viernes, 28 de marzo de 2008

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)







Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)
Dirección: Sidney Lumet.
Reparto: Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank), Marisa Tomei (Gina), Albert Finney (Charles), Rosemary Harris (Nanette), Michael Shannon (Dex), Brian F. O'Byrne (Bobby), Amy Ryan (Martha).
Guión: Kelly Masterson.
Productores: Michael Cerenzie y Brian Linse.Fotografía: Ron Fortunato.
Música: Carter Burwell.
Editor: Tom Swartwout.
Vestuario: Tina Nigro.

Sinopsis
Los hermanos Hanson desean salir de sus diversos apuros, por lo cual deciden que no hay mejor solución que robar una pequeña joyería en una zona residencial. Lo que no esperan es que esto vaya a desencadenar el inicio del fin de su propia familia.
El Regreso de un Maestro
Sidney Lumet tuvo su estreno como director, con la no poco recordada 12 Angry Men[1] (Doce hombres en pugna). En esta ocasión nos trae su más reciente obra Before the Devil knows you're dead. Ya en el 2006 había presentado Find Me Guilty que no conto con el favor de la crítica. En especial por el riesgo que supuso apostar por darle el rol protagónico del film a un actor como Vin Diesel[2], emparentado más con films de acción, que con dramas complejos.
En esta ocasión Lumet nos muestra la razón por la cual ha sido un maestro en contar dramas psicológicos emparentados siempre con el film noir. Ya en Pawnbroker[3] (El prestamista) nos hablaba del mundo de los tratantes de joyas y objetos robados[4]. Judíos que sufrieron en carne propia los horrores de la guerra, que viven intentando sobrevivir, en los espacios más duros y difíciles de Nueva york, y que nos dejan con el pensamiento de que queda después de regresar del infierno.
Y decimos esto, pues algo de esto hay en Before the Devil knows you're dead, en la que los protagonistas provienen de verdaderos infiernos personales, de los cuales se les hace imposible de escapar. Sin duda deber ser uno de los mejores film sobre familia y lealtad de los últimos tiempos. Además el film nos ha regresado a uno de los maestros en esto de mostrar la psique humana de una forma en que solo lo han hecho los griegos y Shakespeare. Sencillamente nos queda decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film de 1957.
[2] Por cierto, nos gustaría apuntar que a nuestro entender, el film fue más que interesante y entretenido, con un Diesel realmente a la altura del papel. Y si algo hay que tener en cuenta, es que los grandes directores han logrado hacer que actores no muy buenos, o incluso mediocres enfrente a su lente, se vean en dominio de la escena.
[3] Film de 1964.
[4] Con un estilo narrativo diferente apoyado en el uso de la cámara, totalmente distinto a los estándares que se practicaban en el Hollywood de su época y más cercano a los estilos europeos.

Dan in real life (Peter Hedges/2007)


Dan in real life (Peter Hedges/2007)
Dirección: Peter Hedges.
Reparto: Steve Carell (Dan), Juliette Binoche (Marie), Dane Cook (Mitch), Dianne Wiest (Nana), John Mahoney (Poppy), Emily Blunt (Ruthie Draper), Alison Pill (Jane), Brittany Robertson (Cara), Marlene Lawston (Lilly), Norbert Leo Butz (Clay), Amy Ryan (Eileen.
Guión: Peter Hedges y Pierce Gardner.
Productores: Jon Shestack y Brad Epstein.Fotografía: Lawrence Sher.
Música: Sondre Lerche.
Editor: Sarah Flack.
Vestuario: Alix Friedberg.

Sinopsis
Dan es un viudo con tres hijas, que escribe una columna en el diario local que da consejos sobre la crianza de niños. Lo que no le impide tener problemas con su propia familia. Además es el final del verano y los padres de Dan organizan una reunión por el fin de la temporada. Sumado a esto conoce a la mujer de sus sueños, pero resulta ser la nueva novia de su hermano.

Sobre el film
Segundo largometraje de Peter Hedges, de quien vimos hace ya unos años la genial “Pieces of April”. En esta oportunidad hace uso de las habilidades de un comediante como Steve Carell para contar una historia sobre la familia y el amor.
El humor de Carell es perfecto para el personaje de Dan. La frustración que siente su personaje lo acercan sin duda al patetismo, pero no por eso uno se aleja de él, por el contrario logra que nos identifiquemos y nos sintamos parte de su angustia y sufrimiento. Es por eso que la elección de Juliette Binoche para interpretar a Marie, no podía ser mejor. Pues ella le imprime no solo su belleza y distinción, sino la capacidad de convertir el asunto más serio en la cosa más graciosa y absurda. En otra actriz el rol hubiera caído en ser meramente el objeto del deseo de Dan, pero en este caso su actuación nos permite hacer incluso más fundadas y cercanas las excentricidades de este.
Tal vez en este film Hedges, no se logre un drama complejo como lo fue la ya antes mencionada “Pieces of April”. Pero sin duda logra crear una comedia romántica de gran factura, de esas que siempre se extrañan poder ver. A no perdérsela.
Juan Alberto Gonzales Hurtado.

lunes, 24 de marzo de 2008

Into the Wild (Sean Penn/2007)


Into the Wild (Sean Penn/2007)
Dirección: Sean Penn.
Reparto: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Catherine Keener (Jan Burren), Hal Holbrook (Ron Franz), Kristen Stewart (Tracy), Vince Vaughn (Wayne Westerberg), Brian Dierker (Rainey).
Guión: Sean Penn; basado en el libro "Hacia rutas salvajes" de Jon Krakauer.
Productores: Sean Penn, Art Linson y Bill Pohlad.Fotografía: Eric Gautier .
Música: Eddie Vedder, Michael Brook y Kaki King.
Editor: Jay Cassidy.
Vestuario: Mary Claire Hannan.

Sinopsis
Christopher McCandless tiene veintitrés años y acaba de terminar la Universidad. Pero a pesar de los planes que tiene su familia pensados para él, decide dejar toda de lado para viajar a pie por los Estado Unidos como una suerte de preparación para su destino final Alaska.
Sobre el film
Si tuviéramos que mencionar un elemento que se encuentra siempre en el imaginario norteamericano y que se ha mantenido a lo largo de su historia, tendríamos que decir que es el de la libertad. Entendida claro de diversas formas, tiene en autores como Thoreau a uno de sus exponentes más importantes.
Thoreau proponía una vida alejada de la sociedad, sobreviviendo con solo aquello que el trabajo de las manos pudiera proveer. Intentando así romper con la noción de éxito y confort que se desarrolla usualmente en la sociedad moderna. Si bien Thoreau no vivía aún en la sociedad de consumo que nos embarga en la actualidad, una constante de su obra es el cuestionamiento por las posesiones y la creación de necesidades, así como la angustia que la carencia de estas ocasiona en las personas. Dicho esto, nos queda más claro el ejemplo que sigue Christopher McCandless, esa inclinación por seguir el sendero de una vida estoica que duda de todo aquello que no cueste esfuerzo.
Otra forma de leer el viaje de McCandless, es la necesidad de escapar, por no poder afrontar la realidad que lo supera. Es intentar alejarse de todo aquello que le cuesta asumir y de lo cual se encuentra profundamente decepcionado. Es intentar desesperadamente romper el vinculo material y simbólico que lo une a su familia.
Sea cual sea la razón del viaje de McCandless, el film nos permite estar cerca del intento permanente de alguien por darle un sentido a su vida, así como al mundo que lo rodea. Por lo cual, no podemos dejar de señalar la calidad de la dirección de Sean Penn[1]. Ya habíamos visto el cuidado que procura colocar en la imagen[2] (el film tiene una fotografía exepcional), y el cuidado que tiene para tratar temas complejos, sin desarrollar historias endulzadas o llenas de lirismo e idealismo, por el contrario el relato es sobrio, sin dramatizar aquello que de por si tiene una carga y una fuerza propia. Y sin duda el trabajo de musicalización de Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam) ayuda a no solo seguir la historia, sino que es el complemento perfecto para muchas de las bellas imágenes del film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Si bien es un personaje público que usualmente genera polémica por sus posturas políticas, lo que no se discute es el grado de compromiso en relación a sus ideas y sus proyectos.
[2] En un corto (representando a Estados Unidos) que realiza para el film 11/09/01 September 11.

domingo, 9 de marzo de 2008

Things we lost in the fire (Susanne Bier/2007)


Dirección: Susanne Bier.
Reparto: Halle Berry (Audrey Burke), Benicio del Toro (Jerry Sunborne), David Duchovny (Brian Burke), Alison Lohman (Kelly), Omar Benson Miller (Neal), John Carroll Lynch (Howard Glassman), Alexis Llewellyn (Harper Burke), Micah Berry (Dory Burke).
Guión: Allan Loeb.
Productores: Sam Mendes y Sam Mercer.Fotografía: Tom Stern.
Editor: Pernille Bech Christensen y Bruce Cannon.

Sinopsis

Audrey Burke (Halle Berry) pierde a su marido, está tragedia la acercara al mejor amigo de de este.

Sobre el film
Susanne Bier, directora de origen danés, conocida por sus filiaciones con el grupo Dogma 95[1], y por ser la directora del film “Despues de la boda”[2], nos trae otro de sus films intimistas. Desarrollado con el cuidado que el tema requiere. La dirección de Bier se encuentra totalmente alejada de patetismos y exageraciones. Lo suyo es un trabajo centrado en las miradas, en posar la cámara el tiempo justo en los actores, permitir que ella nos acerque a lo que están viviendo. La cámara no exagera, no inventa las emociones, solo se encarga de mostrárnoslas. Por eso logra hacer que el dolor se haga patente en cada cuadro del film. Con un Benicio del Toro que nos brinda una de sus mejores actuaciones, no dudamos en decir que es un film que sin duda hay que ver.


Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Colectivo fundado en Copenhague por realizadores cinematográficos que buscaban desarrollar un cine más realista e intimista, por lo cual decidieron poner por escrito las prerrogativas que su cine debía desarrollar. Estos son los principios que el cine de Dogma, procura respetar.
Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:
1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
Hay que aclarar que estos principios constantemente hacen irrespetados por los propios propulsores del Dogma. Pero lo cierto es que el intento por regresar a un cine que concentre sus energías más en la actuación ha tenido variados aciertos y ha revitalizado una propuesta por un cine alejado de manierismos y exageraciones.

[2] Estuvo en la terna de mejor película extranjera en los Oscares de 2007.

miércoles, 5 de marzo de 2008

Margot at the wedding (Noah Baumbach/2007)


Dirección:Noah Baumbach.
Reparto: Nicole Kidman (Margot Zeller), Jennifer Jason Leigh (Pauline), Zane Pais (Claude), Jack Black (Malcolm), John Turturro (Jim), Ciarán Hinds (Dick Koosman), Halley Feiffer (Maisy Koosman).
Guión: Noah Baumbach.
Productor: Scott Rudin.Fotografía: Harris Savides.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Ann Roth.

Sinopsis
Las hermanas Zeller no se han visto por mucho tiempo, pero la boda de una de ellas parecerá ser la ocasión adecuada para hacerlo.

Sobre el film

Este es el segundo film de Noah Baumbach[1], que hace un par de años escribió y dirigió The Squid and the Whale[2]. Nuevamente se introduce en el mundo que conoce de primera mano, el de los intelectuales de la costa este, de las prestigiosa universidades de la Ivy League[3], o de los que se sienten acomplejados y frustrados por no serlo. Muchos de ellos escritores, con una gran habilidad para describir con dramatismo y sensibilidad la tragedia humana, pero incapaces de reconocer y enfrentar la propia. Este es el caso de Margot Zeller (una estupenda Nicole Kidman) que ve en casi todos, el autismo que nadie ha podido diagnosticar en ella.

Y es que si usualmente se cree que el autista no tiene sentimientos, lo real es que en muchos casos su problema reside en su incapacidad de poder comunicarlos, de hacerlos sentir a los otros. Margot la escritora, no tiene problemas para llevar a sus lectores a través de los dramas silentes y complejos de sus personajes, llenos de contradicciones y carentes por completo de una catarsis final. Pero es incapaz de no tener una relación pasivo agresiva con su hijo, que por su parte la adora e intenta ser siempre de su agrado.

Y de algún modo el relato del propio Baumbach se asemeje a los rasgos de su protagonista. Quien se encuentra alejado del final cerrado o que intenta ser concluyente, apuesta por el contrario a dejar en suspenso la acción, absteniéndose por completo de llenar los vacios que el mismo ha creado en su espectador.

No queremos dejar de ecribir unas líneas sobre la fotografía, la cual sin duda va de acorde al film. Crea la sensación adecuada en cada momento. Es como un otoño proyectado en la vida de los personajes, pues acentúa los matices de sequedad, de agotamiento, de cansancio. No dudamos que la crítica planteara las deudas de Baumbach, con el cine de Bergman, Rohmer y Allen (nos referimos al Allen más cercano a Bergman justamente) pero para nosotros lo cierto es que Baumbach está acentuado y depurando su estilo.

Para finalizar nos gustaría apuntar que Baumbach, como Anderson, Hedges, entre muchos otros, son la apuesta de un cine norteamericano intimista (ciertos críticos lo han denominado “europeizado”). Un cine que se inclina por los relatos cortos y de emociones contenidas, con la cámara sumamente cerca de sus actores, distante de la pretensión de los relatos fundacionales y grandilocuentes. Es un cine que muchas veces pasa desapercibido, por su pretensión y ambición en apariencia menor, pero que para nosotros representan las apuestas más interesantes y cuidadas del cine norteamericano actual.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Conocido por colaborar con Wes Anderson en el guión de The Life Aquatic with Steve Zissou (conocida en nuestro medio como Vida Acuática).
[2] Conocida en nuestro medio como, El Calamar y la Ballena.
[3] Es una liga deportiva formada por ocho universidades del Noreste Norteamericano, cada una de ellas reconocidas por su alto nivel académico y de prestigio social.

La Visita de la Banda/BIKUR HATIZMORET (Eran Kolirin/2007)


Dirección: Eran Kolirin.
Reparto: Sasson Gabai (Tewfiq), Ronit Elkabetz (Dina), Saleh Bakri (Haled), Khalifa Natour (Simon), Imad Jabarin (Camal), Tarak Kopty (Iman), Hisham Khoury (Fauzi), François Khell (Makram), Eyad Sheety (Saleh), Shlomi Avraham (Papi).
Guión: Eran Kolirin .
Productores: Elion Ratzkovsky, Ehud Bleiberg, Yossi Uzrad, Koby Gal-Raday y Guy Jacoel.Fotografía: Shai Goldman.
Música: Habib Shehadeh Hanna.
Editor: Arik Lahav Leibovitz.
Vestuario: Doron Ashkenazi.

Sinopsis

Una pequeña banda policial egipcia llega por una confusión idiomática a un pequeño pueblo en Israel. Perdidos y sin dinero, apelaran a la hospitalidad de los habitantes
Sobre el film
Podríamos hablar de la influencia de cineastas como Aki Käurismaki o Abbas Kiarostami, para la composición y realización de este film. O que nos hace recordar un film como Whisky de los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll. Pero poco interesados en las comparaciones y las referencias, nos limitamos a hablar de la sorpresa y lo placentero que es poder tener la oportunidad de ver films como este. Sencillo, nada pretensioso, pero lleno de momentos alegres, dramáticos, de silencios y de risas, de problemas idiomáticos y culturales, así como de total claridad y comprensión.
El film nos atrapa por completo, es de una sencillez que realmente abruma. No intenta ir más allá de lo que se ha propuesto y eso, que puede parecer poco, para nosotros es algo que hay que valorar y saber apreciar. La música es nota aparte, no solo acompaña, sino que ayuda a reforzar esa sensación dulce amarga que hay en todo el film. Sencillamente imprescindible.
Juan Alberto Gonzales Hurtado.