martes, 4 de mayo de 2010

A serious man/Un hombre serio (Joel y Ethan Coen/2009)




A serious man/Un hombre serio (Joel y Ethan Coen/2009)
Dirección, guión y producción: Joel Coen y Ethan Coen.
Reparto: Michael Stuhlbarg (Larry Gopnik), Richard Kind (tío Arthur), Fred Melamed (Sy Ableman), Sari Lennick (Judith Gopnik), Adam Arkin (el abogado), Peter Breitmayer (Sr. Brandt), Jessica McManus (Sarah Gopnik), Aaron Wolff (Danny Gopnik).
Música: Carter Burwell
Fotografía: Roger Deakins
Editor: Roderick Jaynes

Sinopsis

Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg) es un profesor de física teórica en los años sesenta del siglo pasado, que radica en el Medio Oeste Norteamericano. Tiene una familia, que no lo toma muy en serio, además vive con él su hermano que sufre una seria depresión. Ante una serie de problemas intentara encontrar en su fe (el judaísmo) una certeza a la cual aferrarse.

Nada que contar

Esta nueva obra de los Cohen, nos propone una historia que es la consecución de un estilo ya constituido. Con esto sin duda no decimos nada más que una generalidad, pero nos parece que es un buen punto de inicio, pues lo que nos presenta “A serious man”, es una película que sin duda puede ser vista sin conocer la obra de los Cohen, pero si se ha estado en contacto con sus trabajos anteriores (Barton Fink, Fargo, The Big Lebowski), se puede apreciar un matiz muy particular para contar historias (el cual parte de la ironía matizada con humor negro y acido), donde el narrar se hace solo por el placer de hacerlo (¿y no siempre debería ser así?).

Incluso cuando el relato no tenga un desenlace en que se produzca una anagnórisis, es decir, una revelación, los Cohen saben contar una historia, no con moraleja, sino con la posibilidad de que el propio film se mantenga en nosotros como algo abierto, no en el sentido de final abierto, sino que sigamos luego de haberlo visto, reparando aún en muchas de sus imágenes y acciones. Un detalle a manera de ejemplo para retratar la ironía desplegada por los Cohen. Es genial ver como en la vida de Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), lo única certeza, se encuentre en la pizarra de su salón de clases y sea retratada paradójicamente por el principio de incertidumbre de Heisenberg.

Nos queda por decir, que hay que disfrutar del estilo de narración de los Cohen, que funciona como una suerte de proverbio antiguo (incluso cuando el proverbio parezca de lo más absurdo), que no tiene como fin que lo entendamos del todo, pero si busca el permitirnos preguntarnos con detenimiento acerca de nuestra existencia. Es un film que uno no debe dejar de ver.


Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Un prophète/El Profeta (Jaques Audiard/2009)





Un prophète/El Profeta (Jaques Audiard/2009)
Dirección: Jaques Audiard.
Reparto: Tahar Rahim (Malik), Niels Arestrup (César Luciani), Adel Bencherif (Ryad), Reda Kateb (Jordi), Hichem Yacoubi (Reyeb), Jean-Philippe Ricci (Vettori), Gilles Cohen, Antoine Basler, Leïla Bekhti, Pierre Leccia, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni.
Guión: Jacques Audiard y Thomas Bidegain.
Basado en un argumento de Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Stéphane Fontaine.
Productor: Martine Cassinelli.
Editor: Juliette Welfling.

Sinopsis


Malik (Tahar Rahim) un joven de ascendencia árabe, acaba de cumplir la mayoría de edad, esto implica que deba pasar de la correccional en la que vive a una cárcel. En este nuevo espacio, intentara ganarse un espacio para seguir sobreviviendo.

Un prophète

De Jaques Audiard, conocíamos Sur mes lèvres (Lee mis labios, 2001) que estrenaron varios años más tarde en la cartelera local, y por el cable habíamos podido ver su penúltimo film De battre mon coeur s'est arrêté (De latir mi corazón se ha detenido), ganador en el 2005 del oso de plata en Berlin.

Audiard mantiene en Un prophète (ganadora por cierto en Cannes, al premio del jurado, de varios premios BAFTA y César, así como nominada al Oscar por mejor película extranjera), un estilo ágil (que se asienta sin duda en la música que escoge para acompañar sus imágenes), pero no por ello alejado de la pausa necesaria para asimilar la dureza de sus imágenes. Además, su interés permanece en los cambios culturales, económicos y sociales que vive Francia (discriminación, migración, crimen organizado, grupos separatistas, etc.), sin que por ello la historia se vea comprometida, ya que sabe crear una ficción que si bien se construye desde elementos que se suscriben a una sociedad en particular (como es el caso del conflicto por el independentismo de Córcega o el aumento de la población islámica en Francia), su historia podría trasladarse sin problema a cualquier lugar.

Una historia con tintes en apariencia particularista, se convierte en un relato que conmueve pues se hace presente la condición humana. Ahí creemos encontrar un gran acierto por parte del director, al lograr introducirnos en la ficción, sin intentar crear un cuadro naturalista de la sociedad o en un cine de propaganda.

Un prophète es un film acerca de sobrevivir, que se enlaza con el intento de construcción de una identidad, la cual termina siendo no solo la elaboración y posterior narración de un relato, sino un medio de encuentro con uno mismo, con esa lucha diaria que todos tenemos por descifrar quien es aquel que se presenta en el espejo. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

sábado, 7 de noviembre de 2009

Has Anybody Seen My Girl? (Douglas Sirk/1952)





Has Anybody Seen My Girl? (Douglas Sirk/1952)

Dirección: Douglas Sirk
Reparto: Rock Hudson (Dan Stebbins), Piper Laurie (Millicent Blaisdell), Charles Coburn (John Smith/Samuel Fulton) Gigi Perreau (Roberta Blaisdell), Larry Gates (Charles Blaisdell), Lynn Bari (Harriet Blaisdell), William Reynolds (Howard Blaisdell)
Guión: Joseph Hoffman. Basado en el relato de Eleanor H. Porter.
Música: Hermman Stein
Fotografía: Clifford Stine
Productor: Ted Richmond
Editor: Russell F. Schoengarth

Sinopsis
Un anciano millonario ha decidido inmiscuirse en el futuro de la familia de la mujer que en su juventud amo.

Sirk en clave de musical

Los críticos de Douglas Sirk, asumen sencillamente que este film fue realizado decididamente a pedido y por cumplir su rol de director de planta de la Universal. Sin duda hay algo de verdad en esto, pero la manera en que Sirk asume el musical, es construyendo una critica demoledora de la sociedad norteamericana. Y es que en Sirk (no podía ser de otra forma), tanto color esconde sencillamente la ironía más grande.

El film se construye a partir de la clave de la comedia romántica clásica, hay que casar a una joven pareja, pero antes de ello, deberán pasar por una serie de peripecias, hasta llevar a un impasse o situación aporética que es resuelta por un Deus ex Machina. En la que no puede faltar un senex (anciano, a veces sabio), como vehiculo de resolución de conflictos o desde donde se originan estos.

El caso del senex (interpretado por Charles Coburn), construido por Sirk, es una suerte de identidad venida no solo de lejos, sino que juega a pasar por un igual. Además cumple el rol del que impide y a la vez permite el matrimonio de la joven pareja. Este senex, que como dijimos viene de afuera, cree, como los dioses en las tragedias griegas, que lo bueno para ellos, es lo bueno para los humanos. Así que cuando decide darles un “don” (cien mil dólares) a la familia Blaisdell que lo acoge en su casa, lo hace confiado que esta suma hará feliz a la familia. Lo cierto es que Sirk, como siglos atrás Eurípides, sabía que el “don”, no cambia a la persona que lo recibe, solo potencia lo que hay ya en ella. Creer que la familia buena y pobre, cambio solo por el dinero y que en ella se encierra la moraleja u enseñanza del film, es una ingenuidad. Sirk, ya nos había mostrado, que la única razón por la que la familia Blaisdell (en concreto la madre), aceptan como huésped al extraño venido de afuera (Charles Coburn), no es por cordialidad, sino por la promesa de recibir dinero a cambio del hospedaje.

Y esta avaricia retratada por Sirk, no es pesimismo o escepticismo ante lo humano, es sencillamente lo humano haciéndose presente. Se olvida lo humano, precisamente cuando se quiere ver solo la bondad tras las buenas costumbres. Sirk retrata a la sociedad norteamericana, no con el afán de burlarse de ella, sino que es ella, la sociedad la que esta ansiosa de verse en el espejo que le coloca Sirk.

En el caso de este film, el espejo se sitúa en los años veinte, antes del crack económico y en plena “ley seca”. Sirk elige como es usual un pequeño pueblo de Nueva York, que parece de postal, con la pérgola en el centro de la plaza central y la cruz en la punta de la iglesia. No es una urbe en la que los valores se han diluido, sino que en apariencia aún se conservan. Además se mira con cierta melancolía la década del veinte, como aquellos inocentes viejos tiempos.

Pero este pequeño pueblo, no ha sido inmune de los nuevos ritmos y costumbres que practican los jóvenes. Nos referimos al Ragtime[1], con sus particulares pasos de baile, el Foxtrot y el Charleston. Además se pasa el tiempo en la Drugstore, la cual se encuentra abastecida de una sección en que se expende helados y gaseosas. Y la que solo es tolerada afirma el dueño, por el dinero que produce. Esta afirmación en apariencia anodina, marca la pauta del film, lo aceptado en Norteamérica, no es necesariamente lo admitido por el ethos (es decir, las costumbres de la comunidad), sino por el dinero que hay alrededor. O mejor dicho, el ethos se construye y reconfigura decididamente en relación al dinero. Y eso se realza cuando la familia pobre, es admitida en sociedad, por la pequeña fortuna que ha heredado, y que el chisme se ha encargado de exagerar. Ellos importan en tanto hay dinero de por medio. Lo cual no es asumido solo por los ricos, sino por los propios “nuevos ricos”. Y que se excusan en la figura del sueño efimero hecho realidad, por la fortuna despilfarrada.

Este film, en apariencia alejado de los melodramas que lo harán famoso en Hollywood en años posteriores, inicia la simiente de lo que será el cine de Sirk en los cincuenta. Con films llenos de estrellas, con imágenes cuidadas y bellas. Con historias de final feliz, que hacían caer cientos de lagrimas y que regresaban a cientos de mujeres a casa tranquilas, sabiendo que siempre habrá un mañana. Pero que muestran a la vez una sociedad intentando ocultar tras un velo de color, las culpas por un pasado nada glorioso. Y no es que Sirk crea que la hipocresía sea exclusividad norteamericana, no. Sencillamente, es el lienzo en el que le toca retratar la condición humana. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Post Data
Como dato curioso, un joven James Dean aparece, en una pequeña escena del film, en lo que parece su primera aparición en el cine. El modo en que lo hace no podría ser de otra manera, a un lado de la barra del Drugstore, pidiendo ser atendido, con actitud despreocupada por las formas.




Además es bueno resaltar que es con este film que inicia la relación director-actor, entre Douglas Sirk y Rock Hudson.



[1] La canción que da nombre al film se llama “Five Foot two, Eyes of Blue” creada por Ray Henderson (música), Sam Lewis y Joe Young (letra). La letra nos habla de un hombre que no conoce ya a su novia pues se ha vestido de Flapper. Algo similar pasa en el film de Sirk.

jueves, 30 de julio de 2009

Frozen River (Courtney Hunt /2008)




Frozen River (Courtney Hunt /2008)

Dirección: Courtney Hunt.
Reparto: Melissa Leo (Ray Eddy), Misty Upham (Lila), Charlie McDermott (T.J.), Mark Boone Junior (Jacques Bruno), Michael O'Keefe (Trooper Finnerty), Jay Klaitz (Guy Versailles), John Canoe (Bernie), Dylan Carusona (Jimmy), Michael Sky (Billy Three Rivers), Nancy Wu (Chen Li).
Guión: Courtney Hunt.
Productores: Heather Rae y Chip Hourihan.
Fotografía: Reed Morano.
Editor: Kate Williams.
Música: Peter Golub y Shahzad Ismaily.
Vestuario: Abby O'Sullivan.

Sinopsis
Es navidad al norte del estado de Nueva York, cerca de la frontera con Canadá. Ray Eddy (Melissa Leo) acaba de ser abandonada con sus dos hijos, de quince y de cinco años, por su esposo adicto a las apuestas. Intentando encontrarlo, conoce a Lila (Misty Upham), una joven Mohawk que la introduce en lo que ella denomina “el comercio entre naciones”.

Sobre el Film
En el 2008 Frozen River[1] recibió un gran número de críticas positivas, dada la manera sencilla en que es narrado el film. Esto sin duda a dos elementos, a la dirección y a las actuaciones de Melissa Leo[2] y Misty Upham[3]. Y es precisamente esa sencillez la que marca cada cuadro del film. Son dos mujeres en necesidad (provenientes de tradiciones distintas), ambas madres, y es esta situación la que las confronta y las une.
A ambas las mueve no la ambición sino el amor a su familia y el sentirse cansadas de ser engañadas. Relación que se enmarca en temas tan complejos como los son el trafico de personas, la discriminación (por género y raza) y la autonomía de lo pueblos indígenas en países como Estados unidos y Canadá[4].
De ahí que uno sepa reconocer el manejo de Hunt, sin forzar la historia nos coloca ante problemas que no son discutidos o vistos comúnmente. Las situaciones que van afrontando Ray y Lila reflejan el abandono y el desinterés que sufren buena parte de la población en estos lugares, son rostros no vistos tanto de sociedades desarrolladas, como de pueblos indígenas. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] En los premios Sundance, gano el gran premio del jurado y estuvo nominada a los Oscars por mejor actriz (Melissa Leo) y por mejor guión (Courtney Hunt).
[2] Quien tiene una carrera de más de veinte años, en la que por lo general asume papeles de figurante o actriz de reparto. Y a quien conocemos por su participación como actriz de reparto en films como Los tres entierros de Melquíades Estrada, o por su participación en series como La ley y el Orden, Cold Case y The L Word.
[3] Ambas ya habían trabajado con Hunt en el 2004 realizando un cortometraje sobre el mismo film. El cual fue presentado y premiado en el festival de Nueva York de ese año.
[4] Temas que la directora ha sabido insertar en su guión debido a su formación de abogada especializada en temas de derechos civiles y en derecho constitucional.

sábado, 13 de junio de 2009

Good (Vicente Amorin/2008)


Good (Vicente Amorin/2008)

Dirección: Vicente Amorim.
Reparto: Viggo Mortensen (John Halder), Jason Isaacs (Maurice), Jodie Whittaker (Anne), Mark Strong (Bouhler), Steven Mackintosh (Freddie), Gemma Jones (madre de Halder), Anastasia Hille (Helen), Ruth Gemmell (Elisabeth), David de Keyser (Mandelstam).
Guión: John Wrathall; basado en la obra de C.P. Taylor.
Productor Miriam Segal, Sarah Boote, Kevin Loader, Dan Lupovitz y Billy Dietrich. Fotografía: Andrew Duna.
Edición: John Wilson.
Vestuario: Györgyi Szakács

Sinopsis
John Halder es profesor de literatura a inicios del treinta del siglo pasado en Alemania y ha escrito una novela sobre la posibilidad de otorgarle una muerte digna a quienes amamos. La novela le abrirá posibilidades de ascenso no previstas en una Alemania que esta empezando a abrazar el nazismo.

Sobre el film
Este film de Amorin se encuentra basado en la obra de teatro del mismo nombre de C.P. Taylor. Y muy bien adaptado por John Wrathall a las posibilidades del lenguaje cinematográfico. Hacemos mención de esto pues hay que tener presente que la versión de Taylor se centraba en la psique de su protagonista y se servia de muchos elementos teatrales para hacernos conscientes de el tour de force que implica vivir en una Alemania tan incierta como la del nazismo. En el caso del film, Amorin procura centrarse también en el personaje. Y sin duda la genial actuación de Mortensen hace posible esto, ya que nos acerca a la angustia, al deseo, a la ambición y al miedo del buen John Halder. Quien en momentos de tensión extrema escucha Mahler intentando escapar de la realidad que lo agobia. Más allá del tema del nazismo y sus terribles consecuencias, el film trata del peligro de olvidar deliberar y solo actuar ocultándonos tras la creencia que hacemos el bien. Lo cual nos da la posibilidad de vernos reflejados en el espejo en que se convierte Halder. Es descubrir no al monstruo sádico y perverso, sino a aquel que se esconde en la sencilla respuesta que daba Eichmann: me comportaba simplemente, como todo buen alemán de la época haría . Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Departures/Okuribito (Takita, Yojiro/2008)


Departures/Okuribito (Takita, Yojiro/2008)

Dirección: Yojiro Takita.
Reparto: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamazaki, Tetta Sugimoto, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Kazuko Yoshiyuki.
Guión: Kundo Koyama. Inspirado en la novela autobiografica de Shinmon, Aoki, Coffinman: The Journal of a Buddhist Mortician.
Productor: Toshiaki Nakazawa. Fotografía: Takeshi Hamada.
Edición: Akimasa Kawashima.
Vestuario: Katsuhiko Kitamura.

Sinopsis
Daigo
toca el violonchelo desde niño a pedido de su padre y se desempeña en una orquesta sinfónica en Tokio. Es lo que ha hecho durante toda su vida, pero un giro del destino lo hará regresar junto a su esposa a Yamagata, su pueblo natal en donde encontrará la dicha en un empleo poco habitual.

Sobre el film
La muerte en muchas culturas es una experiencia que nos embarga por su extrañeza. Si bien es una situación inexorable por nuestra condición de seres finitos, lo cierto es que la rechazamos y huimos de ella. Departures/Okuribito (ganadora en los premios Óscar de este año como mejor película extranjera) nos muestra la posibilidad de encontrar a través de un rito la posibilidad de conciliar la pérdida y poder dejar partir al ser amado. Ese rito es el del nōkan (納棺), práctica perteneciente al budismo, el cual consiste en realizar la purificación y preparación de un cuerpo para que este sea incinerado. En este rito el cuerpo es tratado con suma delicadeza para crear una última imagen bella ante sus seres queridos. Es así que el nōkan nos permite encontrar la estética de la vida en nada menos que un cadáver. Daigo se inicia en este negocio de manera casual, pero descubre en él, la delicadeza y cuidado que todo arte y todo rito tiene en el Japón. Es decir, una acción no se reduce a conseguir un propósito determinado, es el modo en que se realiza lo que distingue a un arte. Además encuentra en la muerte, la intensidad que había perdido en relación a la vida. Finalmente, Daigo al iniciarse en este rito descubre (parafraseando a Kierkegaard) que para comprender nuestra vida se requiere mirar hacia nuestro pasado, lo cual nos permitirá poder vivir mirando hacía delante. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

miércoles, 25 de marzo de 2009

In Bruges (Martin McDonagh /2008)




In Bruges (Martin McDonagh /2008)

Dirección: Martin McDonagh.
Reparto: Colin Farrell (Ray), Brendan Gleeson (Ken), Ralph Fiennes (Harry), Clémence Poésy (Chloë), Jérémie Rénier (Eirik), Thekla Reuten (Marie), Jordan Prentice (Jimmy).
Guión: Martin McDonagh.
Productores: Graham Broadbent y Pete Czernin .
Fotografía: Eigil Bryld.
Editor: Jon Gregory.
Música: Carter Burwell.
Vestuario: Jany Temime.

Sinopsis
Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson) son un par de asesinos de Londres que luego de un trabajo han sido mandados a la ciudad Belga de Brujas, por su jefe Harry (Ralph Fiennes) a esconderse y a esperar órdenes. Lo que parece ser unas vacaciones forzadas en una pequeña y placida villa medieval, se irán convirtiendo de a pocos en la oportunidad para estos dos sicarios de ir pensando que tan conformes se encuentran con sus vidas.

Sobre Martin McDonagh
In Bruges[1] es la opera prima de Martin McDonagh[2], a quien en Lima conocemos por dos de sus obras de teatro, nos referimos a “El hombre almohada” y “El teniente de Inishmore”. Ambas obras se distinguen por su uso de la crueldad como un elemento desde el cual desarrollar la trama. Por ello, algunos críticos han desestimado la calidad de sus obras acusándolas de efectistas, ya que, se vale de la exageración y el ridículo para impresionar. Por otra parte, los que defiende este uso de la violencia, sustentan que su presencia extrema muestra lo absurdo de esta. Creemos que en el caso de McDonagh, la violencia no solo sirve para impactar al espectador, sino que es desde ella, que se busca iniciar la reflexión, pero no en el sentido de mostrarnos lo ridículo de la violencia, sino en que reparemos sobre la presencia que esta tiene en nuestras vidas y que frecuentemente intentamos no ver.

Sobre el Film
Desde la tragedia griega, la violencia, y su impacto en nuestros sentidos más primarios, ha sido un elemento desde el cual se parte cualquier proceso de cavilación sobre la condición humana. El hombre en la Grecia antigua y el hombre de nuestro tiempo, intentan con el mismo fervor alejar el conflicto de su vida, y ambos solo logran acercarse con mayor velocidad a él.
La espera en Brujas, coloca a Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson) en una situación muy particular, la de empezar a pensar en su vida. Esto los lleva a creer que su vida debe ser dirigida por algún propósito. De ahí que la trama de “In Bruges”, nos presente la crisis que atraviesan un grupo de personajes que a pesar de vivir al margen de la ley, se aferran a la práctica de ciertos códigos de conducta.
Los personajes de McDonagh nos muestran sus neurosis, exacerbando el valor del honor en un intento por encontrar sentido a la vida. Principios o códigos que se constituyen desde un ámbito muy particular, el yo. Exigen además, algo que parece, nadie en nuestra sociedad de consumo está dispuesto o en capacidad de ofrecerles, un reconocimiento fuera de la relación de costo beneficio. Qué duda cabe que vivimos en una sociedad que se encuentra alejada de los códigos tradicionales de honor y virtud. Por el contrario somos una sociedad que parece responder únicamente al pragmatismo, así como a concebir el éxito exclusivamente a partir de los resultados. Sociedad en la que todo es una mercancía o está en capacidad de serlo. De ahí que el drama pareciera residir en que nadie parece entender ni interesarle, el valor que alguien le puede dar en la actualidad a estos valores de antaño.
En realidad creemos que el sinsentido se produce al intentar encontrar una razón a la existencia. En ese ridículo que implica ir detrás de un simple Cliché[3] se encierra la tragedia humana para McDonagh. Como decíamos, esa melancolía por vivir bajo ciertos códigos de honor, se hace tan absurda para los otros, que es vista sencillamente como locura.

Algunas notas de Nietzsche
Por otro lado, nuestra época sufre de una apatía constante, ya que añora melancólicamente la supuesta pérdida de la versión original, una suerte de saudade (tristeza por ausencia) por lo real. Vivimos pensando que solo nos quedan las copias, y que por ello cuando nos enfrentamos a lo que está (supuestamente) a la base de todas las representaciones, no tenemos ya la capacidad de poner en valor a lo real. Esta neurosis ya la describía bien hace más de un siglo Nietzsche al hablarnos del Nihilismo. Esa enfermedad por vivir añorando un tiempo en que la verdad, la realidad en sí existía. Nietzsche contrapone al nihilismo la voluntad de poder que implica ver la vida a partir del transcurrir del tiempo. Es dejar de evadir el conflicto de nuestras vidas y abrazar el dolor de la existencia. La vida no tiene ningún sentido, y ello no debe producir en nosotros ninguna sensación de angustia o de ansiedad. Mencionamos esto pues los personajes de McDonagh en este film, buscan evadir la apatía y desapego por la vida, intentando de cualquier forma sentir algo. Y nos muestran la duro que se nos hace asumir el rol que juega el absurdo en nuestra existencia. De ahí que podamos decir que es un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] Llamo la atención de la prensa por sus múltiples nominaciones a los BAFTA, a los Globos de Oro y a los Oscars, entre otros premios.
[2] Aunque hay que indicar que tiene ya un cortometraje premiado (gano un Oscar) en su haber, nos referimos a Six Shooters (2004). El cual mantiene el uso del humor negro que ya es característico en su obra.
[3] La razón de escoger una ciudad (como nos lo recuerdan constantemente los personajes en el film) como Brujas, que aunque real, pareciera salida de un parque temático, se engarza totalmente con este otro ámbito en que se manejan los personajes del film.

The Visitor (Thomas MaCarthy/2007)



The Visitor (Thomas MaCarthy/2007)
Dirección: Thomas MaCarthy.
Reparto: Richard Jenkins (Walter Vale), Tarek Khalil (Haaz Sleiman), Danai Jekesai Gurira (Zainab), Hiam Abbass (Mouna Khalil), Marian Seldes (Barbara).
Guión: Thomas MaCarthy.
Productores: Omar Amanat, Michael London, Mary Jane Skalsky.
Fotografía: Oliver Bokelberg.
Editor: Tom McArdle.
Música: Jan A.P. Kaczmarek.
Vestuario: Melissa Toth.

Sobre el director y su obra
Thomas MaCarthy[1], tiene únicamente dos films[2], pero su manera íntima de dirigir, da la apariencia de un director de oficio y curtido, que se encuentra alejado por la experiencia, de manierismos y trucos, ya que posee un estilo sutil de acercarnos a sus personajes. Hace un par de años tuvimos en el cable la oportunidad de ver su comentada opera prima The Station Agent[3], la cual nos cuenta el encuentro de tres personajes totalmente disimiles entre sí. El protagonista es Finbar McBride (Peter Dinklage) quien sufre de enanismo y ha trabajado toda su vida en una tienda especializada de trenes a modelo. En ese espacio siempre se ha sentido seguro, ya que logra evitar la mirada curiosa e incómoda ante su condición. Pero luego de la muerte de su amigo y dueño de la tienda, se muda a la New Jersey rural a vivir a una pequeña y abandonada estación de trenes. En el pequeño poblado, Finbar espera poder pasar desapercibido. Pero conoce, a pesar de su intento de alejarse de todos (pues se considera un solitario), a Joe Oramas (Bobby Cannavale). Quien reemplaza a su padre en su local ambulante de hot dogs, que se encuentra en las inmediaciones del lugar en que vive Finbar. Joe se convierte en la contraparte de Finbar, si este es melancólico, metódico y pesimista, Joe es todo lo contrario. A ellos se suma Olivia Harris (una genial Patricia Clarkson) una artista plástica que no logra superar una tragedia que cambio su vida. Las relaciones entre estos personajes, nos muestra la posibilidad de vivir la soledad de a tres.

Acerca del Film
Si un elemento, comparten los films de MaCarthy, es colocar a sus protagonistas fuera de sus zonas seguras. Esto lo hace a través del duelo. La muerte se abre como una zona liminal, de transito, desde la cual curiosamente y aunque suene idílico, nace una nueva vida. Si en el caso de Finbar la muerte de su mejor amigo, lo lleva a mudarse y termina conociendo a nuevas personas que ingresan a su vida, en The Visitor, el viejo profesor de economía Walter Vale (interpretado por un genial Richard Jenkins[4], quien tiene en sus contrapartes actores que le brindan en todo momento las posibilidades para construir una gran actuación), se encuentra en duelo permanente por la muerte de su esposa. Y será ese duelo el que lo lleve a empezar a reencontrarse. A saber que no hay edad para aprender a acoger como tus iguales a personas que no te son cercanas, por raza, cultura o profesión. Que son tus iguales por que aman igual que tu, vivir.
De ahí que podamos decir que, The visitor es una historia construida en la confianza del director en la capacidad de sus actores. Son ellos los que nos hacen creer en la trama, son ellos los que le dan piel y carne al film. Finalmente nos queda por decir que es una historia sobre la otredad como medio de alcanzar encontrar nuestra propia identidad. Es ver este viaje de encuentro de uno mismo, a través de unos otros que me son (en apariencia) totalmente diferentes a quien yo imagino o supongo ser. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Ganador por “The visitor” del Independent Spirit Awards.
[2] Los cuales ha dirigido y escrito. Su carrera se ha construido principalmente como actor de reparto en diferentes films, pero sobretodo en diversas series de televisión, entre ellas The Wire, Law & Order, Boston Public, entre otras.
[3] Entre los variados premios que gano, se encuentra un BAFTA ha mejor guión.
[4] El cual fue nominado en la categoría de mejor actor en el Oscar de este año, y que gano por este film premios en ese rubro en festivales internacionales como el de Moscú y el de Brisbane en Australia.

domingo, 1 de febrero de 2009

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)


Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)
Dirección: Sydney Pollack.
Productor: Ultan Guilfoyle.
Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.
Editor: Karen Schmerr.
Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.

Synopsis
The famous director Sidney Pollack, takes us to discover, from the sketches written by the architect Frank Gehry[1], not just to the genesis of his art work, but introduces us in the creative process of one of the most interesing and influencial men of our times.
About the Film
In the ancient Greece, architects and their purpuse were conceived as the articulator of human efforts. He was a man of τέχνη (techné), the one who had enough knowledge to conceive a concept (design it) and produce an object(construct it). The concept of τέχνη (from where the tecnique comes from), as time passed by, was just seen through is production consideration, loosing somehow, its creative aspect and conception.
Along the film, Gehry’s image let us find within him, the man with τέχνη, the processes from which his pieces had been taking shape and the elements that had let him foreseen desings that challenge the principles of construction and edification and the capacity to make them true. Gehry’s work is con conceptual, he designs to make his sketches become structures that transform the space that lodges them.
Lets take under consideration the relationship between Arquitecture have always had with power. Design had been a commodity that only a very reduced group had enjoyed, due the expensive costs that require to develop a project an make it come true.
Last century, with the masification of almost everything, arts included, shows us the presence of Design in our lives. That’s why it becomes so interesting to know and learn about the work of an avante- garde artist in the fileld of design, because architecture reflections are about spaces in which our lives develop and happen, call it home, office, entertainment, religious practices, etc.
Frank Gehry’s work invite us to think and consider arquitecture as a profesión, considering the profesional who works it. Gehry shows us the possibility of watching the architect not as a simple producer, but as an artist, as a man with the power and capacity to take us to an absolut aesthetic experience, in which man really considers, stares and gets in touch with the space sorrounding him. He achieves it due to the managing forms, objects, and of course, the way he forseens how light will interact with his work.
To have the opportunity to watch a documental on Gehry’s work, is the best way to get close to this art that implys watching in an empty space a design that adequates to it.

JUAN ALBERTO GONZALES HURTADO.
Traducido por: Paola Fattorini.

[1] Who has become a cultural reference. Lets remenber the chapter from "The Simpsons”, 16th seasson ( The Seven-Beer Snitch /2005) in which Springfield builds a concert auditorium with a Gehr’s design (whom by the way, participates with his own voice in that episode). The auditórium looses its attractiveness y finaly ends up becoming the new penitenciary of the city.
Without a doubt, a reference from the critics that Guggenheim Museum received in Bilbao.

domingo, 25 de enero de 2009

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)


Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)
Dirección: Sydney Pollack.
Productor: Ultan Guilfoyle.
Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.
Editor: Karen Schmerr.
Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.

Sinopsis
El afamado director Sidney Pollack, nos lleva a descubrir a partir de los sketches (los borradores) del arquitecto Frank Gehry[1], no solo la génesis de su obra, sino que nos introduce en el proceso creativo de uno de uno de los hombres, más interesantes e influyentes de nuestro tiempo.

Sobre el Film
Los griegos antiguos, concebían al arquitecto y su función como aquel articulador de los esfuerzos humanos. Era un hombre con τέχνη (techné), es decir, aquel que tenía el conocimiento necesario para conceptuar (diseñar) y producir un objeto (construir). El concepto τέχνη (de donde proviene técnica) con el tiempo solo fue visto a través de su matiz de producción, de esta manera, perdió su aspecto creativo y conceptual. La figura de Gehry nos permite encontrar en él al hombre con τέχνη, ya que durante el film podemos ir viendo los procesos por los cuales se han ido constituyendo sus obras. Los elementos que le han permitido no solo vislumbrar diseños que desafían los principios de construcción y edificación, sino la capacidad de realizarlos, pues la obra de Gehry no es conceptual, él diseña para lograr que sus bocetos se conviertan en estructuras que reconfiguren el espacio que las alberga.
Hay que hacer notar, la relación que la Arquitectura ha tenido siempre con el poder. El diseño ha sido un bien del cual solo un grupo reducido ha podido disfrutar dado los altos costos de requieren diseñar un proyecto y llevarlo acabo. Sin duda en el siglo pasado y la masificación de todo, incluidas las artes, nos muestran la presencia en nuestras vidas del diseño. De ahí que se vuelva tan interesante conocer la obra de un artista de vanguardia en esta área del diseño, ya que la arquitectura reflexiona sobre los espacios en que se desarrolla nuestra vida. Llamase vivienda, trabajo, diversión, práctica religiosa, etc.

La obra de Frank Gehry nos enfrenta a pensar en la arquitectura como profesión y al profesional que la ejerce. Gehry nos muestra la posibilidad de ver al arquitecto no como un mero productor, sino principalmente como un artista, como un hombre con la capacidad de llevarnos a una experiencia estética total, en la que el hombre no solo repara en el espacio que lo rodea, sino que se pone realmente en contacto con él. Y esto es gracias al manejo que tiene de las formas, de los objetos, así como al modo en que logra vislumbrar la manera en que la luz va interactuar con sus obras.
Tener la oportunidad de ver un documental sobre la obra de Gehry, es sin duda la mejor forma de acercarse a este arte que implica el ver en un espacio vacío un diseño que se adecue a él.
JUAN ALBERTO GONZALES HURTADO.


[1] Quien sin duda se ha convertido en una referencia cultural. Basta recordar un capitulo de “Los Simpsons” de su temporada 16 ( The Seven-Beer Snitch /2005) en que en Springfield se construye una sala de conciertos, con un diseño de Gehry (quien por cierto participa del capitulo con su voz), el auditorio de conciertos pierde su atractivo y finalmente termina convirtiéndose en la nueva penitenciaria de la ciudad. Sin duda una referencia a partir de las críticas que recibió el diseño del museo Guggenheim en Bilbao.

domingo, 7 de diciembre de 2008

This is England (Shane Meadows/2007)


This is England (Shane Meadows/2007)
Director: Shane Meadows.
Cast: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls).
Writer: Shane Meadows.
Produced by: Mark Herbert.
Director of Photography: Danny Cohen.
Film Editing by: Chris Wyatt.
Music by: Ludovico Einaudi.
Costume: Jo Thompson.


Synopsis
Shaun
(Thomas Turgoose) is an english boy from Thatcher era, who lives in a coastal town with his mother only, since his father died combating at the Falklands War (Malvinas). Shaun, despite his loneliness, will find a local skinhead gang that will confront him to his first life lessons.

About the film
Shane Meadows films have been always connected to the process of passing from childhood to adolescence, and so from adolescence to adulthood. His films show families built on the streets, families made little by little and with a few.
Meadows has been focused to picture the economical and social processes England has gone through since Margaret Thatcher era. But not from the huge facts, or the ones recorded by history (which serve as a scenery from which to tell the story), but from a story of the most tough learning and growing process. And that is the thoughness that nurtures and gives rythim to "This is England", that from his title calls us to sense the different varieties and meanings of this expression. And, the purpuse for this particular period of time in the recent history of England, according to the very testomony of Meadows, is that he grew up in that England, the one with unemployment, empoverishment of small towns, meaning the diminution of chances to develop capacities of the childrend from the work force.
Meadows, as a child like Shaun belonged to a skinhead gang, the ones that now are related to radical groups that have as ideals segregation and discrimination, were more a contracultural expression that had its roots at the end of the sixties, at the encounter between the sons of jamaican migrants with young english workforce classs. Their tough appeal (jeans, shirts, braces, sking heads, high boots) went along with their thoughts about life as a constant struggle. If hippies were looking to lavish a peace and love culture, the skinheads from the sixties had very clear that life was hard and difficult and that we had to be ready to fight for what we considered fair.
From those times we remember the Jamaican group The Maytals (now known as Toots & The Maytals) - and that without hesitate would deserve a comment aside - , plays a significant role as the film soundtrack. The fusion and rythim from this group (that combines ska, reggae, gospel and R&B) brings the perfect tune to go along with joy escenes and camaraderie, to the ones more crude. The music complements and accompanies the eighties skinheads that listen to jamaican music, but hit every single one that is not white and protestant.
We’ve just mentioned that Meadows films worked with stories from kids having the streets as a space to survive, for Shaun (Thomas Turgoose) it is not the lack of love or affection which pushes him to the street, but that this place, is the only space in which his emotions and inner feelings are understood. The pain he carries for his father death finds a perfect spot at the radical skin group of Combo (Stephen Graham). Precisely, between both characters occurs a symbiosis that becomes very natural, because both mean and are something for the other, that they feel they have lost and couldn’t have back again.
Without a doubt theres is a lot to say about “This is England”, but we would close this comment saying that is a film with an even rythm, with an atypical ability to confront us to the inner contradictions of a gang of buddies and displaced adults, struggling to make them a space. A film to watch.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.
Traducido por: Paola Fattorini.

viernes, 21 de noviembre de 2008

Steel City (Brian Jun/2006)


Steel City (Brian Jun/2006)

Dirección: Brian Jun.
Reparto: John Heard (Carl Lee), Tom Ghiry (PJ Lee), Raymond J. Barry (Vic Lee), Laurie Metcalf (Marianne Karn), America Ferrara (Amy Barnes), Clayne Crawford (Ben Lee), James McDaniel (Randall Karn).
Guión: Brian Jun.
Productores: Rusty Gray, Ryan Harper, Brian Jun.
Fotografía: Ryan Samul.
Editor: Brian June.
Música: Mark Geary.
Vestuario: Meredith J. Murray.

Sinopsis
PJ Lee (Tom Ghiry) y su padre Carl Lee (John Heard) se encuentran a partir de un accidente de auto.

Sobre el Film
Steel City es la opera prima de Brian Jun[1], quien además es el guionista y editor del film. Lo que nos habla de un film con una mirada muy personal. Lamentablemente este film no ha tenido mucha distribución, ni difusión. Logro si un par de nominaciones en festivales (una en el festival de Sundance por su guión y otra en los Independent Spirit Award, por la actuación de Raymond J. Barry) y se exhibió en algunos cines de Norteamérica, pero pronto fue lanzado en formato de DVD[2].

Con Steel City, uno se encuentra con un cine de silencios, en que la imagen y especialmente los colores que se resaltan en ella dan por completo el tono al film. Otro elemento a destacar, son las actuaciones, construidas a partir de miradas, de gestos, no es que los textos no sean buenos o que el guión no importe, solo que la manera en que se construye el film apuesta más por lo que se muestra, que por lo que se dice.

Un tercer elemento a resaltar en la composición del film, es la música, nos referimos tanto a la compuesta por Mark Gehry, especialmente para el film, la cual, no es solo un complemento, sin duda es un elemento que ayuda a narrar la historia, a crear el clima adecuado para comprender y delinear las emociones de los personajes. Así como a las canciones de Jeff Black, quien en sus letras expresa aquello que los personajes mantienen en silencio[3].

Finalmente queremos decir que Steel City es un film sobre el aprender a vivir con las elecciones que uno ha tomado. Si bien es usual creer que una parte importante del proceso de entrar en la vida adulta y alcanzar lo que se conoce como madurez, reside en saber no solo distinguir entre el bien y mal, sino practicarlo[4]. Lo cierto es que vivimos a partir de circunstancias que no controlamos, ni decidimos, lo que no nos aleja de una cuota de responsabilidad en las decisiones que tomamos.

Y es esto lo que nos presenta el film de Brian Jun, personajes en el proceso de aprender a asumir y afrontar las consecuencias de sus decisiones, es decir, que no ven ni viven la vida a partir de valores de excelencia que demarcan un ideal de vida buena. Por el contrario, se encuentran, como dijimos, en el proceso de aprender que vivir es confrontar aquello que no nos es agradable (en relación a nosotros mismos y a los demás) y a creer en que la posibilidad de cambiar las cosas reside exclusivamente en nosotros. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] De quien hemos tenido la oportunidad de ver su primer cortometraje titulado “For Jimmy Brown”. Este 2008 acaba de estrenar “The Thacker Case”.
[2] Lo cual para los estudios de cine no es algo inconveniente, hay que tener en cuenta que por concepto de venta de DVD´s, los estudios muchas veces ganan más dinero por este medio, que por la exhibición de los film en las propias salas de cine, pues en estas deben compartir buena parte de las ganancias con los distribuidores y exhibidores.
[3] Para escuchar la banda sonora del film, solo se requiere visitar la página oficial del film: http://www.steelcitythemovie.com/base.html.
[4] Tratamos de vivir guiados por una concepción ideal de lo que es el “bien”, pero no reparamos que por seguir un ideal se tiende a perder la perspectiva de las cosas.

lunes, 13 de octubre de 2008

This is England (Shane Meadows/2007)





This is England (Shane Meadows/2007)
Dirección: Shane Meadows.
Reparto: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls).
Guión: Shane Meadows.
Productor: Mark Herbert.
Fotografía: Danny Cohen.
Editor: Chris Wyatt.
Música: Ludovico Einaudi.
Vestuario: Jo Thompson.

Sinopsis
Shaun
(Thomas Turgoose) es un niño ingles de la era Thatcher y vive en un pueblo costero junto a su madre, pues su padre murió combatiendo en las Malvinas. Shaun aunque solitario encontrara a un grupo de skin locales, que lo enfrentará a sus primeras lecciones sobre la vida.
Sobre el film
La obra de Shane Meadows, siempre ha estado ligada al tema del paso de la niñez a la adolescencia, así como de la adolescencia a la adultez. Sus películas tratan sobre la familia que se construye en la calle, esa familia que se hace de a pocos y con pocos.
Meadows ha estado interesado por retratar los procesos económicos y sociales que ha vivido Inglaterra desde la era de Margaret Thatcher. Pero contado no desde los grandes hechos registrados por la historia oficial (que sirve como un fondo desde el cual contar la historia), sino que lo hace a través de historia de crecimiento y aprendizaje, pero del más duro. Y esa es esa dureza la que nutre y da ritmo a "This is England", que ya desde su título (“Esto es Inglaterra”), nos llama a los variados sentidos que tiene esta expresión. Y el interés por este periodo en particular de la historia reciente de Inglaterra, se debe, por propio testimonio del director, a que él creció en esa Inglaterra, la del desempleo, la del deterioro de la economía de las pequeñas ciudades y por ende la disminución de posibilidades de desarrollar sus capacidades para la los hijos de la clase obrera.
Meadows, de niño como Shaun, perteneció a un grupo de skin, los cuales a pesar de que en la actualidad se los asocia a grupos radicales que tienen como credo la segregación y la discriminación, era más una moda contracultural que tenía sus raíces en los finales de la década de los sesenta, en el encuentro de los hijos de migrantes jamaiquinos con jóvenes de clase obrera inglesa. Su aspecto rudo (jeans, camisas, tirantes, el pelo rapado o corto, las botas altas) iba acorde con su postura de ver la vida como una lucha constante. Si los hippies buscaban prodigar una cultura de paz y amor, los skin de los sesenta tenían claro que la vida era difícil, y había que estar listo para luchar por defender lo que uno consideraba justo.
De ese periodo es el grupo jamaiquino The Maytals (conocidos en la actualidad como Toots & The Maytals, y que sin duda merecería un comentario aparte), que sirve como soundtrack del film. El ritmo fusionado de este grupo (mezcla de ska, reggae, góspel y R&B) da el tono perfecto para el paso de escenas de alegría y camaradería, a las de más crudeza. La música complementa y acompaña las contradicciones de los skin de los ochenta que escuchan música jamaiquina, pero golpean a todo aquel que no sea blanco y protestante.
Si bien las películas de Meadows trabajaban historias de chicos que solo tenían la calle como espacio para sobrevivir, en el caso de Shaun (Thomas Turgoose) no es la falta de amor o afecto lo que lo empuja a la calle, sino que esta, es el único espacio en que sus emociones y sentimientos son comprendidos. El dolor que lleva por la muerte de su padre encuentra un nicho perfecto en el grupo de skin radicales de Combo (Stephen Graham). Precisamente entre ambos personajes se da una simbiosis que se hace muy natural, pues ambos son algo para el otro, que sienten no podrán tener ya.
Sin duda es mucho lo que nos queda por decir de “This is England”, pero queremos cerrar este pequeño comentario diciendo, que es un film de ritmo sostenido, con una habilidad atípica de enfrentarnos a las contradicciones propias de un grupo de chicos y adultos desplazados, intentando hacerse un lugar. Un film que hay que ver.
Juan Alberto Gonzales Hurtado.

The Savages (Tamara Jenkins /2007)



The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Director: Tamara Jenkins.
Cast: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).
Writer: Tamara Jenkins.
Produced by: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.
Director of Photography: Mott Hupfel.
Film Editing by: Brian A. Kates.
Music by: Stephen Trask.
Costume Design by: David C. Robinson.

Synopsis
The lives of Jenny and Jon Savage are about to change when they get news about his father´s needs for special care due to his delicate mental condition, so they consider putting him in a nursing home as the right decision. What they didn’t expect was that the situation would open the door to memories and emotions left behind long, long ago.

About the film

Tamara Jenkins has a film career consisting of two films. A short time ago on cable, we had the opportunity to watch Slums of Beverly Hills, about a penniless nomadic family. In his intent to improve their son’s education, a desperate father decides to frequently move in and out of various apartments in order to have their kids attending city schools in Beverly Hills. This act that could be taken as a noble intent by the father to give better opportunities to his family, actually represented his frustrated aspirations and effort to sustain an apparent success. In this film Jenkins already gave us examples of her corrosive spirit and capacity to expose her characters to the most absurd situations, always with an ironic tone. But with The Savages, Jenkins’ story acquires a few more obscure shades without losing black humor, which is introduced in the most unexpected situations and moments.

The Savages are intellectuals that employ all their energy just to avoid showing their emotions. They think that their boldness and intelligence allows them to be ironical, as well escape from ridiculousness and distinguish themselves from the rest. They think the have become experts hiding their miseries, though they haven’t really succeed at it. And perhaps that aspect relates the Savages with the Slums. Both families try so hard to hide who they are, to escape and avoid reality, that it finally ends up exposing them even more.
The Slums make a constant intent to live in Beverly Hills, even in the most deplorable apartments. The Savages, making fun of the rest by ridiculing their conventionalities, while they would madly love to attain any one of them.

If in the Greek tragedy, the main character confronted destiny forces and the cosmos, pretentiously thinking that he could change his destiny. In the contemporary tragedy, the outlook of our destiny does not correspond exclusively to external forces. The reason of our misery resides especially within us, in our fears, in our constant self destructive patterns. Jenkins´ direction and the knowledge she has about her story is projected in the detailed attention she pays to Laura Linney (Wendy Savage) and Philip Seymour Hoffman´s (Jon Savage) performances, each one of them had given birth to shades and particularities of the characters. They have known how to create in them, from the usual interpretations which undoubtedly has given the personal look that this whole film has. Don’t miss it.

Juan Gonzales.
Sept. 2008
POST DATA
La presente reseña ha sido traducida gracias a la generosidad de una serie de amigos, resultando esta la versión final, cualquier error, lo asume el autor de la reseña original.

viernes, 12 de septiembre de 2008

The Savages (Tamara Jenkins /2007)







The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Dirección: Tamara Jenkins.
Reparto: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).
Guión: Tamara Jenkins.
Productores: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.
Fotografía: Mott Hupfel.
Editor: Brian A. Kates.
Música: Stephen Trask.
Vestuario: David C. Robinson.

Sinopsis
Los hermanos Wendy y Jon Savage, reciben la noticia de que su padre necesita cuidados extremos por su delicada salud mental. Los hermanos Savage, no encuentran mejor solución que internarlo en una casa de reposo. Lo que no esperan los Savage, es que esta situación abrirá en ellos una puerta a emociones y recuerdos dejados de lado por mucho tiempo.

Sobre el film
Tamara Jenkins tiene una obra que se compone por dos films, hace un tiempo en el cable se podía ver Slums of Beverly Hills[1] (1998), que nos contaba la historia de los Slums, una familia pobre que por intentar brindarle una mejor educación a sus hijos vivían de manera itinerante de departamento en departamento con tal de residir en la zona que correspondía al distrito escolar de Beverly Hills. Este acto que podría ser interpretado como un intento noble por parte de los padres para brindarles mejores oportunidades a sus hijos, representaba en realidad las ambiciones frustradas de estos padres, quienes solo buscan mantener la apariencia de éxito. En este film Jenkins nos daba muestras ya de su espíritu irónico y corrosivo, dispuesto a exponer a sus personajes a las situaciones más absurdas, lo que los obligaba a exponer sus miserias, pero siempre en un tono absurdo e irónico.

En cambio en esta ocasión con The Savages, el film de Jenkins, adquiere matices algo más oscuros, pero sin perder el humor negro, colocando el humor en los momentos y situaciones más inesperadas.
Los hermanos Savage, son intelectuales, que utilizan toda su energía en intentar evadir sus emociones, creen que la ironía, que les permite su inteligencia, los hace escapar del ridículo, los hace diferentes al resto. Se han vuelto en unos expertos en intentar ocultar sus miserias, lo cual por cierto no han logrado. Y es tal vez este aspecto lo que emparenta a los Savages con los Slums, ambas familias intentan ocultar quienes son. Intentan escapar a su realidad y es esto los que los termina exponiendo aún más.
Los Slums a través de su intento constante por vivir en Beberly Hills, así sea en el departamento más deplorable. Los Savages burlándose del resto y de lo ridículo de sus convencionalidades, mientras ellos desearían fervientemente poder acceder a alguna de ellas.

Si en la tragedia clásica el protagonista se enfrentaba a las fuerzas del destino y del cosmos, de manera pretensiosa, al creer que podría cambiarlas. En la tragedia contemporánea, el hado de nuestro destino, nuestro sino[2], no corresponde exclusivamente a fuerzas externas, la razón de nuestras miserias reside especialmente en nosotros, en nuestros miedos, en nuestros constantes patrones autodestructivos.

La dirección de Jenkins y el conocimiento que tiene de su historia, se refleja en el cuidado de las actuaciones de Laura Linney (Wendy Savage) y Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), cada uno de ellos, ha sabido darle vida y matices particulares a sus personajes. Han sabido construirlos más allá de sus usuales interpretaciones, lo que sin duda ha aportado el cariz personal que tiene todo el film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film que por cierto se convirtió rápidamente en una suerte de film de culto en el circuito de films independientes.
[2] El “sino” o destino (anagké) para la mitología griega se encontraba bajo el control de las Moiras. Las Moiras son tres hermanas (Cloto-la que hila-, Láquesis-la que asigna el destino- y Átropos-la inflexible, pues es la encargada de cortar el hilo de la vida-) que hilan el destino de los hombres. A su vez, en la tragedia Griega clásica, la Moira es entendida como el destino prefijado, que cada persona lleva consigo.

domingo, 17 de agosto de 2008

The Wackness (Jonathan Levine /2008)




The Wackness (Jonathan Levine /2008)
Dirección: Jonathan Levine.
Reparto: Ben Kingsley (Dr. Squires), Josh Peck (Luke), Famke Janssen (Sra. Squires), Olivia Thirlby (Stephanie), Mary-Kate Olsen (Union), Jane Adams (Eleanor), Method Man (Percy), Aaron Yoo (Justin), Talia Balsam (Sra. Shapiro), David Wohl (Sr. Shapiro), Bob Dishy (abuelo), Joanna Merlin (abuela), Ken Marks (Oliver).
Guión: Jonathan Levine.
Productores: Keith Calder, Felipe Marino y Joe Neurauter.
Fotografía: Petra Korner.
Editor: Josh Noyes.
Música: David Torn.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis
Es 1994, Luke (Josh Peck) ha concluido la secundaria, tiene un pequeño negocio de venta de marihuana y se le presenta un largo verano antes de asistir a la universidad. Por lo cual decide aprovechar el tiempo y juntar algo de dinero.

Sobre el Film
The Wackness sin duda es un film sobre adolecer, sobre carecer, sobre verse impedido a cambiar las circunstancias que se suscitan alrededor nuestro y el intento por hallar un refugio al cual escapar. Y el modo de trabajar esta situación en el film nos la brinda la relación entre Luke (Josh Peck) y su psiquiatra el Dr. Squires (Ben Kingsley) ambos se encuentran en procesos de cambio, de crisis, se sienten impotentes de lograr el control de lo que sucede a su alrededor. La presencia del Dr. Squires le sirve de un espejo en el cual reflejarse a Luke y viceversa, la vida de este adolescente ha puesto sobre el tapete las preguntas que el propio Dr. Squires ha obviado por mucho tiempo. Conocer la vida del otro les permite alejarse de la suya. El gusto de ambos por la marihuana los lleva a encontrar un espacio para compartir en el que se encuentran alejados por completo de sus familias y los retos y dificultades que estas traen consigo. Por ello podemos decir que el film se encuentra en esa larga lista de películas de aprendizaje, de formación, en que sus personajes se llevan algo consigo al final de la historia[1].

En un Nueva York, que a su vez se encuentra sufriendo muchos cambios pues la ciudad empieza un periodo de leyes de cero tolerancia (contra el grafiti, beber en la vía pública, escuchar música en equipos portátiles, etc.) impuestas por el alcalde de ese tiempo Rudolph Giuliani y a su vez esta en un periodo de desarrollo de una escena musical muy importante. Diversos autores y grupos de Hip Hop imponen nuevas liricas, ritmos y temáticas. Por ello no es casualidad la participación de Method Man[2] (quien interpreta el papel de Percy, el abastecedor de marihuana de Luke), miembro de uno de los más importantes e innovadores grupos de los noventa, conocido como Wu-Tang Clan[3].

A pesar de ser un film de corte independiente, el film gano notoriedad gracias a su participación en el festival de Sundance de este 2008, en el que gano el premio del público. The Wacknness, es un film con buenas actuaciones y gran ritmo, lo que no le impide tener momentos de pausa en que se entremezclan los sonidos del Hip Hop[4] con la voz en off del protagonista en una estética emparentada con el video clip, lo cual no resta sino que por el contrario responde por completo a la estética que desarrolla el film. Sin duda una película a tener en cuenta.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] Para algunos será una suerte de vicio, el de cerrar un relato con una moraleja, por nuestra parte creemos que en la medida que esto no se fuerce y no pretenda ser moralizante, no perjudica en nada a una historia.
[2] Su nombre es Clifford Smith.
[3] En el video clip de la canción How High de 1995, Method Man y Red Man, ambos miembros de Wu-Tang Clan interpretan un par de comercializadores de droga que dirigen su negocio desde un camión de helado.
[4] En voz de quien en la actualidad es un referente en términos de ritmo y lirica en el Hip Hop. Nos referimos al fallecido Notorious B.I.G.

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)




Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)
Dirección: Fatih Akin.
Reparto: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter).
Guión: Fatih Akin.
Productores: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck.
Fotografía: Rainer Klausman.
Editor: Andrew Bird.
Música: Shantel.
Vestuario: Katrin Aschendof.

Sinopsis
Un joven profesor universitario de ascendencia turca ante una tragedia familiar decide regresar a Turquía.
Sobre el film
Poder ver este film en el reciente Festival de Cine de Lima, ha sido ciertamente una gratificante sorpresa. De Akin[1], hemos visto hace un tiempo en el cable Im Juli, un film que nos presentaba ya en clave de road movie, la dinámica en que conviven los alemanes y las distintas generaciones de migrantes turcos en Alemania. Pero es en Auf der anderen seite (Al otro lado) que vemos la relación turco-alemana, con una carga más sombría. Con una mirada que se adentra en los diversos problema de identidad que se han desarrollado entre ambas comunidades.
EL film de Akin no intenta discutir las claves del problema, ni tomar bando, se limita a presentar la constante búsqueda de las nuevas generaciones de turcos nacidos en Alemania, que intentan encontrar un lugar en el mundo.
Es un relato pausado, pero que no escapa a los momentos álgidos de gran tensión. Un film que se muestra más interesado en preguntar, en dejar la respuesta pendiente pero sin evadir el tono de reflexión. Akin sabe mantener no solo nuestro interés en la historia, sino que sabe manejar los distintos giros que nos presentan el film. Resaltamos este aspecto, pues nunca es fácil hablar sobre individuos que se sienten desarraigados o escindidos.
Más que tildar el film de Akin como un film social, político o de protesta, consideramos que es un film sobre individuos en situación. Con necesidades encontradas y que intentan desarrollar estrategias para sobrevivir, en una sociedad que se nos presenta en cada momento como en tránsito, con individuos en movimiento, no solo físico, sino también emocional. Un film sobre la memoria, la identidad, de encuentros y rupturas, sin duda un film que hay que ver.
Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Akin ha participado en proyectos de otros directores interesados en el tema de la relación turco-alemana, como es el caso de “Kebab Connection”, de Anno Saul, film recientemente exhibido en el Festival de Cine de Lima.

martes, 8 de julio de 2008

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)







Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)
Dirección: Gus Van Sant.
Reparto: Gabe Nevins (Alex), Dan Liu (detective Richard Lu), Jake Miller (Jared), Taylor Momsen (Jennifer), Lauren McKinney (Macy), Olivier Garnier (Cal), Scott Green (Scratch), Winfield Henry Jackson (Christian), Dillon Hines (Henry), Brad Peterson (Jolt).
Guión: Gus Van Sant; basado en la novela de Blake Nelson.
Productores: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz, Neil Kopp y David Cress.Fotografía: Christopher Doyle y Rain Kathy Li.
Editor: Gus Van Sant.
Vestuario: Chapin Simpson.

Sinopsis

Alex (Gabe Nevins) es un skater adolescente de Portland. Que debido a una serie de casualidades se ve envuelto en una situación que lo sobredimensiona por completo. Un film sobre la culpa y el modo de intentar vivir con ella.

Sobre el film
Van Sant, en sus últimos films (Elephant, Last days) trabaja con una estética muy particular[1], mezclando efectos de fotografía con una edición y musicalización sumamente cuidadas. Regresa a Portland, la ciudad en que tiene lugar su primer film Mala Noche (1985) y mantiene sin duda la temática de la adolescencia como un puntal en su obra. Adolescencia que puede trascurrir ante la mirada de adultos, pero es como si estos no existieran, algo que se encarga muy bien el propio Van Sant de mostrar difuminando su presencia de la escena (o mostrándolos incompletos como es el caso del cameo[2] que realiza el director de fotografía australiano Christopher Doyle, interpretando al tío de Alex). Por el contrario tiende a posar la cámara por largos periodos de tiempo, intentando que veamos en los gestos de sus personajes el proceso por el cual están pasando. No utiliza el sonido captado de manera directa, sino que musicaliza las escenas, las mezcla con voces y sonidos de otras escenas. Intenta delicadamente con la iluminación y los demás elementos mencionados, acercarnos a lo que puede ser el fluir del pensamiento de Alex, de qué modo se encuentra lidiando con la culpa que enfrenta, situación que lo sobrepasa por completo y que parece es incapaz de afrontar.
Mencionamos que es un film sobre la culpa, lo que no implica que se trate de la búsqueda de la redención, Van Sant no va por ese camino, lo que al le interesa es llevarnos como dijimos a través de los pensamientos y sensaciones que se acumulan en Alex y que gracias a irlos tratando de hacer encajar en una historia, nos acerca a la soledad y a desazón de alguien que realmente se siente en total desamparo, o tal vez sea mejor decir que se siente totalmente alienado en relación al mundo que lo rodea. Sin duda un fin imprescindible. A no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Sin duda que la estética que ha desarrollado en la actualidad Van Sant pareciera que lo aleja del gran público, pero hay que recordar que sus temáticas nunca han sido complacientes. Interesándose siempre por los diversos vicios y carencias que una persona puede experimentar. Sus personajes, asesinan se prostituyen por necesidad, por rebeldía, por intentar encontrar algún sentido a un mundo al que no parecen pertenecer.
[2] Terminó del inglés, para referirse a la aparición o a una pequeña actuación en un film por parte de un personaje conocido o de cierta notoriedad.

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)


The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)
Dirección: Wes Anderson.
Reparto: Owen Wilson (Francis), Adrien Brody (Peter), Jason Schwartzman (Jack), Anjelica Huston (Patricia), Amara Karan (Rita), Camilla Rutherford (Alice), Irrfan Khan (Padre del pueblo).
Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman.
Productores: Wes Anderson, Scott Rudin, Roman Coppola y Lydia Dean Pilcher.Fotografía: Robert Yeoman.
Editor: Andrew Weisblum.
Vestuario: Milena Canonero.

Sinopsis

Los hermanos Whitman se han vuelto a reunir luego de un año de la muerte de su padre. Francis el mayor de los tres los ha invitado a recorrer por tren la India, pues busca que se les contagie algo de la espiritualidad que cree abunda en esas tierras[1].
Sobre el Film
Los Whitman se encuentran en esa lista larga de familias adineradas, dispares y excéntricas creadas por Wes Anderson. En muchos momentos nos hacen acordar a los propios hermanos Marx por sus constantes enredos y sus problemas para la comunicación y el absurdo que termina siendo el tratar de entenderse del todo.
Con elementos fetiche (como las maletas con animalitos de colores diseñadas por Louis Vuitton que aparecen todo el film, los lentes de sol del padre y el exceso así como la pericia para consumir barbitúricos y relajantes musculares) Anderson nos coloca de golpe dentro de los códigos de los Whitman.
Que mejor elemento en movimiento que el tren, el cual está ligado a la historia del cine desde su nacimiento, con el film “Llegada de un tren a la estación de la Ciotat” de los hermanos Lumière. Para representar una situación de movimiento, pero a la vez una situación de inmovilidad, pues se puede decir que de algún modo el tren está moviéndose, pero los objetos que se encuentran dentro de él se encuentran en perfecta calma.
Si llevamos esta figura a los hermanos Whitman, es algo similar lo que les sucede, el moverse, el ir tras algo es solo promesa de cambio, no implica necesariamente un cambio en cuanto tal. Ellos inician un viaje intentando lograr un renacer espiritual, un reencuentro familiar, pero lo que hallarán es solo más de lo mismo.
Un gran film sobre la familia, el deseo de que nos comprendan y poder si es posible comprender a los otros. A no perdérsela.
Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Hay que recordar que el film viene con un corto que da inicio al film. El nombre del corto es Hotel Chevalier y se encuentra en total relación con los acontecimientos del film. Otro aspecto para recordar, es la polémica que origino este corto, en el que aparece desnuda por primera vez Natalie Portman, pues ella se sintió utilizada y engañada por Anderson para realizar el desnudo. Como se imaginaran, esta situación lo que ocasiono fue el interés por saber de que se arrepentía Portman de haber mostrado.

lunes, 26 de mayo de 2008

Once (John Carney/2007)



Once (John Carney/2007)
Dirección: John Carney.
Reparto: Glen Hansard (chico), Markéta Irglová (chica), Hugh Walsh (Timmy), Gerry Hendrick (guitarrista), Alastair Foley (bajista), Geoff Minogue (Eamon), Bill Hodnett (padre del chico), Danuse Ktrestova (madre de la chica), Mal Whyte (Bill), Niall Cleary (Bob).
Guión: John Carney.
Productores: Martina Niland.
Música: Glen Hansard.
Editor: Paul Mullen.
Diseño de producción: Tamara Conboy.
Vestuario: Tiziana Corvisieri.

Sinopsis
Un joven músico ambulante pasa sus tardes cantando temas conocidos con el fin de llamar la atención y ganarse algunas monedas. Por las noches interpreta temas personales. Todo cambia a partir de conocer a una pianista poco usual.
Sobre el Film
Chico (Glen Hansard) abandonado encuentra a Chica (Markéta Irglová) que se ha fugado de su ex pareja, ambos son músicos y empiezan una relación a partir de aquello que tienen en común. Sin duda, un argumento que suena a miles de películas e historias, pero que en este caso ha tenido un trabajo que no cuesta denominar, genial. No siempre se ve un film que con tan poco nos pueda dar tanto. La cámara en mano y la iluminación naturalista, nos colocan en medio de la historia, nos hacen sentir que esos personajes no podrían ser vistos de otra forma y que apostar por una composición más compleja hubiera sido contraproducente.

Pero por otro lado en contraposición de la sencillez de elementos, se encuentra la variedad de estilos que recoge este film. Combina elementos de una comedia romántica, con los de un musical y un drama, pero nunca desentona. Por el contrario cada uno de ellos ayuda al desarrollo de la trama, nada se siente sobrepuesto o forzado y por el contrario todo parece caer por su propio peso. Un film para ver y disfrutar, no solo con la imagen, sino a través de la música, a no perdérsela.
Juan Alberto Gonzales Hurtado.