The Savages (Tamara Jenkins /2007)

The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Dirección: Tamara Jenkins.
Reparto: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).
Guión: Tamara Jenkins.
Productores: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.
Fotografía: Mott Hupfel.
Editor: Brian A. Kates.
Música: Stephen Trask.
Vestuario: David C. Robinson.

Sinopsis
Los hermanos Wendy y Jon Savage, reciben la noticia de que su padre necesita cuidados extremos por su delicada salud mental. Los hermanos Savage, no encuentran mejor solución que internarlo en una casa de reposo. Lo que no esperan los Savage, es que esta situación abrirá en ellos una puerta a emociones y recuerdos dejados de lado por mucho tiempo.

Sobre el film
Tamara Jenkins tiene una obra que se compone por dos films, hace un tiempo en el cable se podía ver Slums of Beverly Hills[1] (1998), que nos contaba la historia de los Slums, una familia pobre que por intentar brindarle una mejor educación a sus hijos vivían de manera itinerante de departamento en departamento con tal de residir en la zona que correspondía al distrito escolar de Beverly Hills. Este acto que podría ser interpretado como un intento noble por parte de los padres para brindarles mejores oportunidades a sus hijos, representaba en realidad las ambiciones frustradas de estos padres, quienes solo buscan mantener la apariencia de éxito. En este film Jenkins nos daba muestras ya de su espíritu irónico y corrosivo, dispuesto a exponer a sus personajes a las situaciones más absurdas, lo que los obligaba a exponer sus miserias, pero siempre en un tono absurdo e irónico.

En cambio en esta ocasión con The Savages, el film de Jenkins, adquiere matices algo más oscuros, pero sin perder el humor negro, colocando el humor en los momentos y situaciones más inesperadas.
Los hermanos Savage, son intelectuales, que utilizan toda su energía en intentar evadir sus emociones, creen que la ironía, que les permite su inteligencia, los hace escapar del ridículo, los hace diferentes al resto. Se han vuelto en unos expertos en intentar ocultar sus miserias, lo cual por cierto no han logrado. Y es tal vez este aspecto lo que emparenta a los Savages con los Slums, ambas familias intentan ocultar quienes son. Intentan escapar a su realidad y es esto los que los termina exponiendo aún más.
Los Slums a través de su intento constante por vivir en Beberly Hills, así sea en el departamento más deplorable. Los Savages burlándose del resto y de lo ridículo de sus convencionalidades, mientras ellos desearían fervientemente poder acceder a alguna de ellas.

Si en la tragedia clásica el protagonista se enfrentaba a las fuerzas del destino y del cosmos, de manera pretensiosa, al creer que podría cambiarlas. En la tragedia contemporánea, el hado de nuestro destino, nuestro sino[2], no corresponde exclusivamente a fuerzas externas, la razón de nuestras miserias reside especialmente en nosotros, en nuestros miedos, en nuestros constantes patrones autodestructivos.

La dirección de Jenkins y el conocimiento que tiene de su historia, se refleja en el cuidado de las actuaciones de Laura Linney (Wendy Savage) y Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), cada uno de ellos, ha sabido darle vida y matices particulares a sus personajes. Han sabido construirlos más allá de sus usuales interpretaciones, lo que sin duda ha aportado el cariz personal que tiene todo el film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film que por cierto se convirtió rápidamente en una suerte de film de culto en el circuito de films independientes.
[2] El “sino” o destino (anagké) para la mitología griega se encontraba bajo el control de las Moiras. Las Moiras son tres hermanas (Cloto-la que hila-, Láquesis-la que asigna el destino- y Átropos-la inflexible, pues es la encargada de cortar el hilo de la vida-) que hilan el destino de los hombres. A su vez, en la tragedia Griega clásica, la Moira es entendida como el destino prefijado, que cada persona lleva consigo.

The Wackness (Jonathan Levine /2008)

The Wackness (Jonathan Levine /2008)
Dirección: Jonathan Levine.
Reparto: Ben Kingsley (Dr. Squires), Josh Peck (Luke), Famke Janssen (Sra. Squires), Olivia Thirlby (Stephanie), Mary-Kate Olsen (Union), Jane Adams (Eleanor), Method Man (Percy), Aaron Yoo (Justin), Talia Balsam (Sra. Shapiro), David Wohl (Sr. Shapiro), Bob Dishy (abuelo), Joanna Merlin (abuela), Ken Marks (Oliver).
Guión: Jonathan Levine.
Productores: Keith Calder, Felipe Marino y Joe Neurauter.
Fotografía: Petra Korner.
Editor: Josh Noyes.
Música: David Torn.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis
Es 1994, Luke (Josh Peck) ha concluido la secundaria, tiene un pequeño negocio de venta de marihuana y se le presenta un largo verano antes de asistir a la universidad. Por lo cual decide aprovechar el tiempo y juntar algo de dinero.

Sobre el Film
The Wackness sin duda es un film sobre adolecer, sobre carecer, sobre verse impedido a cambiar las circunstancias que se suscitan alrededor nuestro y el intento por hallar un refugio al cual escapar. Y el modo de trabajar esta situación en el film nos la brinda la relación entre Luke (Josh Peck) y su psiquiatra el Dr. Squires (Ben Kingsley) ambos se encuentran en procesos de cambio, de crisis, se sienten impotentes de lograr el control de lo que sucede a su alrededor. La presencia del Dr. Squires le sirve de un espejo en el cual reflejarse a Luke y viceversa, la vida de este adolescente ha puesto sobre el tapete las preguntas que el propio Dr. Squires ha obviado por mucho tiempo. Conocer la vida del otro les permite alejarse de la suya. El gusto de ambos por la marihuana los lleva a encontrar un espacio para compartir en el que se encuentran alejados por completo de sus familias y los retos y dificultades que estas traen consigo. Por ello podemos decir que el film se encuentra en esa larga lista de películas de aprendizaje, de formación, en que sus personajes se llevan algo consigo al final de la historia[1].

En un Nueva York, que a su vez se encuentra sufriendo muchos cambios pues la ciudad empieza un periodo de leyes de cero tolerancia (contra el grafiti, beber en la vía pública, escuchar música en equipos portátiles, etc.) impuestas por el alcalde de ese tiempo Rudolph Giuliani y a su vez esta en un periodo de desarrollo de una escena musical muy importante. Diversos autores y grupos de Hip Hop imponen nuevas liricas, ritmos y temáticas. Por ello no es casualidad la participación de Method Man[2] (quien interpreta el papel de Percy, el abastecedor de marihuana de Luke), miembro de uno de los más importantes e innovadores grupos de los noventa, conocido como Wu-Tang Clan[3].

A pesar de ser un film de corte independiente, el film gano notoriedad gracias a su participación en el festival de Sundance de este 2008, en el que gano el premio del público. The Wacknness, es un film con buenas actuaciones y gran ritmo, lo que no le impide tener momentos de pausa en que se entremezclan los sonidos del Hip Hop[4] con la voz en off del protagonista en una estética emparentada con el video clip, lo cual no resta sino que por el contrario responde por completo a la estética que desarrolla el film. Sin duda una película a tener en cuenta.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.


[1] Para algunos será una suerte de vicio, el de cerrar un relato con una moraleja, por nuestra parte creemos que en la medida que esto no se fuerce y no pretenda ser moralizante, no perjudica en nada a una historia.
[2] Su nombre es Clifford Smith.
[3] En el video clip de la canción How High de 1995, Method Man y Red Man, ambos miembros de Wu-Tang Clan interpretan un par de comercializadores de droga que dirigen su negocio desde un camión de helado.
[4] En voz de quien en la actualidad es un referente en términos de ritmo y lirica en el Hip Hop. Nos referimos al fallecido Notorious B.I.G.

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)
Dirección: Fatih Akin.
Reparto: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter).
Guión: Fatih Akin.
Productores: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck.
Fotografía: Rainer Klausman.
Editor: Andrew Bird.
Música: Shantel.
Vestuario: Katrin Aschendof.

Sinopsis
Un joven profesor universitario de ascendencia turca ante una tragedia familiar decide regresar a Turquía.
Sobre el film
Poder ver este film en el reciente Festival de Cine de Lima, ha sido ciertamente una gratificante sorpresa. De Akin[1], hemos visto hace un tiempo en el cable Im Juli, un film que nos presentaba ya en clave de road movie, la dinámica en que conviven los alemanes y las distintas generaciones de migrantes turcos en Alemania. Pero es en Auf der anderen seite (Al otro lado) que vemos la relación turco-alemana, con una carga más sombría. Con una mirada que se adentra en los diversos problema de identidad que se han desarrollado entre ambas comunidades.
EL film de Akin no intenta discutir las claves del problema, ni tomar bando, se limita a presentar la constante búsqueda de las nuevas generaciones de turcos nacidos en Alemania, que intentan encontrar un lugar en el mundo.
Es un relato pausado, pero que no escapa a los momentos álgidos de gran tensión. Un film que se muestra más interesado en preguntar, en dejar la respuesta pendiente pero sin evadir el tono de reflexión. Akin sabe mantener no solo nuestro interés en la historia, sino que sabe manejar los distintos giros que nos presentan el film. Resaltamos este aspecto, pues nunca es fácil hablar sobre individuos que se sienten desarraigados o escindidos.
Más que tildar el film de Akin como un film social, político o de protesta, consideramos que es un film sobre individuos en situación. Con necesidades encontradas y que intentan desarrollar estrategias para sobrevivir, en una sociedad que se nos presenta en cada momento como en tránsito, con individuos en movimiento, no solo físico, sino también emocional. Un film sobre la memoria, la identidad, de encuentros y rupturas, sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Akin ha participado en proyectos de otros directores interesados en el tema de la relación turco-alemana, como es el caso de “Kebab Connection”, de Anno Saul, film recientemente exhibido en el Festival de Cine de Lima.

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)
Dirección: Gus Van Sant.
Reparto: Gabe Nevins (Alex), Dan Liu (detective Richard Lu), Jake Miller (Jared), Taylor Momsen (Jennifer), Lauren McKinney (Macy), Olivier Garnier (Cal), Scott Green (Scratch), Winfield Henry Jackson (Christian), Dillon Hines (Henry), Brad Peterson (Jolt).
Guión: Gus Van Sant; basado en la novela de Blake Nelson.
Productores: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz, Neil Kopp y David Cress.Fotografía: Christopher Doyle y Rain Kathy Li.
Editor: Gus Van Sant.
Vestuario: Chapin Simpson.

Sinopsis

Alex (Gabe Nevins) es un skater adolescente de Portland. Que debido a una serie de casualidades se ve envuelto en una situación que lo sobredimensiona por completo. Un film sobre la culpa y el modo de intentar vivir con ella.

Sobre el film

Van Sant, en sus últimos films (Elephant, Last days) trabaja con una estética muy particular[1], mezclando efectos de fotografía con una edición y musicalización sumamente cuidadas. Regresa a Portland, la ciudad en que tiene lugar su primer film Mala Noche (1985) y mantiene sin duda la temática de la adolescencia como un puntal en su obra. Adolescencia que puede trascurrir ante la mirada de adultos, pero es como si estos no existieran, algo que se encarga muy bien el propio Van Sant de mostrar difuminando su presencia de la escena (o mostrándolos incompletos como es el caso del cameo[2] que realiza el director de fotografía australiano Christopher Doyle, interpretando al tío de Alex). Por el contrario tiende a posar la cámara por largos periodos de tiempo, intentando que veamos en los gestos de sus personajes el proceso por el cual están pasando. No utiliza el sonido captado de manera directa, sino que musicaliza las escenas, las mezcla con voces y sonidos de otras escenas. Intenta delicadamente con la iluminación y los demás elementos mencionados, acercarnos a lo que puede ser el fluir del pensamiento de Alex, de qué modo se encuentra lidiando con la culpa que enfrenta, situación que lo sobrepasa por completo y que parece es incapaz de afrontar.

Mencionamos que es un film sobre la culpa, lo que no implica que se trate de la búsqueda de la redención, Van Sant no va por ese camino, lo que al le interesa es llevarnos como dijimos a través de los pensamientos y sensaciones que se acumulan en Alex y que gracias a irlos tratando de hacer encajar en una historia, nos acerca a la soledad y a desazón de alguien que realmente se siente en total desamparo, o tal vez sea mejor decir que se siente totalmente alienado en relación al mundo que lo rodea. Sin duda un fin imprescindible. A no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Sin duda que la estética que ha desarrollado en la actualidad Van Sant pareciera que lo aleja del gran público, pero hay que recordar que sus temáticas nunca han sido complacientes. Interesándose siempre por los diversos vicios y carencias que una persona puede experimentar. Sus personajes, asesinan se prostituyen por necesidad, por rebeldía, por intentar encontrar algún sentido a un mundo al que no parecen pertenecer.
[2] Terminó del inglés, para referirse a la aparición o a una pequeña actuación en un film por parte de un personaje conocido o de cierta notoriedad.

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)
Dirección: Wes Anderson.
Reparto: Owen Wilson (Francis), Adrien Brody (Peter), Jason Schwartzman (Jack), Anjelica Huston (Patricia), Amara Karan (Rita), Camilla Rutherford (Alice), Irrfan Khan (Padre del pueblo).
Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman.
Productores: Wes Anderson, Scott Rudin, Roman Coppola y Lydia Dean Pilcher.Fotografía: Robert Yeoman.
Editor: Andrew Weisblum.
Vestuario: Milena Canonero.

Sinopsis

Los hermanos Whitman se han vuelto a reunir luego de un año de la muerte de su padre. Francis el mayor de los tres los ha invitado a recorrer por tren la India, pues busca que se les contagie algo de la espiritualidad que cree abunda en esas tierras[1].

Sobre el Film

Los Whitman se encuentran en esa lista larga de familias adineradas, dispares y excéntricas creadas por Wes Anderson. En muchos momentos nos hacen acordar a los propios hermanos Marx por sus constantes enredos y sus problemas para la comunicación y el absurdo que termina siendo el tratar de entenderse del todo.
Con elementos fetiche (como las maletas con animalitos de colores diseñadas por Louis Vuitton que aparecen todo el film, los lentes de sol del padre y el exceso así como la pericia para consumir barbitúricos y relajantes musculares) Anderson nos coloca de golpe dentro de los códigos de los Whitman.

Que mejor elemento en movimiento que el tren, el cual está ligado a la historia del cine desde su nacimiento, con el film “Llegada de un tren a la estación de la Ciotat” de los hermanos Lumière. Para representar una situación de movimiento, pero a la vez una situación de inmovilidad, pues se puede decir que de algún modo el tren está moviéndose, pero los objetos que se encuentran dentro de él se encuentran en perfecta calma.
Si llevamos esta figura a los hermanos Whitman, es algo similar lo que les sucede, el moverse, el ir tras algo es solo promesa de cambio, no implica necesariamente un cambio en cuanto tal. Ellos inician un viaje intentando lograr un renacer espiritual, un reencuentro familiar, pero lo que hallarán es solo más de lo mismo.
Un gran film sobre la familia, el deseo de que nos comprendan y poder si es posible comprender a los otros. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Hay que recordar que el film viene con un corto que da inicio al film. El nombre del corto es Hotel Chevalier y se encuentra en total relación con los acontecimientos del film. Otro aspecto para recordar, es la polémica que origino este corto, en el que aparece desnuda por primera vez Natalie Portman, pues ella se sintió utilizada y engañada por Anderson para realizar el desnudo. Como se imaginaran, esta situación lo que ocasiono fue el interés por saber de que se arrepentía Portman de haber mostrado.

Once (John Carney/2007)

Once (John Carney/2007)
Dirección: John Carney.
Reparto: Glen Hansard (chico), Markéta Irglová (chica), Hugh Walsh (Timmy), Gerry Hendrick (guitarrista), Alastair Foley (bajista), Geoff Minogue (Eamon), Bill Hodnett (padre del chico), Danuse Ktrestova (madre de la chica), Mal Whyte (Bill), Niall Cleary (Bob).
Guión: John Carney.
Productores: Martina Niland.
Música: Glen Hansard.
Editor: Paul Mullen.
Diseño de producción: Tamara Conboy.
Vestuario: Tiziana Corvisieri.

Sinopsis

Un joven músico ambulante pasa sus tardes cantando temas conocidos con el fin de llamar la atención y ganarse algunas monedas. Por las noches interpreta temas personales. Todo cambia a partir de conocer a una pianista poco usual.

Sobre el Film

Chico (Glen Hansard) abandonado encuentra a Chica (Markéta Irglová) que se ha fugado de su ex pareja, ambos son músicos y empiezan una relación a partir de aquello que tienen en común. Sin duda, un argumento que suena a miles de películas e historias, pero que en este caso ha tenido un trabajo que no cuesta denominar, genial. No siempre se ve un film que con tan poco nos pueda dar tanto. La cámara en mano y la iluminación naturalista, nos colocan en medio de la historia, nos hacen sentir que esos personajes no podrían ser vistos de otra forma y que apostar por una composición más compleja hubiera sido contraproducente.

Pero por otro lado en contraposición de la sencillez de elementos, se encuentra la variedad de estilos que recoge este film. Combina elementos de una comedia romántica, con los de un musical y un drama, pero nunca desentona. Por el contrario cada uno de ellos ayuda al desarrollo de la trama, nada se siente sobrepuesto o forzado y por el contrario todo parece caer por su propio peso. Un film para ver y disfrutar, no solo con la imagen, sino a través de la música, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

It's a free world... (Ken Loach/2007)

It's a free world... (Ken Loach/2007)
Dirección: Ken Loach.
Reparto: Kierston Wareing (Angie), Juliet Ellis (Rose), Leslaw Zurek (Karol), Joe Siffleet (Jamie), Colin Coughlin (Geoff), Maggie Hussey (Cathy), Raymond Mearns (Andy), Davoud Rastgou (Mahmud), Mahin Aminnia (mujer de Mahmud), David Doyle (Tony).
Guión: Paul Laverty.
Productora: Rebecca O'Brien.Fotografía: Nigel Willoughby.
Música: George Fenton.
Editor: Jonathan Morris.
Vestuario: Carole K. Fraser.

Sinopsis

Angie (Kierston Wareing) está cansada, de ir de un trabajo tras otro y de ser explotada, por lo cual decide organizarse para desarrollar junto a Rose (Juliet Ellis) su compañera de casa, una agencia de empleo que sea diferente a las que la contrataban a ella.

Sobre el film

Ken Loach es un director que desde sus inicios a estado preocupado por diversos temas sociales. Y este film no es la excepción. Pero si bien se podría considerar que el film se centra únicamente el mercado del trabajo ilegal, así como en la explotación que sufren los migrantes. Loach nos introduce magistralmente en lo que sucede cuando una lógica de mercado (que procura el puro beneficio individual) se introduce en otros ámbitos de la vida. Vemos de qué modo nuestros valores y creencias adquieren un nuevo norte, el del dinero. En un mundo que pareciera, nos deja cada vez menos espacios para pensar y ver al otro más allá de un mero medio para conseguir un beneficio. Que sucede cuando una visión de libre mercado, de mundo libre, implica encontrarse libre de responsabilidades con los otros. Sencillamente genial, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Cassandra's Dream (2007/ Woody Allen)

Cassandra´s Dream (2007/ Woody Allen)
Dirección: Woody Allen.
Reparto: Ewan McGregor (Ian), Colin Farrell (Terry), Tom Wilkinson (Howard), Hayley Atwell (Angela), Sally Hawkins (Kate), John Benfield (padre), Clare Higgins (madre), Ashley Medekwe (Lucy).
Guión: Woody Allen.
Productores: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley.
Fotografía: Vilmos Zsigmond.
Música: Philip Glass.
Editor: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Maria Djurkovic.
Vestuario: Jill Taylor.

Sinopsis
Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell) son dos hermanos que acaban de cumplir su sueño de comprar con mucho esfuerzo un pequeño bote llamado Cassandra's Dream. Los hermanos sienten tenerlo todo, pero parece que eso que representaba su felicidad, solo es el inicio de sus nuevos sueños.

Sobre el Film

Woody Allen nos trae lo que parece ser el movimiento final de su sinfonía londinense. Vimos hace un par de años Match Point (2004), la cual sorprendió por completo a la crítica y al público, con un Allen totalmente distinto, no solo en términos de trama, sino en el manejo de la historia, la fotografía y la música. Luego siguió Scoop (2006), para muchos una obra fallida y poco articulada, en nuestra opinión, una comedía que se sostiene por sí misma, pero que vista en relación a Match Point funciona como un espejo en donde contrastar la primera y como enlace a la reciente Cassandra´s Dream.

Los temas se entrecruzan en cada uno de los films, las apariencias, el ascenso social, el asesinato, el amor, y la familia. Utilizando como decorado la sociedad inglesa, Londres y su campiña. Otro elemento a resaltar es el regreso constante por parte de Allen, a la tragedia griega[1] en cada uno de estos films. En especial, a la obra de Eurípides[2], mostrándonos de manera magistral su versión del Deux ex Machina[3] y las consecuencias que este trae.

Y es precisamente este el tema de Cassandra´s Dream, el de la felicidad y su búsqueda. De qué modo ese sueño ideal de poder tener todo aquello que se desee puede llegar a ser peligroso. Otro aspecto importante del film, es el de las acciones y consecuencias, nada en la vida viene de gratis, todo lo que vale cuesta, como dirían los abuelos, y los hermanos Benfield están a punto de comprenderlo. Aquello que se presenta como un asomo de final feliz, de solución a todo aquello que aqueja, puede terminar siendo solo el inicio de un peligro mayor.

La música compuesta por Philip Glass (conocido por su trabajo en The Hours), da a cada escena el matiz y equilibrio perfecto. Un film que bebe de Bergman y Hitchcock, pero que a su vez tiene todos los elementos del cine de ese gran autor que es Woody Allen. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] No es mera casualidad que el bote anhelado por los hermanos lleve el nombre de Cassandra, quien según la mitología griega nos cuenta, tiene la habilidad de ver el futuro, pero nadie cree en ella, ni en sus pronósticos.
[2] La tragedia de Eurípides, no trabaja personajes heroicos, que simbolizan un valor o un defecto en particular, por el contrario los personajes de Eurípides tienden a ser ambiguos. Y es su ambigüedad la que muchas veces ha sido criticada como una falla en su obra. Por el contrario nosotros creemos que es precisamente ese rasgo el que permite que lo sintamos tan cercanos a nosotros. Pues en el se encierra lo inestable que son nuestros sentimientos y emociones. Nos muestra de qué modo podemos llegar a ser incluso unos extraños para nosotros mismos.
[3] Eurípides se caracterizo precisamente por la utilización del Deus ex Machina, que se refiere a la aparición de un Dios o un héroe, que resuelve la situación calamitosa por la que estén atravesando los protagonistas. Lo podríamos emparentar con el Happy end contemporáneo.

Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud /2007)

Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud /2007)
Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.
Reparto: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche).
Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi.
Productores: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault.
Música: Olivier Bernet.
Editor: Stéphane Roche.
Diseño de producción: Marisa Musy.

Sinopsis
Marjan tiene nueve años y tiene dos obsesiones en la vida, depilarse las piernas y convertirse en profeta. Su país (Iran) y ella y esta a portas de sufrir muchos cambios.

Sobre el film
Son pocas las veces que tenemos la oportunidad de ver una película de animación de estas características. En la que se combina una narración que sabe llevar el pulso de la historia, con un cuidado especial y sutil de las emociones. El film escapa a la sensiblería, o a simplemente narrar hechos trágicos uno tras otro de modo que se logre conmover en base de empeño al espectador. Lo trágico en un film como este es presentado como parte de la vida, como una suerte de enseñanza extraña, que se llega a compreder mucho después. Un film sobre la familia, la memoria y la identidad. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel /2007)

Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel /2007)
Dirección: Julian Schnabel.
Reparto: Mathieu Amalric (Jean-Dominique Bauby), Emmanuelle Seigner (Céline Desmoulin), Marie-Josée Croze (Henriette Durand), Anne Consigny (Claude), Patrick Chesnais (doctor Lepage), Niels Arestrup (Roussin), Olatz Lopez Garmendia (Marie Lopez), Jean-Pierre Cassel (Lucien), Marina Hands (Joséphine), Max Von Sydow (Papinou), Isaach de Bankolé (Laurent), Emma de Caunes (Eugenia).
Guión: Ronald Harwood; basado en el libro "La escafandra y la mariposa" de Jean-Dominique Bauby.
Productores: Kathleen Kennedy y Jon Kilik.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Música: Paul Cantelon.
Editor: Juliette Welfing.
Vestuario: Olivier Beriot.

Sinopsis
Jean-Dominique Bauby es editor en jefe de una prestigiosa revista de moda. Tiene el trabajo que siempre soñó, tiene hijos que adora y lo adoran y tiene junto a su lado a la mujer que ama. Pero un derrame cerebral cambiaria todo eso, o no?.

Sobre el Film
Le scaphandre et le papillon, es la adaptación de Julian Schnabel (Basquiat, Antes que anochezca), sobre el libro biográfico del mismo nombre de Jean-Dominique Bauby. La formación de Schnabel es la de pintor, y coincidentemente todos sus films, han sido de algún modo retratos de personajes (caso del pintor Jean-Michel Basquiat, o el poeta cubano Reynaldo Arenas). Retratos que nunca han intentado ser cuadros realistas, ni naturalistas. Sus films siempre han estado alejados del concepto de biopic estándar, en que se procura recrear y presentar con precisión las venturas y desventuras de sus protagonistas. Y que por lo general tienen el gusto de colocar actores que sean un calco de los personajes reales.
Por su parte, Schanabel compone sus films, como se compone un collage. Utilizando diversos elementos (fotografías, cortos de animación, imágenes de documentales, cuadros, etc.), que en conjunto crean una magnifica representación sobre aquello que desea mostrar. Este collage sin duda le hace honor a los elementos que coge del libro de Bauby. La imaginación de Schnabel es la que de algún modo nos completa los largos monólogos de Bauby. A veces, los llena de color y de imágenes, otras veces, es sobrio en todo sentido, la cámara solo muestra la quietud de un paisaje, el trascurrir lento del tiempo.
Schnabel muestra de qué modo lo intimo, lo personal, es lo que nos permite (aunque suene extraño) acercarnos a lo universal. Y decimos universal en el sentido de comunidad, de sentidos compartidos, de fondo común, aquello que se nos hace más cercano a cada uno de nosotros.
Le scaphandre et le papillon, sin duda es un film que hay que ver, una historia que nos acerca a las reflexiones más comunes, pero no por ello menos importantes de occidente. Es un cuadro que nos hace regresar a cavilar sobre el hacer, los afectos, el tiempo y la vida. No nos queda más que decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)
Dirección: Sidney Lumet.
Reparto: Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank), Marisa Tomei (Gina), Albert Finney (Charles), Rosemary Harris (Nanette), Michael Shannon (Dex), Brian F. O'Byrne (Bobby), Amy Ryan (Martha).
Guión: Kelly Masterson.
Productores: Michael Cerenzie y Brian Linse.Fotografía: Ron Fortunato.
Música: Carter Burwell.
Editor: Tom Swartwout.
Vestuario: Tina Nigro.

Sinopsis

Los hermanos Hanson desean salir de sus diversos apuros, por lo cual deciden que no hay mejor solución que robar una pequeña joyería en una zona residencial. Lo que no esperan es que esto vaya a desencadenar el inicio del fin de su propia familia.

El Regreso de un Maestro

Sidney Lumet tuvo su estreno como director, con la no poco recordada 12 Angry Men[1] (Doce hombres en pugna). En esta ocasión nos trae su más reciente obra Before the Devil knows you're dead. Ya en el 2006 había presentado Find Me Guilty que no conto con el favor de la crítica. En especial por el riesgo que supuso apostar por darle el rol protagónico del film a un actor como Vin Diesel[2], emparentado más con films de acción, que con dramas complejos.

En esta ocasión Lumet nos muestra la razón por la cual ha sido un maestro en contar dramas psicológicos emparentados siempre con el film noir. Ya en Pawnbroker[3] (El prestamista) nos hablaba del mundo de los tratantes de joyas y objetos robados[4]. Judíos que sufrieron en carne propia los horrores de la guerra, que viven intentando sobrevivir, en los espacios más duros y difíciles de Nueva york, y que nos dejan con el pensamiento de que queda después de regresar del infierno.

Y decimos esto, pues algo de esto hay en Before the Devil knows you're dead, en la que los protagonistas provienen de verdaderos infiernos personales, de los cuales se les hace imposible de escapar. Sin duda deber ser uno de los mejores film sobre familia y lealtad de los últimos tiempos. Además el film nos ha regresado a uno de los maestros en esto de mostrar la psique humana de una forma en que solo lo han hecho los griegos y Shakespeare. Sencillamente nos queda decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film de 1957.
[2] Por cierto, nos gustaría apuntar que a nuestro entender, el film fue más que interesante y entretenido, con un Diesel realmente a la altura del papel. Y si algo hay que tener en cuenta, es que los grandes directores han logrado hacer que actores no muy buenos, o incluso mediocres enfrente a su lente, se vean en dominio de la escena.
[3] Film de 1964.
[4] Con un estilo narrativo diferente apoyado en el uso de la cámara, totalmente distinto a los estándares que se practicaban en el Hollywood de su época y más cercano a los estilos europeos.

Dan in real life (Peter Hedges/2007)

Dan in real life (Peter Hedges/2007)
Dirección: Peter Hedges.
Reparto: Steve Carell (Dan), Juliette Binoche (Marie), Dane Cook (Mitch), Dianne Wiest (Nana), John Mahoney (Poppy), Emily Blunt (Ruthie Draper), Alison Pill (Jane), Brittany Robertson (Cara), Marlene Lawston (Lilly), Norbert Leo Butz (Clay), Amy Ryan (Eileen.
Guión: Peter Hedges y Pierce Gardner.
Productores: Jon Shestack y Brad Epstein.Fotografía: Lawrence Sher.
Música: Sondre Lerche.
Editor: Sarah Flack.
Vestuario: Alix Friedberg.

Sinopsis

Dan es un viudo con tres hijas, que escribe una columna en el diario local que da consejos sobre la crianza de niños. Lo que no le impide tener problemas con su propia familia. Además es el final del verano y los padres de Dan organizan una reunión por el fin de la temporada. Sumado a esto conoce a la mujer de sus sueños, pero resulta ser la nueva novia de su hermano.

Sobre el film

Segundo largometraje de Peter Hedges, de quien vimos hace ya unos años la genial “Pieces of April”. En esta oportunidad hace uso de las habilidades de un comediante como Steve Carell para contar una historia sobre la familia y el amor.

El humor de Carell es perfecto para el personaje de Dan. La frustración que siente su personaje lo acercan sin duda al patetismo, pero no por eso uno se aleja de él, por el contrario logra que nos identifiquemos y nos sintamos parte de su angustia y sufrimiento. Es por eso que la elección de Juliette Binoche para interpretar a Marie, no podía ser mejor. Pues ella le imprime no solo su belleza y distinción, sino la capacidad de convertir el asunto más serio en la cosa más graciosa y absurda. En otra actriz el rol hubiera caído en ser meramente el objeto del deseo de Dan, pero en este caso su actuación nos permite hacer incluso más fundadas y cercanas las excentricidades de este.

Tal vez en este film Hedges, no se logre un drama complejo como lo fue la ya antes mencionada “Pieces of April”. Pero sin duda logra crear una comedia romántica de gran factura, de esas que siempre se extrañan poder ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Into the Wild (Sean Penn/2007)

Into the Wild (Sean Penn/2007)
Dirección: Sean Penn.
Reparto: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Catherine Keener (Jan Burren), Hal Holbrook (Ron Franz), Kristen Stewart (Tracy), Vince Vaughn (Wayne Westerberg), Brian Dierker (Rainey).
Guión: Sean Penn; basado en el libro "Hacia rutas salvajes" de Jon Krakauer.
Productores: Sean Penn, Art Linson y Bill Pohlad.Fotografía: Eric Gautier .
Música: Eddie Vedder, Michael Brook y Kaki King.
Editor: Jay Cassidy.
Vestuario: Mary Claire Hannan.

Sinopsis

Christopher McCandless tiene veintitrés años y acaba de terminar la Universidad. Pero a pesar de los planes que tiene su familia pensados para él, decide dejar toda de lado para viajar a pie por los Estado Unidos como una suerte de preparación para su destino final Alaska.

Sobre el film

Si tuviéramos que mencionar un elemento que se encuentra siempre en el imaginario norteamericano y que se ha mantenido a lo largo de su historia, tendríamos que decir que es el de la libertad. Entendida claro de diversas formas, tiene en autores como Thoreau a uno de sus exponentes más importantes.

Thoreau proponía una vida alejada de la sociedad, sobreviviendo con solo aquello que el trabajo de las manos pudiera proveer. Intentando así romper con la noción de éxito y confort que se desarrolla usualmente en la sociedad moderna. Si bien Thoreau no vivía aún en la sociedad de consumo que nos embarga en la actualidad, una constante de su obra es el cuestionamiento por las posesiones y la creación de necesidades, así como la angustia que la carencia de estas ocasiona en las personas. Dicho esto, nos queda más claro el ejemplo que sigue Christopher McCandless, esa inclinación por seguir el sendero de una vida estoica que duda de todo aquello que no cueste esfuerzo.

Otra forma de leer el viaje de McCandless, es la necesidad de escapar, por no poder afrontar la realidad que lo supera. Es intentar alejarse de todo aquello que le cuesta asumir y de lo cual se encuentra profundamente decepcionado. Es intentar desesperadamente romper el vinculo material y simbólico que lo une a su familia.

Sea cual sea la razón del viaje de McCandless, el film nos permite estar cerca del intento permanente de alguien por darle un sentido a su vida, así como al mundo que lo rodea. Por lo cual, no podemos dejar de señalar la calidad de la dirección de Sean Penn[1]. Ya habíamos visto el cuidado que procura colocar en la imagen[2] (el film tiene una fotografía exepcional), y el cuidado que tiene para tratar temas complejos, sin desarrollar historias endulzadas o llenas de lirismo e idealismo, por el contrario el relato es sobrio, sin dramatizar aquello que de por si tiene una carga y una fuerza propia. Y sin duda el trabajo de musicalización de Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam) ayuda a no solo seguir la historia, sino que es el complemento perfecto para muchas de las bellas imágenes del film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Si bien es un personaje público que usualmente genera polémica por sus posturas políticas, lo que no se discute es el grado de compromiso en relación a sus ideas y sus proyectos.
[2] En un corto (representando a Estados Unidos) que realiza para el film 11/09/01 September 11.

Things we lost in the fire (Susanne Bier/2007)

Dirección: Susanne Bier.
Reparto: Halle Berry (Audrey Burke), Benicio del Toro (Jerry Sunborne), David Duchovny (Brian Burke), Alison Lohman (Kelly), Omar Benson Miller (Neal), John Carroll Lynch (Howard Glassman), Alexis Llewellyn (Harper Burke), Micah Berry (Dory Burke).
Guión: Allan Loeb.
Productores: Sam Mendes y Sam Mercer.Fotografía: Tom Stern.
Editor: Pernille Bech Christensen y Bruce Cannon.

Sinopsis

Audrey Burke (Halle Berry) pierde a su marido, está tragedia la acercara al mejor amigo de de este.

Sobre el film

Susanne Bier, directora de origen danés, conocida por sus filiaciones con el grupo Dogma 95[1], y por ser la directora del film “Despues de la boda”[2], nos trae otro de sus films intimistas. Desarrollado con el cuidado que el tema requiere. La dirección de Bier se encuentra totalmente alejada de patetismos y exageraciones. Lo suyo es un trabajo centrado en las miradas, en posar la cámara el tiempo justo en los actores, permitir que ella nos acerque a lo que están viviendo. La cámara no exagera, no inventa las emociones, solo se encarga de mostrárnoslas. Por eso logra hacer que el dolor se haga patente en cada cuadro del film. Con un Benicio del Toro que nos brinda una de sus mejores actuaciones, no dudamos en decir que es un film que sin duda hay que ver.


Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Colectivo fundado en Copenhague por realizadores cinematográficos que buscaban desarrollar un cine más realista e intimista, por lo cual decidieron poner por escrito las prerrogativas que su cine debía desarrollar. Estos son los principios que el cine de Dogma, procura respetar.
Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:
1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
Hay que aclarar que estos principios constantemente hacen irrespetados por los propios propulsores del Dogma. Pero lo cierto es que el intento por regresar a un cine que concentre sus energías más en la actuación ha tenido variados aciertos y ha revitalizado una propuesta por un cine alejado de manierismos y exageraciones.

[2] Estuvo en la terna de mejor película extranjera en los Oscares de 2007.

Margot at the wedding (Noah Baumbach/2007)

Dirección:Noah Baumbach.
Reparto: Nicole Kidman (Margot Zeller), Jennifer Jason Leigh (Pauline), Zane Pais (Claude), Jack Black (Malcolm), John Turturro (Jim), Ciarán Hinds (Dick Koosman), Halley Feiffer (Maisy Koosman).
Guión: Noah Baumbach.
Productor: Scott Rudin.Fotografía: Harris Savides.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Ann Roth.

Sinopsis

Las hermanas Zeller no se han visto por mucho tiempo, pero la boda de una de ellas parecerá ser la ocasión adecuada para hacerlo.

Sobre el film

Este es el segundo film de Noah Baumbach[1], que hace un par de años escribió y dirigió The Squid and the Whale[2]. Nuevamente se introduce en el mundo que conoce de primera mano, el de los intelectuales de la costa este, de las prestigiosa universidades de la Ivy League[3], o de los que se sienten acomplejados y frustrados por no serlo. Muchos de ellos escritores, con una gran habilidad para describir con dramatismo y sensibilidad la tragedia humana, pero incapaces de reconocer y enfrentar la propia. Este es el caso de Margot Zeller (una estupenda Nicole Kidman) que ve en casi todos, el autismo que nadie ha podido diagnosticar en ella.

Y es que si usualmente se cree que el autista no tiene sentimientos, lo real es que en muchos casos su problema reside en su incapacidad de poder comunicarlos, de hacerlos sentir a los otros. Margot la escritora, no tiene problemas para llevar a sus lectores a través de los dramas silentes y complejos de sus personajes, llenos de contradicciones y carentes por completo de una catarsis final. Pero es incapaz de no tener una relación pasivo agresiva con su hijo, que por su parte la adora e intenta ser siempre de su agrado.

Y de algún modo el relato del propio Baumbach se asemeje a los rasgos de su protagonista. Quien se encuentra alejado del final cerrado o que intenta ser concluyente, apuesta por el contrario a dejar en suspenso la acción, absteniéndose por completo de llenar los vacios que el mismo ha creado en su espectador.

No queremos dejar de ecribir unas líneas sobre la fotografía, la cual sin duda va de acorde al film. Crea la sensación adecuada en cada momento. Es como un otoño proyectado en la vida de los personajes, pues acentúa los matices de sequedad, de agotamiento, de cansancio. No dudamos que la crítica planteara las deudas de Baumbach, con el cine de Bergman, Rohmer y Allen (nos referimos al Allen más cercano a Bergman justamente) pero para nosotros lo cierto es que Baumbach está acentuado y depurando su estilo.

Para finalizar nos gustaría apuntar que Baumbach, como Anderson, Hedges, entre muchos otros, son la apuesta de un cine norteamericano intimista (ciertos críticos lo han denominado “europeizado”). Un cine que se inclina por los relatos cortos y de emociones contenidas, con la cámara sumamente cerca de sus actores, distante de la pretensión de los relatos fundacionales y grandilocuentes. Es un cine que muchas veces pasa desapercibido, por su pretensión y ambición en apariencia menor, pero que para nosotros representan las apuestas más interesantes y cuidadas del cine norteamericano actual.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Conocido por colaborar con Wes Anderson en el guión de The Life Aquatic with Steve Zissou (conocida en nuestro medio como Vida Acuática).
[2] Conocida en nuestro medio como, El Calamar y la Ballena.
[3] Es una liga deportiva formada por ocho universidades del Noreste Norteamericano, cada una de ellas reconocidas por su alto nivel académico y de prestigio social.

La Visita de la Banda/BIKUR HATIZMORET (Eran Kolirin/2007)

Dirección: Eran Kolirin.
Reparto: Sasson Gabai (Tewfiq), Ronit Elkabetz (Dina), Saleh Bakri (Haled), Khalifa Natour (Simon), Imad Jabarin (Camal), Tarak Kopty (Iman), Hisham Khoury (Fauzi), François Khell (Makram), Eyad Sheety (Saleh), Shlomi Avraham (Papi).
Guión: Eran Kolirin .
Productores: Elion Ratzkovsky, Ehud Bleiberg, Yossi Uzrad, Koby Gal-Raday y Guy Jacoel.Fotografía: Shai Goldman.
Música: Habib Shehadeh Hanna.
Editor: Arik Lahav Leibovitz.
Vestuario: Doron Ashkenazi.

Sinopsis

Una pequeña banda policial egipcia llega por una confusión idiomática a un pequeño pueblo en Israel. Perdidos y sin dinero, apelaran a la hospitalidad de los habitantes

Sobre el film

Podríamos hablar de la influencia de cineastas como Aki Käurismaki o Abbas Kiarostami, para la composición y realización de este film. O que nos hace recordar un film como Whisky de los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll. Pero poco interesados en las comparaciones y las referencias, nos limitamos a hablar de la sorpresa y lo placentero que es poder tener la oportunidad de ver films como este. Sencillo, nada pretensioso, pero lleno de momentos alegres, dramáticos, de silencios y de risas, de problemas idiomáticos y culturales, así como de total claridad y comprensión.

El film nos atrapa por completo, es de una sencillez que realmente abruma. No intenta ir más allá de lo que se ha propuesto y eso, que puede parecer poco, para nosotros es algo que hay que valorar y saber apreciar. La música es nota aparte, no solo acompaña, sino que ayuda a reforzar esa sensación dulce amarga que hay en todo el film. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)
Dirección: Paul Haggis.
Reparto: Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (detective Emily Sanders), Frances Fisher (Evie), Susan Sarandon (Joan Deerfield), James Franco (sargento Dan Carnelli), Jonathan Tucker (Mike Deerfield), Jason Patric (teniente Kirklander), Josh Brolin (Buchwald), Wes Chatham (cabo Penning), Jake McLaughlin (Gordon Bonner), Mehcad Brooks (Ennis Long).
Guión: Paul Haggis; basado en un argumento de Paul Haggis y Mark Boal.
Productores: Paul Haggis, Patrick Wachsberger, Steven Samuels, Darlene Caamaño Loquet y Laurence Becsey.
Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Mark Isham.
Editor: Jo Francis.
Vestuario: Lisa Jensen.

Sinopsis

Hank Deerfield es un veterano de la guerra de Vietnam, que al enterarse que su hijo Mike (un soldado que acaba de regresar de Irak) ha desaparecido, hará todo lo que este a su alcance para encontrarlo.

Sobre el film

Luego de su reputado y premiado Crush, Paul Haggis se tomo un tiempo para decidir su nuevo proyecto este es In the valley of Elah. Nombre que nos remite al lugar en que (1 Samuel 17:19) un joven David venció a Goliat. La referencia bíblica será un elemento sobre el cual Haggis buscara discurrir durante todo el film.

La actuación de Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), le da el soporte necesario a la historia, sin un actor como él, el viaje que propone este film sería difícil de seguir. Además hay que resaltar las interpretaciones de Charlize Theron (como una detective y madre soltera) y la más corta pero no por ello con menos importancia de Susan Sarandon, que con unas pocas escenas logran mantener su presencia durante todo el film. Precisamente su actuación enfrenta al personaje de Tommy Lee Jones a asumir las consecuencias de las acciones tomadas.

In the valley of Elah, nos habla de la paternidad, y el rol que está cumple, pero además del modo en que encubrimos nuestras acciones en valores y principios que vistos de cerca están muy lejos de representar aquello en que creemos. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

JUNO (Jason Reitman /2007)

JUNO (Jason Reitman /2007)
Dirección: Jason Reitman.
Reparto: Ellen Page (Juno Mac Guff), Michael Cera (Paulie Bleeker), Jennifer Garner (Vanessa Loring), Jason Bateman (Mark Loring), Allison Janney (Bren MacGuff), J.K. Simmons (Mac MacGuff).
Guión: Diablo Cody.
Productores: Joseph Drake, Daniel Dubiecki.Fotografía: Eric Steelberg.
Música Original: Matt Messina
Editor: Dana E. Glauberman.
Vestuario: Maria Bradley.

Sinopsis

Juno es una chica de dieciséis años, que sale embarazada de su mejor amigo. Ante esta situación intentara que este hecho no afecte su vida, cosa que será difícil de que ocurra.

Sobe el film

Juno[1] para los romanos era la esposa de Júpiter, pero además detentaba el cargo de diosa de la maternidad y del matrimonio. Así que algo de ironía por decir lo menos, tiene el titulo escogido por Reitman, para su film.

Film que conecta a pesar de lo apática que puede llegar a ser su protagonista. La embarazada por momentos pareciera ser cualquier otra menos que ella, y tal vez en este aspecto este la clave del film, en la negación constante de su situación, pues Juno desea cualquier cosa menos estar en estado. Pues detrás de su aspecto irónico y contestatario Juno aún no sabe que desea para su vida, y menos que es lo mejor para la vida de su bebé.

Es la sensación de desorientación la que de algún modo llena el film, tanto por parte de los adolescentes como de los adultos. Y es que, nadie tiene claro que hacer o que decir en una situación como esta. Tal vez ahí la razón de lo sugerente de este film, que escapa y rehúye la labor de agente moderador del buen proceder, pues nadie tiene la respuesta correcta, solo se puede optar y decidir, y asumir las consecuencias de nuestras acciones.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] La poderosa enemiga de Eneas en la Eneida. Capaz de todo para destruir al Troyano.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)
Dirección: Andrew Dominik.
Reparto: Brad Pitt (Jesse James), Casey Affleck (Robert Ford), Sam Shepard (Frank James), Mary-Louise Parker (Zee James), Paul Schneider (Dick Liddil), Jeremy Renner (Wood Hite), Zooey Deschanel (Dorothy), Sam Rockwell (Charley Ford), Garret Dillahunt (Ed Miller).
Guión: Andrew Dominik; basado en la novela de Ron Hansen .
Productores: Brad Pitt, Dede Gardner, Ridley Scott, Jules Daly, Brad Grey y David Valdes.Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Nick Cave y Warren Ellis.
Editor: Dylan Tichenor y Curtiss Clayton.
Diseño de producción: Patricia Norris.

Sinopsis

La banda formada por los hermanos James, la cual asolo Kansas por más de una década, se encuentra en sus momentos finales y con ella su miembro más emblemático, Jesse James.

Sobre el film

Jesse James es uno de los iconos del lejano oeste, de esa gran pléyade de delincuentes que se formaron luego de la guerra civil norteamericana. Su fama está ligada sin duda al crecimiento de la prensa en su país. Prensa para la que James representaba una suerte de espíritu libre y romántico, un Robin Hood sureño, que se levantaba y revelaba ante el opresor del norte. Pero con los años el propio James no puede vivir con su propia fama, con la persona pública que ha sido magnificada por los medios.

Esta es la premisa sobre la que se construye el film de Andrew Dominik, con un antihéroe con problemas de depresión, neurótico y ya cansado de todo. Alejado de todo romanticismo y heroísmo. Ese es el mundo en la que la actuación sobria y contenida de Pitt nos logra introducir. Y a la que se contrapondrá la figura atolondrada de Robert Ford (Casey Affleck[1]).
Ford que desciende del legado de Bruto[2], vive en constante cambio entre la fascinación por su ídolo y el pavor que este origina en él, pues la figura del héroe vista de cerca se diluye de tal modo que solo queda el hombre.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford, es un relato que ha sido denominado por parte de la crítica como western crepuscular[3] y que a nuestro entender es una balada que ronda la soledad y la obsesión, y que rompe con el arquetipo del héroe silente y seguro de sí mismo, y que nos lleva a través del caos de un hombre enfrentado a su pasado y a la soledad de su presente. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] En una interpretación impecable.
[2] Bruto se creía merecedor de elogio por matar a un tirano, la historia le ha legado el papel de un cobarde traidor.
[3] Está denominación la reciben aquellos films que centran su mirada en las historias de guerreros agotados, hastiados de todo y de todos. Pero que aún logran encontrar una razón o alguna causa, que los reencuentre con sus armas y que de algún extraño modo le den sentido tanto a su vida como a su lucha.

We own the night (James Gray /2007)

We own the night (James Gray /2007)
Dirección: James Gray.
Reparto: Joaquin Phoenix (Bobby), Mark Wahlberg (Joseph), Eva Mendes (Amada), Robert Duvall (Burt).
Guión: James Gray.
Productores: Marc Butan, Joaquin Phoenix, Nick Wechsler y Mark Wahlberg.Fotografía: Joaquín Baca-Asay.
Editor: John Axelrad.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis

A finales de los ochenta, Bobby Green (Joaquin Phoenix) maneja el mejor club de Brooklyn y trabaja para gente relacionada a la mafia rusa. Pero Bobby oculta que es hijo del jefe de policía de Nueva York, posición que lo llevara a tener que decidir de qué lado de la acera está.

Sobre el film

We own the night, es el tercer film de James Gray, el cual ha recibido comentarios mixtos por parte de la crítica[1]. Film que continúa la temática de sus dos primeras obras (Little Odessa y The Yards), la familia, Nueva York y la delincuencia.

El film sin duda se construye sobre las geniales actuaciones de Phoenix, Duvall y Wahlberg, que si bien son conocidos por la fuerza que le imprimen a sus interpretaciones (llenas de intensidad y furia), sus mejores momentos son los de rabia contenida, con actuaciones que se forman más en la no acción, permitiendo así mostrar el desarrollo del proceso interno de los personajes.

Si bien se puede acusar por momentos de moralista al film, creemos que la temática va más allá del clásico enfrentamiento del bien con el mal o hallar la forma correcta de actuar. Por el contrario, se centra en el modo en que un acto puede introducir una inequidad en la vida de una persona y transformarla de tal modo que la destruya por completo, hasta llegar a un punto en que no hay retorno.

We own the night, es una historia llena de sutilezas, que sin duda hay ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Se comento mucho los abucheos que recibió durante su exhibición en la última edición del festival de cine de Cannes.

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Dirección: Julie Delpy.
Reparto: Adam Goldberg (Jack), Julie Delpy (Marion), Daniel Brühl (Lukas), Marie Pillet (Anna), Albert Delpy (Jeannot), Alexia Landeau (Rose), Adan Jodorowsky (Mathieu), Alex Nahon (Manu), Vanessa Seward (Vanessa).
Producción: Christophe Mazodier, Julie Delpy y Thierry Potok.Guión: Julie Delpy.
Fotografía: Lubomir Bakchev.
Editor: Julie Delpy.
Música Original: Julie Delpy.
Vestuario: Stephan Rollot.

Sinopsis

Una pareja acaba de cumplir dos años de relación. Ella es Francesa y el Norteamericano, y luego de unas vacaciones en Venecia deciden terminar su viaje pasando un par de días en Paris.

Sobre el film

Las relaciones humanas y en especial las de pareja, siempre serán un espacio perfecto para el ensayo, y la reflexión. Y eso nos trae en su nueva incursión en el cine, la genial Julie Delpy. Film que no solo a escrito y dirigido, sino que ha editado, producido y compuesto música para el[1].
Una película sencillamente deliciosa, Delpy tiene la capacidad e llevarnos a través de la neurosis, miedos y contradicciones de sus personajes, pero alejada de todo patetismo. Utiliza la risa y la ironía para evitar la densidad de la crítica sobre nuestra propia humanidad. Es decir, es mejor reírse de ella que lamentarse. No intenta construir una batalla de los sexos ni una confrontación entre dos culturas, es sencillamente sumergirse en de qué modo enamorarse es algo por lo que siempre apostamos, después de malas y terribles decepciones, lo que no dejamos de buscar es el amor.

Hay mucho más que decir de este film, pero nosotros llegamos hasta aquí, no dudamos, que se hablara de las deudas de Delpy con el cine de Woody Allen o con el de Rhomer. Pero lo cierto es que Delpy entretiene, enternece, conmueve, y poder hacer eso en un film, es decir bastante. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Tal vez un modo (algo caro, por cierto) de hacer terapia. Un dato aparte es que los actores que interpretan a los padres de Marion (Julie Delpy) son los propios padres de Delpy.

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)
Dirección: Todd Haynes.
Reparto: Heath Ledger (Robbie), Christian Bale (Jack/John), Richard Gere (Billy), Cate Blanchett (Jude), Julianne Moore (Alice), Charlotte Gainsbourg (Claire), Michelle Williams (Coco).
Guión: Todd haynes y Oren Moverman.Productores: Christine Vachon y Jeff Rosen.Fotografía: Ed Lachman.
Editor: Jay Rabinowitz.
Vestuario: John Dunn.

Sinopsis

Una vida, y muchas historias por contar. Todas inspiradas en la música y vida de Bob Dylan.

Los pequeños heterónimos de Bob

Utilizamos la palabra heterónimo[1], como lo entendía Pessoa[2], con quien adquiere el cariz de referirse a un otro yo, pero no solo otro yo, sino que es un otro yo, con una historia de vida propia.

Y crear heterónimos es lo que hace Todd Haynes[3] en esta película. Pues I´m not there, es un genial intento de contar la vida y la influencia de Bob Dylan, en la música, así como en la vida de muchas personas. Pues Haynes, en vez de apostar por el biopic clásico, que tiene como premisa revelar o recrear incidentes en la vida de los personajes (contar sus secretos, sus lados ocultos, sus ascensos y caídas), nos lleva a través de pequeñas historias, y canciones a contarnos de decepciones, mentiras, promesas, ilusiones, que muchos de nosotros sufrimos.
Dylan el individuo público, como nos recuerda el título del film, no se encuentra en esa Dramatis Personae, en esa mascara que compone diversos personajes. Dylan y su historia si esta en algún lugar es en sus canciones, y en la posibilidad que estas nos brindan a cada uno de nosotros de poner una banda sonora de nuestras vidas. De más está decir que la música es excelente y que va de la mano con cada historia del film. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Que funciona para designar a dos palabras que se contraponen pero que provienen de raíces gramaticales diferentes
[2] El propio Pessoa tenía diversos heterónimos, como Álvaro de Campos, Alberto Caeiro, entre otros. Cada uno con una hoja de vida, un carácter, un temperamento y un gusto completamente distinto.
[3] Es el director de Far From Heaven (Lejos del Cielo).