policial egipcia llega por una confusión idiomática a un pequeño pueblo en Israel. Perdidos y sin dinero, apelaran a la hospitalidad de los habitantes

Sobre el film

Podríamos hablar de la influencia de cineastas como Aki Käurismaki o Abbas Kiarostami, para la composición y realización de este film. O que nos hace recordar un film como Whisky de los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll. Pero poco interesados en las comparaciones y las referencias, nos limitamos a hablar de la sorpresa y lo placentero que es poder tener la oportunidad de ver films como este. Sencillo, nada pretensioso, pero lleno de momentos alegres, dramáticos, de silencios y de risas, de problemas idiomáticos y culturales, así como de total claridad y comprensión.

El film nos atrapa por completo, es de una sencillez que realmente abruma. No intenta ir más allá de lo que se ha propuesto y eso, que puede parecer poco, para nosotros es algo que hay que valorar y saber apreciar. La música es nota aparte, no solo acompaña, sino que ayuda a reforzar esa sensación dulce amarga que hay en todo el film. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)
Dirección: Paul Haggis.
Reparto: Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (detective Emily Sanders), Frances Fisher (Evie), Susan Sarandon (Joan Deerfield), James Franco (sargento Dan Carnelli), Jonathan Tucker (Mike Deerfield), Jason Patric (teniente Kirklander), Josh Brolin (Buchwald), Wes Chatham (cabo Penning), Jake McLaughlin (Gordon Bonner), Mehcad Brooks (Ennis Long).
Guión: Paul Haggis; basado en un argumento de Paul Haggis y Mark Boal.
Productores: Paul Haggis, Patrick Wachsberger, Steven Samuels, Darlene Caamaño Loquet y Laurence Becsey.
Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Mark Isham.
Editor: Jo Francis.
Vestuario: Lisa Jensen.

Sinopsis

Hank Deerfield es un veterano de la guerra de Vietnam, que al enterarse que su hijo Mike (un soldado que acaba de regresar de Irak) ha desaparecido, hará todo lo que este a su alcance para encontrarlo.

Sobre el film

Luego de su reputado y premiado Crush, Paul Haggis se tomo un tiempo para decidir su nuevo proyecto este es In the valley of Elah. Nombre que nos remite al lugar en que (1 Samuel 17:19) un joven David venció a Goliat. La referencia bíblica será un elemento sobre el cual Haggis buscara discurrir durante todo el film.

La actuación de Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), le da el soporte necesario a la historia, sin un actor como él, el viaje que propone este film sería difícil de seguir. Además hay que resaltar las interpretaciones de Charlize Theron (como una detective y madre soltera) y la más corta pero no por ello con menos importancia de Susan Sarandon, que con unas pocas escenas logran mantener su presencia durante todo el film. Precisamente su actuación enfrenta al personaje de Tommy Lee Jones a asumir las consecuencias de las acciones tomadas.

In the valley of Elah, nos habla de la paternidad, y el rol que está cumple, pero además del modo en que encubrimos nuestras acciones en valores y principios que vistos de cerca están muy lejos de representar aquello en que creemos. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

JUNO (Jason Reitman /2007)

JUNO (Jason Reitman /2007)
Dirección: Jason Reitman.
Reparto: Ellen Page (Juno Mac Guff), Michael Cera (Paulie Bleeker), Jennifer Garner (Vanessa Loring), Jason Bateman (Mark Loring), Allison Janney (Bren MacGuff), J.K. Simmons (Mac MacGuff).
Guión: Diablo Cody.
Productores: Joseph Drake, Daniel Dubiecki.Fotografía: Eric Steelberg.
Música Original: Matt Messina
Editor: Dana E. Glauberman.
Vestuario: Maria Bradley.

Sinopsis

Juno es una chica de dieciséis años, que sale embarazada de su mejor amigo. Ante esta situación intentara que este hecho no afecte su vida, cosa que será difícil de que ocurra.

Sobe el film

Juno[1] para los romanos era la esposa de Júpiter, pero además detentaba el cargo de diosa de la maternidad y del matrimonio. Así que algo de ironía por decir lo menos, tiene el titulo escogido por Reitman, para su film.

Film que conecta a pesar de lo apática que puede llegar a ser su protagonista. La embarazada por momentos pareciera ser cualquier otra menos que ella, y tal vez en este aspecto este la clave del film, en la negación constante de su situación, pues Juno desea cualquier cosa menos estar en estado. Pues detrás de su aspecto irónico y contestatario Juno aún no sabe que desea para su vida, y menos que es lo mejor para la vida de su bebé.

Es la sensación de desorientación la que de algún modo llena el film, tanto por parte de los adolescentes como de los adultos. Y es que, nadie tiene claro que hacer o que decir en una situación como esta. Tal vez ahí la razón de lo sugerente de este film, que escapa y rehúye la labor de agente moderador del buen proceder, pues nadie tiene la respuesta correcta, solo se puede optar y decidir, y asumir las consecuencias de nuestras acciones.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] La poderosa enemiga de Eneas en la Eneida. Capaz de todo para destruir al Troyano.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)
Dirección: Andrew Dominik.
Reparto: Brad Pitt (Jesse James), Casey Affleck (Robert Ford), Sam Shepard (Frank James), Mary-Louise Parker (Zee James), Paul Schneider (Dick Liddil), Jeremy Renner (Wood Hite), Zooey Deschanel (Dorothy), Sam Rockwell (Charley Ford), Garret Dillahunt (Ed Miller).
Guión: Andrew Dominik; basado en la novela de Ron Hansen .
Productores: Brad Pitt, Dede Gardner, Ridley Scott, Jules Daly, Brad Grey y David Valdes.Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Nick Cave y Warren Ellis.
Editor: Dylan Tichenor y Curtiss Clayton.
Diseño de producción: Patricia Norris.

Sinopsis

La banda formada por los hermanos James, la cual asolo Kansas por más de una década, se encuentra en sus momentos finales y con ella su miembro más emblemático, Jesse James.

Sobre el film

Jesse James es uno de los iconos del lejano oeste, de esa gran pléyade de delincuentes que se formaron luego de la guerra civil norteamericana. Su fama está ligada sin duda al crecimiento de la prensa en su país. Prensa para la que James representaba una suerte de espíritu libre y romántico, un Robin Hood sureño, que se levantaba y revelaba ante el opresor del norte. Pero con los años el propio James no puede vivir con su propia fama, con la persona pública que ha sido magnificada por los medios.

Esta es la premisa sobre la que se construye el film de Andrew Dominik, con un antihéroe con problemas de depresión, neurótico y ya cansado de todo. Alejado de todo romanticismo y heroísmo. Ese es el mundo en la que la actuación sobria y contenida de Pitt nos logra introducir. Y a la que se contrapondrá la figura atolondrada de Robert Ford (Casey Affleck[1]).
Ford que desciende del legado de Bruto[2], vive en constante cambio entre la fascinación por su ídolo y el pavor que este origina en él, pues la figura del héroe vista de cerca se diluye de tal modo que solo queda el hombre.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford, es un relato que ha sido denominado por parte de la crítica como western crepuscular[3] y que a nuestro entender es una balada que ronda la soledad y la obsesión, y que rompe con el arquetipo del héroe silente y seguro de sí mismo, y que nos lleva a través del caos de un hombre enfrentado a su pasado y a la soledad de su presente. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] En una interpretación impecable.
[2] Bruto se creía merecedor de elogio por matar a un tirano, la historia le ha legado el papel de un cobarde traidor.
[3] Está denominación la reciben aquellos films que centran su mirada en las historias de guerreros agotados, hastiados de todo y de todos. Pero que aún logran encontrar una razón o alguna causa, que los reencuentre con sus armas y que de algún extraño modo le den sentido tanto a su vida como a su lucha.

We own the night (James Gray /2007)

We own the night (James Gray /2007)
Dirección: James Gray.
Reparto: Joaquin Phoenix (Bobby), Mark Wahlberg (Joseph), Eva Mendes (Amada), Robert Duvall (Burt).
Guión: James Gray.
Productores: Marc Butan, Joaquin Phoenix, Nick Wechsler y Mark Wahlberg.Fotografía: Joaquín Baca-Asay.
Editor: John Axelrad.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis

A finales de los ochenta, Bobby Green (Joaquin Phoenix) maneja el mejor club de Brooklyn y trabaja para gente relacionada a la mafia rusa. Pero Bobby oculta que es hijo del jefe de policía de Nueva York, posición que lo llevara a tener que decidir de qué lado de la acera está.

Sobre el film

We own the night, es el tercer film de James Gray, el cual ha recibido comentarios mixtos por parte de la crítica[1]. Film que continúa la temática de sus dos primeras obras (Little Odessa y The Yards), la familia, Nueva York y la delincuencia.

El film sin duda se construye sobre las geniales actuaciones de Phoenix, Duvall y Wahlberg, que si bien son conocidos por la fuerza que le imprimen a sus interpretaciones (llenas de intensidad y furia), sus mejores momentos son los de rabia contenida, con actuaciones que se forman más en la no acción, permitiendo así mostrar el desarrollo del proceso interno de los personajes.

Si bien se puede acusar por momentos de moralista al film, creemos que la temática va más allá del clásico enfrentamiento del bien con el mal o hallar la forma correcta de actuar. Por el contrario, se centra en el modo en que un acto puede introducir una inequidad en la vida de una persona y transformarla de tal modo que la destruya por completo, hasta llegar a un punto en que no hay retorno.

We own the night, es una historia llena de sutilezas, que sin duda hay ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Se comento mucho los abucheos que recibió durante su exhibición en la última edición del festival de cine de Cannes.

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Dirección: Julie Delpy.
Reparto: Adam Goldberg (Jack), Julie Delpy (Marion), Daniel Brühl (Lukas), Marie Pillet (Anna), Albert Delpy (Jeannot), Alexia Landeau (Rose), Adan Jodorowsky (Mathieu), Alex Nahon (Manu), Vanessa Seward (Vanessa).
Producción: Christophe Mazodier, Julie Delpy y Thierry Potok.Guión: Julie Delpy.
Fotografía: Lubomir Bakchev.
Editor: Julie Delpy.
Música Original: Julie Delpy.
Vestuario: Stephan Rollot.

Sinopsis

Una pareja acaba de cumplir dos años de relación. Ella es Francesa y el Norteamericano, y luego de unas vacaciones en Venecia deciden terminar su viaje pasando un par de días en Paris.

Sobre el film

Las relaciones humanas y en especial las de pareja, siempre serán un espacio perfecto para el ensayo, y la reflexión. Y eso nos trae en su nueva incursión en el cine, la genial Julie Delpy. Film que no solo a escrito y dirigido, sino que ha editado, producido y compuesto música para el[1].
Una película sencillamente deliciosa, Delpy tiene la capacidad e llevarnos a través de la neurosis, miedos y contradicciones de sus personajes, pero alejada de todo patetismo. Utiliza la risa y la ironía para evitar la densidad de la crítica sobre nuestra propia humanidad. Es decir, es mejor reírse de ella que lamentarse. No intenta construir una batalla de los sexos ni una confrontación entre dos culturas, es sencillamente sumergirse en de qué modo enamorarse es algo por lo que siempre apostamos, después de malas y terribles decepciones, lo que no dejamos de buscar es el amor.

Hay mucho más que decir de este film, pero nosotros llegamos hasta aquí, no dudamos, que se hablara de las deudas de Delpy con el cine de Woody Allen o con el de Rhomer. Pero lo cierto es que Delpy entretiene, enternece, conmueve, y poder hacer eso en un film, es decir bastante. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Tal vez un modo (algo caro, por cierto) de hacer terapia. Un dato aparte es que los actores que interpretan a los padres de Marion (Julie Delpy) son los propios padres de Delpy.

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)
Dirección: Todd Haynes.
Reparto: Heath Ledger (Robbie), Christian Bale (Jack/John), Richard Gere (Billy), Cate Blanchett (Jude), Julianne Moore (Alice), Charlotte Gainsbourg (Claire), Michelle Williams (Coco).
Guión: Todd haynes y Oren Moverman.Productores: Christine Vachon y Jeff Rosen.Fotografía: Ed Lachman.
Editor: Jay Rabinowitz.
Vestuario: John Dunn.

Sinopsis

Una vida, y muchas historias por contar. Todas inspiradas en la música y vida de Bob Dylan.

Los pequeños heterónimos de Bob

Utilizamos la palabra heterónimo[1], como lo entendía Pessoa[2], con quien adquiere el cariz de referirse a un otro yo, pero no solo otro yo, sino que es un otro yo, con una historia de vida propia.

Y crear heterónimos es lo que hace Todd Haynes[3] en esta película. Pues I´m not there, es un genial intento de contar la vida y la influencia de Bob Dylan, en la música, así como en la vida de muchas personas. Pues Haynes, en vez de apostar por el biopic clásico, que tiene como premisa revelar o recrear incidentes en la vida de los personajes (contar sus secretos, sus lados ocultos, sus ascensos y caídas), nos lleva a través de pequeñas historias, y canciones a contarnos de decepciones, mentiras, promesas, ilusiones, que muchos de nosotros sufrimos.
Dylan el individuo público, como nos recuerda el título del film, no se encuentra en esa Dramatis Personae, en esa mascara que compone diversos personajes. Dylan y su historia si esta en algún lugar es en sus canciones, y en la posibilidad que estas nos brindan a cada uno de nosotros de poner una banda sonora de nuestras vidas. De más está decir que la música es excelente y que va de la mano con cada historia del film. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Que funciona para designar a dos palabras que se contraponen pero que provienen de raíces gramaticales diferentes
[2] El propio Pessoa tenía diversos heterónimos, como Álvaro de Campos, Alberto Caeiro, entre otros. Cada uno con una hoja de vida, un carácter, un temperamento y un gusto completamente distinto.
[3] Es el director de Far From Heaven (Lejos del Cielo).

IN THE LAND OF WOMEN (Jonathan Kasdan /2007)

IN THE LAND OF WOMEN (Jonathan Kasdan /2007)
Dirección: Jonathan Kasdan.
Reparto: Adam Brody (Carter Webb), Meg Ryan (Sarah Hardwicke), Kristen Stewart (Lucy Hardwicke), Olympia Dukakis (Phyllis), Makenzie Vega (Paige Hardwicke), Dustin Milligan (Eric Watts), Clark Gregg (Nelson Hardwicke), Elena Anaya (Sofía Buñuel), Jobeth Williams (Agnes Webb), Ginnifer Goodwin (Janey).Producción: Steve Golin y David Kanter.
Guión: Jonathan Kasdan.
Productores: Steve Golin y David Kanter.Fotografía: Paul Cameron.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Trish Keating.

Sinopsis

Carter Webb (Adam Brody) es un joven escritor que acaba de ser dejado por su novia y tiene problemas con su trabajo. Por lo cual decide visitar a su abuela, quien vive en una pequeña comunidad urbana de Michigan.

Sobe el film

In the land of women, es un film intimista que intenta reflejar la constante transición que implica nuestras vidas. Tal vez exagere con la confrontación entre la juventud y la presencia de la muerte, así como con la moraleja de que pese a todo no hay como estar vivo. Pero recrea muy bien la necesidad de colocar barreras entre nosotros y el mundo que nos rodea. Es más sencillo dar la espalda que afrontar, o tal vez la única forma de afrontar algo sea primero huir para comprender de que se está huyendo en realidad.

Los aciertos del film creemos que residen en la simplicidad y sinceridad de la historia, así como en la necesidad del director, por intentar de acercarnos a la fascinación que siente por las mujeres y su mundo. Tal vez no parezca ser mucho, pero en un Hollywood carente de historias, es decir ya algo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Atonement (Joe Wright/2007)

Atonement (Joe Wright/2007)
Dirección: Joe Wright.
Reparto: Keira Knightley (Cecilia Tallis), James McAvoy (Robbie Turner), Saoirse Ronan (Briony Tallis con 13 años), Romola Garai (Briony Tallis con 18 años), Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana), Brenda Blethyn (Grace Turner), Juno Temple (Lola), Patrick Kennedy (Leon Tallis), Benedict Cumberbatch (Paul Marshall).
Guión: Christopher Hampton; basado en la novela Atonement de Ian McEwan.Productores: Tim Bevan, Eric Fellner y Paul Webster.Fotografía: Seamus McGarvey.
Editor: Paul Tothill.
Vestuario: Jacqueline Durran.

Sobre el film
Es muy poco lo que podemos decir de este film sin revelar algo de la historia, pero lo que si podemos decir (buscando ciertamente incentivar las expectativas del espectador) es que sin lugar a duda este film atrapa por su ritmo, la manera en que se nos introduce en la historia impide que perdamos o apartemos la atención de ella. La fotografía es de un cuidado y de una maestría realmente valiosa, desde el primer cuadro se nos hace presente que los colores y la luz serán una presencia constante durante la película. Más que meros elementos de estimulo, encierran en ellos mismos, símbolos que complementan el film. Así que solo nos queda añadir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

4 Meses, 3 Semanas y 2 días (Cristian Mungiu /2007)

4 Meses, 3 Semanas y 2 días (Cristian Mungiu /2007)

Dirección: Cristian Mungiu.
Reparto: : Anamaria Marinca (Otilia), Laura Vasiliu (Găbiţa), Vlad Ivanov (Sr. Bebe), Alexandru Potocean (Adi), Luminiţa Gheorghiu, Adi Carauleanu (Radu), Liliana Mocanu, Tania Popa, Teo Corban, Cerasela Iosifescu, Doru Ana.
Guión: Cristian Mungiu.Productores: Oleg Mutu y Cristian Mungiu.
Fotografía: Oleg Mutu.
Editor: Dana Bunescu.
Vestuario: Dana Istrate.

Sinopsis

Son los últimos años del comunismo en Rumania, la escases es grande así como la represión que sufren sus ciudadanos. En un mundo en que todo se negocia en el mercado negro, dos amigas intentarán todo, para resolver el problema que aqueja a una de ellas.

Sobre el film

4 meses, 3 semanas y 2 días, ganadora del la palma de oro en el último festival de cine de Cannes, es un film en apariencia sencillo, que inicia de manera confusa, pero con el fin de introducirnos a ese caos que era los últimos años del comunismo en Rumania. La necesidad, la escases sea hacen latentes en cada cuadro del film, así como la habilidad de las personas para sobrevivir y agenciarse lo que necesitan.

Este es el caso de Otilia y Găbiţa (ambas son migrantes de provincia y provienen de familias humildes), amigas y compañeras de cuarto en un politécnico, que dentro de la adversidad que sufre una de ellas, deberán afrontarlas juntas. Otilia y Găbiţa, se encuentran rodeadas de gente, pero solo se tienen una a la otra, no existe nadie más que acuda a ayudarlas, y es en esa desesperanza en que nos sumerge el film, esa es la habilidad del director Cristian Mungiu, para colocarnos de lleno en la desesperación de estas dos mujeres, que de algún modo son una. Dos rostros de una misma desesperanza. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

El Detective (Oxide Pang Chun/2007)

El Detective (Oxide Pang Chun/2007)
Dirección: Oxide Pang Chun.
Reparto: Aaron Kwok (Tam), Kai Chi Liu (Chak), Fui-On Shing (Lung), Tak-bun Wok (Hung), Yiu-Cheung Lai (Wing), Siu-Ming Lau(Tío cheung), Natthasinee Pinyopiyavid (Sum).
Guión: Oxide Pang Chun, Thomas Pang.
Música: Jadet Chawang, Payont Permsith.
Productores: Oxide Pang, Danny Pang..
Fotografía: Decha Srimantra.
Editor:

Sinopsis
Tam (Aaron Kwok) es un torpe detective que se obsesiona con resolver un caso. Y al hacerlo encontrara más de lo que podía imaginar.

Los Hermanos Pang
Los gemelos Pang (Danny[1] and Oxide) más conocidos por sus films de terror (caso de The Eye, y sus secuelas[2]) también han realizado proyectos realizados con el género criminal (historias de mafias y corrupción). Este es el caso de El Detective, que es un proyecto en solitario de Oxide.

Sobre El Detective
Historia contada en buen ritmo y en clave de film noir, que recoge trama de otros géneros (terror, comedia, acción, etc), lo que por momentos la hace interesante, pero que finalmente la vuelve muy confusa. Lo que no implica que no sea una buena opción para ver un film que si bien juega mucho con los efectos de edición para crear suspenso, hay que reconocerle que intenta mostrar algo diferente en todo momento.
Lo que no se puede negar es que el film entretiene y sirve como muestra de que se esta haciendo en tema de imagen, edición y manejo de personajes, en el cine de corte más comercial asiático.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Fue el editor de la trilogía Internal Affairs, film del cual hizo un remake Scorsese (Los infiltrados).
[2] Hay que decir que The Eye pronto tendrá el estreno de su remake hecho en Hollywood. Así como otros proyectos suyos (caso de Bangkok Dangerous).

The Great Debaters (Denzel Washington/2007)

The Great Debaters (Denzel Washington/2007)
Dirección: Denzel Washington.
Reparto: Denzel Washington (Melvin B. Tolson), Forest Whitaker (Dr. James Farmer, Sr.), Kimberly Elise (Pearl Farmer), Jurnee Smollett (Samantha Booke), Gina Ravera (Ruth Tolson), Denzel Whitaker (James Farmer, Jr.), Nate Parker (Henry Lowe).
Guión: Suzan Lori Parks, Robert Eisele.Productores: Oprah Winfrey, Denzel Washington, Joe Roth.Fotografía: Philippe Rousselot
Editor: Hughes Winborne.
Vestuario: Sharen Davis.

Sinopsis

Es la década del treinta en Estados unidos, la depresión arrecia y la discriminación en el sur es cosa de todos los días. Un grupo de estudiantes de una universidad Afroamericana, a través de su grupo de debate, intentaran no solo debatir con aquellos que están ya de acuerdo con ellos, sino de convencer a los que aún no lo están.

Sobre el film

Esta es la segunda oportunidad que Denzel Washington, dirige un film (la primera vez fue el Biopic Antwone Fisher) y nuevamente intenta que la mirada se centre en el historia, más que en su presencia como realizador.

The Great Debaters, si bien está basada en hechos reales, trabaja y mucho con la ficción para colocar la mirada sobre temas que el propio estados unidos evita hablar en su vida diaria, tales como la desobediencia civil, la libertad de expresión y de pensamiento. Así como la necesidad del desarrollo de una cultura de la diferencia, lo que impliqua una sociedad mucho más inclusiva.
Si bien se puede acusar al film de empalagoso y moralista, sin duda ayuda a recordar y a no olvidar lo importante que se ha ganado en lo que respecta a derechos humanos y lo mucho qué falta por hacer.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.