Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)
Dirección: Sidney Lumet.
Reparto: Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank), Marisa Tomei (Gina), Albert Finney (Charles), Rosemary Harris (Nanette), Michael Shannon (Dex), Brian F. O'Byrne (Bobby), Amy Ryan (Martha).
Guión: Kelly Masterson.
Productores: Michael Cerenzie y Brian Linse.Fotografía: Ron Fortunato.
Música: Carter Burwell.
Editor: Tom Swartwout.
Vestuario: Tina Nigro.

Sinopsis

Los hermanos Hanson desean salir de sus diversos apuros, por lo cual deciden que no hay mejor solución que robar una pequeña joyería en una zona residencial. Lo que no esperan es que esto vaya a desencadenar el inicio del fin de su propia familia.

El Regreso de un Maestro

Sidney Lumet tuvo su estreno como director, con la no poco recordada 12 Angry Men[1] (Doce hombres en pugna). En esta ocasión nos trae su más reciente obra Before the Devil knows you're dead. Ya en el 2006 había presentado Find Me Guilty que no conto con el favor de la crítica. En especial por el riesgo que supuso apostar por darle el rol protagónico del film a un actor como Vin Diesel[2], emparentado más con films de acción, que con dramas complejos.

En esta ocasión Lumet nos muestra la razón por la cual ha sido un maestro en contar dramas psicológicos emparentados siempre con el film noir. Ya en Pawnbroker[3] (El prestamista) nos hablaba del mundo de los tratantes de joyas y objetos robados[4]. Judíos que sufrieron en carne propia los horrores de la guerra, que viven intentando sobrevivir, en los espacios más duros y difíciles de Nueva york, y que nos dejan con el pensamiento de que queda después de regresar del infierno.

Y decimos esto, pues algo de esto hay en Before the Devil knows you're dead, en la que los protagonistas provienen de verdaderos infiernos personales, de los cuales se les hace imposible de escapar. Sin duda deber ser uno de los mejores film sobre familia y lealtad de los últimos tiempos. Además el film nos ha regresado a uno de los maestros en esto de mostrar la psique humana de una forma en que solo lo han hecho los griegos y Shakespeare. Sencillamente nos queda decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film de 1957.
[2] Por cierto, nos gustaría apuntar que a nuestro entender, el film fue más que interesante y entretenido, con un Diesel realmente a la altura del papel. Y si algo hay que tener en cuenta, es que los grandes directores han logrado hacer que actores no muy buenos, o incluso mediocres enfrente a su lente, se vean en dominio de la escena.
[3] Film de 1964.
[4] Con un estilo narrativo diferente apoyado en el uso de la cámara, totalmente distinto a los estándares que se practicaban en el Hollywood de su época y más cercano a los estilos europeos.

Dan in real life (Peter Hedges/2007)

Dan in real life (Peter Hedges/2007)
Dirección: Peter Hedges.
Reparto: Steve Carell (Dan), Juliette Binoche (Marie), Dane Cook (Mitch), Dianne Wiest (Nana), John Mahoney (Poppy), Emily Blunt (Ruthie Draper), Alison Pill (Jane), Brittany Robertson (Cara), Marlene Lawston (Lilly), Norbert Leo Butz (Clay), Amy Ryan (Eileen.
Guión: Peter Hedges y Pierce Gardner.
Productores: Jon Shestack y Brad Epstein.Fotografía: Lawrence Sher.
Música: Sondre Lerche.
Editor: Sarah Flack.
Vestuario: Alix Friedberg.

Sinopsis

Dan es un viudo con tres hijas, que escribe una columna en el diario local que da consejos sobre la crianza de niños. Lo que no le impide tener problemas con su propia familia. Además es el final del verano y los padres de Dan organizan una reunión por el fin de la temporada. Sumado a esto conoce a la mujer de sus sueños, pero resulta ser la nueva novia de su hermano.

Sobre el film

Segundo largometraje de Peter Hedges, de quien vimos hace ya unos años la genial “Pieces of April”. En esta oportunidad hace uso de las habilidades de un comediante como Steve Carell para contar una historia sobre la familia y el amor.

El humor de Carell es perfecto para el personaje de Dan. La frustración que siente su personaje lo acercan sin duda al patetismo, pero no por eso uno se aleja de él, por el contrario logra que nos identifiquemos y nos sintamos parte de su angustia y sufrimiento. Es por eso que la elección de Juliette Binoche para interpretar a Marie, no podía ser mejor. Pues ella le imprime no solo su belleza y distinción, sino la capacidad de convertir el asunto más serio en la cosa más graciosa y absurda. En otra actriz el rol hubiera caído en ser meramente el objeto del deseo de Dan, pero en este caso su actuación nos permite hacer incluso más fundadas y cercanas las excentricidades de este.

Tal vez en este film Hedges, no se logre un drama complejo como lo fue la ya antes mencionada “Pieces of April”. Pero sin duda logra crear una comedia romántica de gran factura, de esas que siempre se extrañan poder ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Into the Wild (Sean Penn/2007)

Into the Wild (Sean Penn/2007)
Dirección: Sean Penn.
Reparto: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Catherine Keener (Jan Burren), Hal Holbrook (Ron Franz), Kristen Stewart (Tracy), Vince Vaughn (Wayne Westerberg), Brian Dierker (Rainey).
Guión: Sean Penn; basado en el libro "Hacia rutas salvajes" de Jon Krakauer.
Productores: Sean Penn, Art Linson y Bill Pohlad.Fotografía: Eric Gautier .
Música: Eddie Vedder, Michael Brook y Kaki King.
Editor: Jay Cassidy.
Vestuario: Mary Claire Hannan.

Sinopsis

Christopher McCandless tiene veintitrés años y acaba de terminar la Universidad. Pero a pesar de los planes que tiene su familia pensados para él, decide dejar toda de lado para viajar a pie por los Estado Unidos como una suerte de preparación para su destino final Alaska.

Sobre el film

Si tuviéramos que mencionar un elemento que se encuentra siempre en el imaginario norteamericano y que se ha mantenido a lo largo de su historia, tendríamos que decir que es el de la libertad. Entendida claro de diversas formas, tiene en autores como Thoreau a uno de sus exponentes más importantes.

Thoreau proponía una vida alejada de la sociedad, sobreviviendo con solo aquello que el trabajo de las manos pudiera proveer. Intentando así romper con la noción de éxito y confort que se desarrolla usualmente en la sociedad moderna. Si bien Thoreau no vivía aún en la sociedad de consumo que nos embarga en la actualidad, una constante de su obra es el cuestionamiento por las posesiones y la creación de necesidades, así como la angustia que la carencia de estas ocasiona en las personas. Dicho esto, nos queda más claro el ejemplo que sigue Christopher McCandless, esa inclinación por seguir el sendero de una vida estoica que duda de todo aquello que no cueste esfuerzo.

Otra forma de leer el viaje de McCandless, es la necesidad de escapar, por no poder afrontar la realidad que lo supera. Es intentar alejarse de todo aquello que le cuesta asumir y de lo cual se encuentra profundamente decepcionado. Es intentar desesperadamente romper el vinculo material y simbólico que lo une a su familia.

Sea cual sea la razón del viaje de McCandless, el film nos permite estar cerca del intento permanente de alguien por darle un sentido a su vida, así como al mundo que lo rodea. Por lo cual, no podemos dejar de señalar la calidad de la dirección de Sean Penn[1]. Ya habíamos visto el cuidado que procura colocar en la imagen[2] (el film tiene una fotografía exepcional), y el cuidado que tiene para tratar temas complejos, sin desarrollar historias endulzadas o llenas de lirismo e idealismo, por el contrario el relato es sobrio, sin dramatizar aquello que de por si tiene una carga y una fuerza propia. Y sin duda el trabajo de musicalización de Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam) ayuda a no solo seguir la historia, sino que es el complemento perfecto para muchas de las bellas imágenes del film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Si bien es un personaje público que usualmente genera polémica por sus posturas políticas, lo que no se discute es el grado de compromiso en relación a sus ideas y sus proyectos.
[2] En un corto (representando a Estados Unidos) que realiza para el film 11/09/01 September 11.

Things we lost in the fire (Susanne Bier/2007)

Dirección: Susanne Bier.
Reparto: Halle Berry (Audrey Burke), Benicio del Toro (Jerry Sunborne), David Duchovny (Brian Burke), Alison Lohman (Kelly), Omar Benson Miller (Neal), John Carroll Lynch (Howard Glassman), Alexis Llewellyn (Harper Burke), Micah Berry (Dory Burke).
Guión: Allan Loeb.
Productores: Sam Mendes y Sam Mercer.Fotografía: Tom Stern.
Editor: Pernille Bech Christensen y Bruce Cannon.

Sinopsis

Audrey Burke (Halle Berry) pierde a su marido, está tragedia la acercara al mejor amigo de de este.

Sobre el film

Susanne Bier, directora de origen danés, conocida por sus filiaciones con el grupo Dogma 95[1], y por ser la directora del film “Despues de la boda”[2], nos trae otro de sus films intimistas. Desarrollado con el cuidado que el tema requiere. La dirección de Bier se encuentra totalmente alejada de patetismos y exageraciones. Lo suyo es un trabajo centrado en las miradas, en posar la cámara el tiempo justo en los actores, permitir que ella nos acerque a lo que están viviendo. La cámara no exagera, no inventa las emociones, solo se encarga de mostrárnoslas. Por eso logra hacer que el dolor se haga patente en cada cuadro del film. Con un Benicio del Toro que nos brinda una de sus mejores actuaciones, no dudamos en decir que es un film que sin duda hay que ver.


Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Colectivo fundado en Copenhague por realizadores cinematográficos que buscaban desarrollar un cine más realista e intimista, por lo cual decidieron poner por escrito las prerrogativas que su cine debía desarrollar. Estos son los principios que el cine de Dogma, procura respetar.
Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:
1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
Hay que aclarar que estos principios constantemente hacen irrespetados por los propios propulsores del Dogma. Pero lo cierto es que el intento por regresar a un cine que concentre sus energías más en la actuación ha tenido variados aciertos y ha revitalizado una propuesta por un cine alejado de manierismos y exageraciones.

[2] Estuvo en la terna de mejor película extranjera en los Oscares de 2007.

Margot at the wedding (Noah Baumbach/2007)

Dirección:Noah Baumbach.
Reparto: Nicole Kidman (Margot Zeller), Jennifer Jason Leigh (Pauline), Zane Pais (Claude), Jack Black (Malcolm), John Turturro (Jim), Ciarán Hinds (Dick Koosman), Halley Feiffer (Maisy Koosman).
Guión: Noah Baumbach.
Productor: Scott Rudin.Fotografía: Harris Savides.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Ann Roth.

Sinopsis

Las hermanas Zeller no se han visto por mucho tiempo, pero la boda de una de ellas parecerá ser la ocasión adecuada para hacerlo.

Sobre el film

Este es el segundo film de Noah Baumbach[1], que hace un par de años escribió y dirigió The Squid and the Whale[2]. Nuevamente se introduce en el mundo que conoce de primera mano, el de los intelectuales de la costa este, de las prestigiosa universidades de la Ivy League[3], o de los que se sienten acomplejados y frustrados por no serlo. Muchos de ellos escritores, con una gran habilidad para describir con dramatismo y sensibilidad la tragedia humana, pero incapaces de reconocer y enfrentar la propia. Este es el caso de Margot Zeller (una estupenda Nicole Kidman) que ve en casi todos, el autismo que nadie ha podido diagnosticar en ella.

Y es que si usualmente se cree que el autista no tiene sentimientos, lo real es que en muchos casos su problema reside en su incapacidad de poder comunicarlos, de hacerlos sentir a los otros. Margot la escritora, no tiene problemas para llevar a sus lectores a través de los dramas silentes y complejos de sus personajes, llenos de contradicciones y carentes por completo de una catarsis final. Pero es incapaz de no tener una relación pasivo agresiva con su hijo, que por su parte la adora e intenta ser siempre de su agrado.

Y de algún modo el relato del propio Baumbach se asemeje a los rasgos de su protagonista. Quien se encuentra alejado del final cerrado o que intenta ser concluyente, apuesta por el contrario a dejar en suspenso la acción, absteniéndose por completo de llenar los vacios que el mismo ha creado en su espectador.

No queremos dejar de ecribir unas líneas sobre la fotografía, la cual sin duda va de acorde al film. Crea la sensación adecuada en cada momento. Es como un otoño proyectado en la vida de los personajes, pues acentúa los matices de sequedad, de agotamiento, de cansancio. No dudamos que la crítica planteara las deudas de Baumbach, con el cine de Bergman, Rohmer y Allen (nos referimos al Allen más cercano a Bergman justamente) pero para nosotros lo cierto es que Baumbach está acentuado y depurando su estilo.

Para finalizar nos gustaría apuntar que Baumbach, como Anderson, Hedges, entre muchos otros, son la apuesta de un cine norteamericano intimista (ciertos críticos lo han denominado “europeizado”). Un cine que se inclina por los relatos cortos y de emociones contenidas, con la cámara sumamente cerca de sus actores, distante de la pretensión de los relatos fundacionales y grandilocuentes. Es un cine que muchas veces pasa desapercibido, por su pretensión y ambición en apariencia menor, pero que para nosotros representan las apuestas más interesantes y cuidadas del cine norteamericano actual.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Conocido por colaborar con Wes Anderson en el guión de The Life Aquatic with Steve Zissou (conocida en nuestro medio como Vida Acuática).
[2] Conocida en nuestro medio como, El Calamar y la Ballena.
[3] Es una liga deportiva formada por ocho universidades del Noreste Norteamericano, cada una de ellas reconocidas por su alto nivel académico y de prestigio social.

La Visita de la Banda/BIKUR HATIZMORET (Eran Kolirin/2007)

Dirección: Eran Kolirin.
Reparto: Sasson Gabai (Tewfiq), Ronit Elkabetz (Dina), Saleh Bakri (Haled), Khalifa Natour (Simon), Imad Jabarin (Camal), Tarak Kopty (Iman), Hisham Khoury (Fauzi), François Khell (Makram), Eyad Sheety (Saleh), Shlomi Avraham (Papi).
Guión: Eran Kolirin .
Productores: Elion Ratzkovsky, Ehud Bleiberg, Yossi Uzrad, Koby Gal-Raday y Guy Jacoel.Fotografía: Shai Goldman.
Música: Habib Shehadeh Hanna.
Editor: Arik Lahav Leibovitz.
Vestuario: Doron Ashkenazi.

Sinopsis

Una pequeña banda policial egipcia llega por una confusión idiomática a un pequeño pueblo en Israel. Perdidos y sin dinero, apelaran a la hospitalidad de los habitantes

Sobre el film

Podríamos hablar de la influencia de cineastas como Aki Käurismaki o Abbas Kiarostami, para la composición y realización de este film. O que nos hace recordar un film como Whisky de los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll. Pero poco interesados en las comparaciones y las referencias, nos limitamos a hablar de la sorpresa y lo placentero que es poder tener la oportunidad de ver films como este. Sencillo, nada pretensioso, pero lleno de momentos alegres, dramáticos, de silencios y de risas, de problemas idiomáticos y culturales, así como de total claridad y comprensión.

El film nos atrapa por completo, es de una sencillez que realmente abruma. No intenta ir más allá de lo que se ha propuesto y eso, que puede parecer poco, para nosotros es algo que hay que valorar y saber apreciar. La música es nota aparte, no solo acompaña, sino que ayuda a reforzar esa sensación dulce amarga que hay en todo el film. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)
Dirección: Paul Haggis.
Reparto: Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (detective Emily Sanders), Frances Fisher (Evie), Susan Sarandon (Joan Deerfield), James Franco (sargento Dan Carnelli), Jonathan Tucker (Mike Deerfield), Jason Patric (teniente Kirklander), Josh Brolin (Buchwald), Wes Chatham (cabo Penning), Jake McLaughlin (Gordon Bonner), Mehcad Brooks (Ennis Long).
Guión: Paul Haggis; basado en un argumento de Paul Haggis y Mark Boal.
Productores: Paul Haggis, Patrick Wachsberger, Steven Samuels, Darlene Caamaño Loquet y Laurence Becsey.
Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Mark Isham.
Editor: Jo Francis.
Vestuario: Lisa Jensen.

Sinopsis

Hank Deerfield es un veterano de la guerra de Vietnam, que al enterarse que su hijo Mike (un soldado que acaba de regresar de Irak) ha desaparecido, hará todo lo que este a su alcance para encontrarlo.

Sobre el film

Luego de su reputado y premiado Crush, Paul Haggis se tomo un tiempo para decidir su nuevo proyecto este es In the valley of Elah. Nombre que nos remite al lugar en que (1 Samuel 17:19) un joven David venció a Goliat. La referencia bíblica será un elemento sobre el cual Haggis buscara discurrir durante todo el film.

La actuación de Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), le da el soporte necesario a la historia, sin un actor como él, el viaje que propone este film sería difícil de seguir. Además hay que resaltar las interpretaciones de Charlize Theron (como una detective y madre soltera) y la más corta pero no por ello con menos importancia de Susan Sarandon, que con unas pocas escenas logran mantener su presencia durante todo el film. Precisamente su actuación enfrenta al personaje de Tommy Lee Jones a asumir las consecuencias de las acciones tomadas.

In the valley of Elah, nos habla de la paternidad, y el rol que está cumple, pero además del modo en que encubrimos nuestras acciones en valores y principios que vistos de cerca están muy lejos de representar aquello en que creemos. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

JUNO (Jason Reitman /2007)

JUNO (Jason Reitman /2007)
Dirección: Jason Reitman.
Reparto: Ellen Page (Juno Mac Guff), Michael Cera (Paulie Bleeker), Jennifer Garner (Vanessa Loring), Jason Bateman (Mark Loring), Allison Janney (Bren MacGuff), J.K. Simmons (Mac MacGuff).
Guión: Diablo Cody.
Productores: Joseph Drake, Daniel Dubiecki.Fotografía: Eric Steelberg.
Música Original: Matt Messina
Editor: Dana E. Glauberman.
Vestuario: Maria Bradley.

Sinopsis

Juno es una chica de dieciséis años, que sale embarazada de su mejor amigo. Ante esta situación intentara que este hecho no afecte su vida, cosa que será difícil de que ocurra.

Sobe el film

Juno[1] para los romanos era la esposa de Júpiter, pero además detentaba el cargo de diosa de la maternidad y del matrimonio. Así que algo de ironía por decir lo menos, tiene el titulo escogido por Reitman, para su film.

Film que conecta a pesar de lo apática que puede llegar a ser su protagonista. La embarazada por momentos pareciera ser cualquier otra menos que ella, y tal vez en este aspecto este la clave del film, en la negación constante de su situación, pues Juno desea cualquier cosa menos estar en estado. Pues detrás de su aspecto irónico y contestatario Juno aún no sabe que desea para su vida, y menos que es lo mejor para la vida de su bebé.

Es la sensación de desorientación la que de algún modo llena el film, tanto por parte de los adolescentes como de los adultos. Y es que, nadie tiene claro que hacer o que decir en una situación como esta. Tal vez ahí la razón de lo sugerente de este film, que escapa y rehúye la labor de agente moderador del buen proceder, pues nadie tiene la respuesta correcta, solo se puede optar y decidir, y asumir las consecuencias de nuestras acciones.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] La poderosa enemiga de Eneas en la Eneida. Capaz de todo para destruir al Troyano.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)
Dirección: Andrew Dominik.
Reparto: Brad Pitt (Jesse James), Casey Affleck (Robert Ford), Sam Shepard (Frank James), Mary-Louise Parker (Zee James), Paul Schneider (Dick Liddil), Jeremy Renner (Wood Hite), Zooey Deschanel (Dorothy), Sam Rockwell (Charley Ford), Garret Dillahunt (Ed Miller).
Guión: Andrew Dominik; basado en la novela de Ron Hansen .
Productores: Brad Pitt, Dede Gardner, Ridley Scott, Jules Daly, Brad Grey y David Valdes.Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Nick Cave y Warren Ellis.
Editor: Dylan Tichenor y Curtiss Clayton.
Diseño de producción: Patricia Norris.

Sinopsis

La banda formada por los hermanos James, la cual asolo Kansas por más de una década, se encuentra en sus momentos finales y con ella su miembro más emblemático, Jesse James.

Sobre el film

Jesse James es uno de los iconos del lejano oeste, de esa gran pléyade de delincuentes que se formaron luego de la guerra civil norteamericana. Su fama está ligada sin duda al crecimiento de la prensa en su país. Prensa para la que James representaba una suerte de espíritu libre y romántico, un Robin Hood sureño, que se levantaba y revelaba ante el opresor del norte. Pero con los años el propio James no puede vivir con su propia fama, con la persona pública que ha sido magnificada por los medios.

Esta es la premisa sobre la que se construye el film de Andrew Dominik, con un antihéroe con problemas de depresión, neurótico y ya cansado de todo. Alejado de todo romanticismo y heroísmo. Ese es el mundo en la que la actuación sobria y contenida de Pitt nos logra introducir. Y a la que se contrapondrá la figura atolondrada de Robert Ford (Casey Affleck[1]).
Ford que desciende del legado de Bruto[2], vive en constante cambio entre la fascinación por su ídolo y el pavor que este origina en él, pues la figura del héroe vista de cerca se diluye de tal modo que solo queda el hombre.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford, es un relato que ha sido denominado por parte de la crítica como western crepuscular[3] y que a nuestro entender es una balada que ronda la soledad y la obsesión, y que rompe con el arquetipo del héroe silente y seguro de sí mismo, y que nos lleva a través del caos de un hombre enfrentado a su pasado y a la soledad de su presente. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] En una interpretación impecable.
[2] Bruto se creía merecedor de elogio por matar a un tirano, la historia le ha legado el papel de un cobarde traidor.
[3] Está denominación la reciben aquellos films que centran su mirada en las historias de guerreros agotados, hastiados de todo y de todos. Pero que aún logran encontrar una razón o alguna causa, que los reencuentre con sus armas y que de algún extraño modo le den sentido tanto a su vida como a su lucha.

We own the night (James Gray /2007)

We own the night (James Gray /2007)
Dirección: James Gray.
Reparto: Joaquin Phoenix (Bobby), Mark Wahlberg (Joseph), Eva Mendes (Amada), Robert Duvall (Burt).
Guión: James Gray.
Productores: Marc Butan, Joaquin Phoenix, Nick Wechsler y Mark Wahlberg.Fotografía: Joaquín Baca-Asay.
Editor: John Axelrad.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis

A finales de los ochenta, Bobby Green (Joaquin Phoenix) maneja el mejor club de Brooklyn y trabaja para gente relacionada a la mafia rusa. Pero Bobby oculta que es hijo del jefe de policía de Nueva York, posición que lo llevara a tener que decidir de qué lado de la acera está.

Sobre el film

We own the night, es el tercer film de James Gray, el cual ha recibido comentarios mixtos por parte de la crítica[1]. Film que continúa la temática de sus dos primeras obras (Little Odessa y The Yards), la familia, Nueva York y la delincuencia.

El film sin duda se construye sobre las geniales actuaciones de Phoenix, Duvall y Wahlberg, que si bien son conocidos por la fuerza que le imprimen a sus interpretaciones (llenas de intensidad y furia), sus mejores momentos son los de rabia contenida, con actuaciones que se forman más en la no acción, permitiendo así mostrar el desarrollo del proceso interno de los personajes.

Si bien se puede acusar por momentos de moralista al film, creemos que la temática va más allá del clásico enfrentamiento del bien con el mal o hallar la forma correcta de actuar. Por el contrario, se centra en el modo en que un acto puede introducir una inequidad en la vida de una persona y transformarla de tal modo que la destruya por completo, hasta llegar a un punto en que no hay retorno.

We own the night, es una historia llena de sutilezas, que sin duda hay ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Se comento mucho los abucheos que recibió durante su exhibición en la última edición del festival de cine de Cannes.

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Dirección: Julie Delpy.
Reparto: Adam Goldberg (Jack), Julie Delpy (Marion), Daniel Brühl (Lukas), Marie Pillet (Anna), Albert Delpy (Jeannot), Alexia Landeau (Rose), Adan Jodorowsky (Mathieu), Alex Nahon (Manu), Vanessa Seward (Vanessa).
Producción: Christophe Mazodier, Julie Delpy y Thierry Potok.Guión: Julie Delpy.
Fotografía: Lubomir Bakchev.
Editor: Julie Delpy.
Música Original: Julie Delpy.
Vestuario: Stephan Rollot.

Sinopsis

Una pareja acaba de cumplir dos años de relación. Ella es Francesa y el Norteamericano, y luego de unas vacaciones en Venecia deciden terminar su viaje pasando un par de días en Paris.

Sobre el film

Las relaciones humanas y en especial las de pareja, siempre serán un espacio perfecto para el ensayo, y la reflexión. Y eso nos trae en su nueva incursión en el cine, la genial Julie Delpy. Film que no solo a escrito y dirigido, sino que ha editado, producido y compuesto música para el[1].
Una película sencillamente deliciosa, Delpy tiene la capacidad e llevarnos a través de la neurosis, miedos y contradicciones de sus personajes, pero alejada de todo patetismo. Utiliza la risa y la ironía para evitar la densidad de la crítica sobre nuestra propia humanidad. Es decir, es mejor reírse de ella que lamentarse. No intenta construir una batalla de los sexos ni una confrontación entre dos culturas, es sencillamente sumergirse en de qué modo enamorarse es algo por lo que siempre apostamos, después de malas y terribles decepciones, lo que no dejamos de buscar es el amor.

Hay mucho más que decir de este film, pero nosotros llegamos hasta aquí, no dudamos, que se hablara de las deudas de Delpy con el cine de Woody Allen o con el de Rhomer. Pero lo cierto es que Delpy entretiene, enternece, conmueve, y poder hacer eso en un film, es decir bastante. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Tal vez un modo (algo caro, por cierto) de hacer terapia. Un dato aparte es que los actores que interpretan a los padres de Marion (Julie Delpy) son los propios padres de Delpy.

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)
Dirección: Todd Haynes.
Reparto: Heath Ledger (Robbie), Christian Bale (Jack/John), Richard Gere (Billy), Cate Blanchett (Jude), Julianne Moore (Alice), Charlotte Gainsbourg (Claire), Michelle Williams (Coco).
Guión: Todd haynes y Oren Moverman.Productores: Christine Vachon y Jeff Rosen.Fotografía: Ed Lachman.
Editor: Jay Rabinowitz.
Vestuario: John Dunn.

Sinopsis

Una vida, y muchas historias por contar. Todas inspiradas en la música y vida de Bob Dylan.

Los pequeños heterónimos de Bob

Utilizamos la palabra heterónimo[1], como lo entendía Pessoa[2], con quien adquiere el cariz de referirse a un otro yo, pero no solo otro yo, sino que es un otro yo, con una historia de vida propia.

Y crear heterónimos es lo que hace Todd Haynes[3] en esta película. Pues I´m not there, es un genial intento de contar la vida y la influencia de Bob Dylan, en la música, así como en la vida de muchas personas. Pues Haynes, en vez de apostar por el biopic clásico, que tiene como premisa revelar o recrear incidentes en la vida de los personajes (contar sus secretos, sus lados ocultos, sus ascensos y caídas), nos lleva a través de pequeñas historias, y canciones a contarnos de decepciones, mentiras, promesas, ilusiones, que muchos de nosotros sufrimos.
Dylan el individuo público, como nos recuerda el título del film, no se encuentra en esa Dramatis Personae, en esa mascara que compone diversos personajes. Dylan y su historia si esta en algún lugar es en sus canciones, y en la posibilidad que estas nos brindan a cada uno de nosotros de poner una banda sonora de nuestras vidas. De más está decir que la música es excelente y que va de la mano con cada historia del film. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Que funciona para designar a dos palabras que se contraponen pero que provienen de raíces gramaticales diferentes
[2] El propio Pessoa tenía diversos heterónimos, como Álvaro de Campos, Alberto Caeiro, entre otros. Cada uno con una hoja de vida, un carácter, un temperamento y un gusto completamente distinto.
[3] Es el director de Far From Heaven (Lejos del Cielo).

IN THE LAND OF WOMEN (Jonathan Kasdan /2007)

IN THE LAND OF WOMEN (Jonathan Kasdan /2007)
Dirección: Jonathan Kasdan.
Reparto: Adam Brody (Carter Webb), Meg Ryan (Sarah Hardwicke), Kristen Stewart (Lucy Hardwicke), Olympia Dukakis (Phyllis), Makenzie Vega (Paige Hardwicke), Dustin Milligan (Eric Watts), Clark Gregg (Nelson Hardwicke), Elena Anaya (Sofía Buñuel), Jobeth Williams (Agnes Webb), Ginnifer Goodwin (Janey).Producción: Steve Golin y David Kanter.
Guión: Jonathan Kasdan.
Productores: Steve Golin y David Kanter.Fotografía: Paul Cameron.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Trish Keating.

Sinopsis

Carter Webb (Adam Brody) es un joven escritor que acaba de ser dejado por su novia y tiene problemas con su trabajo. Por lo cual decide visitar a su abuela, quien vive en una pequeña comunidad urbana de Michigan.

Sobe el film

In the land of women, es un film intimista que intenta reflejar la constante transición que implica nuestras vidas. Tal vez exagere con la confrontación entre la juventud y la presencia de la muerte, así como con la moraleja de que pese a todo no hay como estar vivo. Pero recrea muy bien la necesidad de colocar barreras entre nosotros y el mundo que nos rodea. Es más sencillo dar la espalda que afrontar, o tal vez la única forma de afrontar algo sea primero huir para comprender de que se está huyendo en realidad.

Los aciertos del film creemos que residen en la simplicidad y sinceridad de la historia, así como en la necesidad del director, por intentar de acercarnos a la fascinación que siente por las mujeres y su mundo. Tal vez no parezca ser mucho, pero en un Hollywood carente de historias, es decir ya algo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Atonement (Joe Wright/2007)

Atonement (Joe Wright/2007)
Dirección: Joe Wright.
Reparto: Keira Knightley (Cecilia Tallis), James McAvoy (Robbie Turner), Saoirse Ronan (Briony Tallis con 13 años), Romola Garai (Briony Tallis con 18 años), Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana), Brenda Blethyn (Grace Turner), Juno Temple (Lola), Patrick Kennedy (Leon Tallis), Benedict Cumberbatch (Paul Marshall).
Guión: Christopher Hampton; basado en la novela Atonement de Ian McEwan.Productores: Tim Bevan, Eric Fellner y Paul Webster.Fotografía: Seamus McGarvey.
Editor: Paul Tothill.
Vestuario: Jacqueline Durran.

Sobre el film
Es muy poco lo que podemos decir de este film sin revelar algo de la historia, pero lo que si podemos decir (buscando ciertamente incentivar las expectativas del espectador) es que sin lugar a duda este film atrapa por su ritmo, la manera en que se nos introduce en la historia impide que perdamos o apartemos la atención de ella. La fotografía es de un cuidado y de una maestría realmente valiosa, desde el primer cuadro se nos hace presente que los colores y la luz serán una presencia constante durante la película. Más que meros elementos de estimulo, encierran en ellos mismos, símbolos que complementan el film. Así que solo nos queda añadir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

4 Meses, 3 Semanas y 2 días (Cristian Mungiu /2007)

4 Meses, 3 Semanas y 2 días (Cristian Mungiu /2007)

Dirección: Cristian Mungiu.
Reparto: : Anamaria Marinca (Otilia), Laura Vasiliu (Găbiţa), Vlad Ivanov (Sr. Bebe), Alexandru Potocean (Adi), Luminiţa Gheorghiu, Adi Carauleanu (Radu), Liliana Mocanu, Tania Popa, Teo Corban, Cerasela Iosifescu, Doru Ana.
Guión: Cristian Mungiu.Productores: Oleg Mutu y Cristian Mungiu.
Fotografía: Oleg Mutu.
Editor: Dana Bunescu.
Vestuario: Dana Istrate.

Sinopsis

Son los últimos años del comunismo en Rumania, la escases es grande así como la represión que sufren sus ciudadanos. En un mundo en que todo se negocia en el mercado negro, dos amigas intentarán todo, para resolver el problema que aqueja a una de ellas.

Sobre el film

4 meses, 3 semanas y 2 días, ganadora del la palma de oro en el último festival de cine de Cannes, es un film en apariencia sencillo, que inicia de manera confusa, pero con el fin de introducirnos a ese caos que era los últimos años del comunismo en Rumania. La necesidad, la escases sea hacen latentes en cada cuadro del film, así como la habilidad de las personas para sobrevivir y agenciarse lo que necesitan.

Este es el caso de Otilia y Găbiţa (ambas son migrantes de provincia y provienen de familias humildes), amigas y compañeras de cuarto en un politécnico, que dentro de la adversidad que sufre una de ellas, deberán afrontarlas juntas. Otilia y Găbiţa, se encuentran rodeadas de gente, pero solo se tienen una a la otra, no existe nadie más que acuda a ayudarlas, y es en esa desesperanza en que nos sumerge el film, esa es la habilidad del director Cristian Mungiu, para colocarnos de lleno en la desesperación de estas dos mujeres, que de algún modo son una. Dos rostros de una misma desesperanza. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

El Detective (Oxide Pang Chun/2007)

El Detective (Oxide Pang Chun/2007)
Dirección: Oxide Pang Chun.
Reparto: Aaron Kwok (Tam), Kai Chi Liu (Chak), Fui-On Shing (Lung), Tak-bun Wok (Hung), Yiu-Cheung Lai (Wing), Siu-Ming Lau(Tío cheung), Natthasinee Pinyopiyavid (Sum).
Guión: Oxide Pang Chun, Thomas Pang.
Música: Jadet Chawang, Payont Permsith.
Productores: Oxide Pang, Danny Pang..
Fotografía: Decha Srimantra.
Editor:

Sinopsis
Tam (Aaron Kwok) es un torpe detective que se obsesiona con resolver un caso. Y al hacerlo encontrara más de lo que podía imaginar.

Los Hermanos Pang
Los gemelos Pang (Danny[1] and Oxide) más conocidos por sus films de terror (caso de The Eye, y sus secuelas[2]) también han realizado proyectos realizados con el género criminal (historias de mafias y corrupción). Este es el caso de El Detective, que es un proyecto en solitario de Oxide.

Sobre El Detective
Historia contada en buen ritmo y en clave de film noir, que recoge trama de otros géneros (terror, comedia, acción, etc), lo que por momentos la hace interesante, pero que finalmente la vuelve muy confusa. Lo que no implica que no sea una buena opción para ver un film que si bien juega mucho con los efectos de edición para crear suspenso, hay que reconocerle que intenta mostrar algo diferente en todo momento.
Lo que no se puede negar es que el film entretiene y sirve como muestra de que se esta haciendo en tema de imagen, edición y manejo de personajes, en el cine de corte más comercial asiático.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Fue el editor de la trilogía Internal Affairs, film del cual hizo un remake Scorsese (Los infiltrados).
[2] Hay que decir que The Eye pronto tendrá el estreno de su remake hecho en Hollywood. Así como otros proyectos suyos (caso de Bangkok Dangerous).

The Great Debaters (Denzel Washington/2007)

The Great Debaters (Denzel Washington/2007)
Dirección: Denzel Washington.
Reparto: Denzel Washington (Melvin B. Tolson), Forest Whitaker (Dr. James Farmer, Sr.), Kimberly Elise (Pearl Farmer), Jurnee Smollett (Samantha Booke), Gina Ravera (Ruth Tolson), Denzel Whitaker (James Farmer, Jr.), Nate Parker (Henry Lowe).
Guión: Suzan Lori Parks, Robert Eisele.Productores: Oprah Winfrey, Denzel Washington, Joe Roth.Fotografía: Philippe Rousselot
Editor: Hughes Winborne.
Vestuario: Sharen Davis.

Sinopsis

Es la década del treinta en Estados unidos, la depresión arrecia y la discriminación en el sur es cosa de todos los días. Un grupo de estudiantes de una universidad Afroamericana, a través de su grupo de debate, intentaran no solo debatir con aquellos que están ya de acuerdo con ellos, sino de convencer a los que aún no lo están.

Sobre el film

Esta es la segunda oportunidad que Denzel Washington, dirige un film (la primera vez fue el Biopic Antwone Fisher) y nuevamente intenta que la mirada se centre en el historia, más que en su presencia como realizador.

The Great Debaters, si bien está basada en hechos reales, trabaja y mucho con la ficción para colocar la mirada sobre temas que el propio estados unidos evita hablar en su vida diaria, tales como la desobediencia civil, la libertad de expresión y de pensamiento. Así como la necesidad del desarrollo de una cultura de la diferencia, lo que impliqua una sociedad mucho más inclusiva.
Si bien se puede acusar al film de empalagoso y moralista, sin duda ayuda a recordar y a no olvidar lo importante que se ha ganado en lo que respecta a derechos humanos y lo mucho qué falta por hacer.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

VITUS (Fredi M. Murer /2006)

VITUS (Fredi M. Murer /2006)
Dirección: Fredi M. Murer
Reparto: : Fabrizio Borsani (Vitus, 6 años), Teo Gheorghiu (Vitus, 12 años), Julika Jenkins (Madre), Urs Jucker (Padre), Bruno Ganz (Abuelo), Eleni Haupt (Luisa), Kristina Lykowa (Isabel, 12 años), Tamara Scarpellini (Isabel, 19 años), Daniel Rohr, Norbert Schwientek (Sr. Hoffmann), Heidy Forster (Gina Fois), Daniel Fueter (Director).
Guión: Peter Luisi, Fredi M. Murer y Lukas B. Suter.
Productores: Christian Davi, Christof Neracher y Fredi M. Murer.Música: Mario Beretta.Fotografía: Pio Corradi.
Editor: Myriam Flury.
Vestuario: Sabine Murer.

Sinopsis

Vitus es un niño prodigio. Con un gran don para la música, pero eso que para todos es un don, para él se convertirá en una carga difícil de llevar.

Sobre Vitus

Sin duda Vitus se encuentra en esa larga lista de films que intentan ver lo mejor de la vida. Con una moraleja al final y una sonrisa al ver que todos los sueños son posibles. Pero que es el cine sino un gran oportunidad de soñar, de convencerse por un par de horas que las cosas pueden ser diferentes.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Eastern Promises (David Cronenberg/2007)

Eastern Promises (David Cronenberg/2007)
Dirección: David Cronenberg.
Reparto: Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semyon), Sinéad Cusack (Helen), Jerzy Skolimowski (Stepan).Guión: Steve Knight.
Música: Howard Shore.
Productores: Paul Webster y Robert Lantos.
Fotografía: Peter Suschitzky.
Editor: Ronald Sanders.
Vestuario: Denise Cronenberg.

Sinopsis

Ana (Naomi Watts) es una obstetra que intenta descubrir a través del diario de una paciente muerta algún dato que la lleve a descubrir a la familia de esta. El diario la llevara a conocer más de lo que esperaba.

El rostro del mal

Cronenberg quien se cuestiona usualmente por la violencia y su sentido, nos trae en esta ocasión una historia que cuestiona el sentido de demarcar la línea que separa el bien y el mal. En clave de film noir, nos presenta ese otro mundo, ese que existe en paralelo al que todos observamos. El de comunidades estamentales, patriarcales, en que el orden y lo correcto se encuentra muy bien delimitado. Lo que para otros es una acción irracional o inhumana, leída desde los códigos de otros, es lo más común o lo necesario por hacer.

Con actuaciones muy cuidadas, como las de Vigo Mortensen (que hacer acordar en algo a la de Ed Harris en Una Historia de Violencia) y de Mueller-Stahl, el film nos va introduciendo de a pocos a un orden distinto, en el que nos es evidente que el mal está presente, pero sin duda Cronenberg, hace que este sea atrayente e incluso imponente.

Además parece disfrutar haciéndonos ver que la maldad no reside en el monstruo, en la bestia irracional, sino que está en el hombre más común, de rostro más amble y de modales más delicados. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Cashback (Sean Ellis/2006)

Cashback (Sean Ellis/2006)
Dirección: Sean Ellis.
Reparto: Sean Biggerstaff (Ben Willis), Emilia Fox (Sharon), Shaun Evans (Sean), Michelle Ryan (Suzy), Stuart Goodwin (Jenkins), Michael Dixon (Barry), Michael Lambourne (Matt), Marc Pickering (Brian), Nick Hancock (Rory).
Guión: Sean Ellis.
Música: Guy Farley.
Productores: Lene Bausager y Sean Ellis.
Fotografía: Angus Hudson.
Editor: Scott Thomas y Carlos Domeque.
Vestuario: Victoria Russell.

Sinopsis

Ben está culminando su carrera de Arte, y acaba de terminar una relación amorosa que le ha provocado un insomnio severo, razón que lo lleva a buscar aprovechar las horas que le sobran trabajando en el horario nocturno de un supermercado.

Sobre Cashback

El director Sean Ellis, presento en el 2004 un corto titulado Cashback[1], el cual gano diferentes premios, entre ellos el del festival de Tribeca en New York. Impulsado por la buena acogida de su film, se decidió a alargarlo, y utilizar cada cuadro de su corto e incluirlos en su nuevo proyecto, así nace Cashback la película.

Atrapado por la luz

Ellis utiliza una fotografía cuidada, a través de la iluminación que brinda un espacio como el de un supermercado. Mezcla música de clásica, con una edición que podría denominarse efectista, pero que sin duda logra lo que intenta, que disfrutemos de la mezcla. Y que mejor espacio para descubrir la belleza que en el de la cotidianidad, en una época que se cuestiona (creemos que demasiado) los limites de aquello que es arte o no, aquello que es bello o no. Es refrescante poder regresar a una mirada estética, entendida esta en su sentido griego de "aisthesis", esto es, percepción del mundo a partir de los sentidos, y la relación que esta tiene con la creación, con la poíesis. Percepción y creación van de la mano, lo que connota en nosotros, lo que deja huella, será lo que busquemos expresar, comunicar.

La Belleza, el tiempo y un cuerpo de mujer

La belleza ha sido un tópico sobre el que se ha escrito, se ha dicho y se ha hecho mucho. Y, sin duda, dentro de ese tópico el cuerpo de mujer ha tenido un rol singular. En el caso de Ben (Sean Biggerstaff), es lo que lo llevara a encontrar en él aquello que lo deja absorto, aquello que le permite comunicarse con los otros.

Pues Ben, tiene una obsesión con contemplar (para ser más específicos, detener el tiempo en la mente, abstraerse del mundo por completo) no solo naturaleza muerta, sino por imaginar a las mujeres desnudas, y recorrer sus formas a través de su imaginación. Si bien pareciera ser que se cuenta la historia de un pervertido, en el caso de Ben podríamos decir que no es el caso, el solo intenta confrontarse a la belleza que tiene en su delante, tratar de sacar lo más que pueda de la experiencia que lo deja abstraído del mundo[2]. Belleza que le da sosiego y calma, pero que a la vez lo obsesiona y atrapa. Y es que Ben más que parecerse a Casanova o Henry Miller, que ven en cada mujer a la anterior y a la siguiente, cada mujer es el esbozo, el borrador de la mujer que busca, que desea encontrar, pero hará falta de paciencia y calma el poder encontrarla. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Les adjunto la dirección para que vean el corto http://www.youtube.com/watch?v=xTG7u1R6cUQ.
[2] Experiencia que finalmente es la que lo vuelve a comunicar y conectar con el mundo.

Rescate al amanecer (Werner Herzog/2006)

Rescate al amanecer (Werner Herzog/2006)
Dirección: Werner Herzog.
Reparto: Christian Bale (Dieter Dengler), Steve Zahn (Duane), Marshall Bell (almirante), Jeremy Davies (Gene), Pat Healy (Norman), Toby Huss (Spook), Evan Jones (Lessard).
Guión: Werner Herzog.
Música: Klaus Badelt.
Productores: Steve Marlton, Elton Brand y Harry Knapp.
Fotografía: Peter Zeitlinger.
Editor: Joe Bini.
Vestuario: Annie Dunn.

Sinopsis

Dieter Dengler (Christian Bale) es un alemán nacionalizado norteamericano, que en su primer vuelo de combate cae derribado en la selva de Vietnam.

Seres posesos

Quien mejor que Herzog para confrontar al hombre y la selva[1], para relatarnos una historia de supervivencia en una situación extrema. Herzog que está acostumbrado a utilizar personajes reales (Aguirre, Fitzcarraldo, Da Silva) historias de posesos, de seres obsesionados con una idea, individuos monotemáticos como él mismo. Historias de hombres que parecieran estar en post de poder, fama o gloria, pero que finalmente lo que intentan realmente es colocarse a sí mismo en la situación más hostil, para saber de que están hechos.

Bale, da una estupenda actuación, interpretando a este soldado obsesionado con regresar a casa, con escapar de la selva y recobrar su vida. Pero obsesionado sobre todo por saber quién es y que es capaz de soportar.

Ya los Griegos hablaban de lo sorprendente (y porque no añadir ambiguo) de la condición humana, esa capacidad para dominar y transformar la naturaleza, pero al mismo tiempo encontrarse a merced de ella. Y es que Herzog pareciera decirnos que en ese mundo de la naturaleza se invierte el orden del mundo, lo racional se vuelve blando, vacio, pierde forma y contenido, solo la obsesión, la locura se amolda a la naturaleza, de modo que se uno busca adaptarse a ella o incluso intentar doblegarla, deberá ser un verdadero poseso. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Solo la naturaleza, lo salvaje, ofrece el marco en que se pueden concebir los personajes de Herzog.

3:10 TO YUMA (James Mangold/2007)

3:10 TO YUMA (James Mangold/2007)
Dirección: James Mangold
Reparto: Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy), Vinessa Shaw (Emma Nelson), Alan Tudyk (Doc Potter), Luce Rains (Weathers), Gretchen Mol (Alice Evans).
Guión: Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas; basado en un relato de Elmore Leonard.
Música: Marco Beltrami.
Productores: Cathy Konrad.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Editor: Michael McCusker.
Vestuario: Arianne Phillips.

Sinopsis

Dan Evans (Christian Bale) es un ranchero pobre que no encuentra otra manera de conseguir el dinero para pagar su hipoteca, que conduciendo al peligroso pistolero Ben Wade (Russell Crowe) a un tren que lo lleve a la ciudad de Yuma a ser juzgado.

De pistolas y Coboyadas

Mangold (quien dirigió el Biopic de Johnny Cash) nos trae en esta ocasión un Western que le hace honor al género. Y esto es algo sin duda difícil de afirmar. El Western (o coboyada como lo conocemos en nuestro medio), es un género de larga data en los estados unidos. Sus historias y personajes están ligadas al cine norteamericano. Por lo cual contar algo que siga, mantenga y recree el género es algo poco usual de ver. Tal vez el film de Mangold no logre hacer estas tres cosas, pero de seguro cumple dos de ellas, veamos.

El honor es un tema recurrente en estos films, incluso los malos en muchos casos, reconocen y aprecian este bien. Y esto tal vez se pueda deber (entre otras razones) a que donde se desarrollan los western son territorios en que domina la fuerza y la violencia, con lo cual virtudes como la lealtad y la decencia son más que raros y extraños.

Otra característica que fue desarrollando el western fue la de pasar de protagonistas totalmente claros y diáfanos, es decir, un dechado de virtudes, al héroe silente, que lleva en los hombros el peso de un recuerdo, de una culpa[1]. Sin duda en ese desarrollo tuvo que ver el cine de Kurosawa, particularmente en su cinta Yojimbo (1961).

Mencionamos ambos elementos, pues creemos que están presentes en el film de Mangold, lo que no impide que llene la pantalla de peleas, pistolas y balas. Y una virtud fundamental del film es que nos tenga pegados al asiento durante las casi dos horas que dura (toda coboyada que se respete deber hacerlo), más que eso no se puede pedir, sin duda un film que no hay que dejar de ver.


Juan Alberto Gonzales Hurtado.
[1] Incluso se habla del western existencialista. Con Sam Shepard como uno de sus representantes más importantes. Ver el comentario que hicimos hace unos meses sobre “Paris, Texas” de Wim Wenders. “Dead Man” de Jarmusch es otro claro ejemplo de este tipo de western. En años más recientes tenemos como ejemplo “Los tres entierros de Melquiades Estrada” dirigida por Tommy Lee Jones.

Dias de Gloria/Indigènes (Rachid Bouchareb /2006)

Dias de Gloria/Indigènes (Rachid Bouchareb /2006)
Dirección: Rachid Bouchareb
Reparto: Jamel Debbouze (Saïd), Samy Naceri (Yassir), Roschdy Zem (Messaoud), Sami Bouajila (Abdelkader), Bernard Blancan (Martinez), Mathieu Simonet (Leroux), Benoît Giros (capitán Durieux), Mélanie Laurent, Antoine Chappey (coronel), Assaad Bouab (Larbi).
Guión: Rachid Bouchareb y Olivier Lorelle
Productor: Jean BréhatFotografía: Patrick Blossier.
Música: Armand Amar y Cheb Khaled.
Edición: Yannick Kergoat

Sinopsis

Es 1943, y Francia sufre la ocupación alemana por más de dos años. De Gaulle en Africa logra captar fuerzas provenientes de las colonias africanas (Senegal, Marruecos, Argelia, por dan algunos nombres) prometiéndoles la libertad e independencia si se logra liberar a Francia de la invasión alemana. Una guerra, un país, 4 hombres, y sus historias.

Kierkeggard y algo de historia

Se cree que la historia se construye solo con los grandes sucesos y las repercusiones que estos dejan. Que los cambios se originan y se consuman en este ámbito. Pero esos grandes sucesos y acontecimientos, se gestan se originan en la vida de cada sujeto, de cada individuo que interacciona con otros.

Si ante el sistema filosófico de Hegel, Kierkeggard desarrollo lo que llamo migajas filosóficas, del mismo modo, la microhistoria recoge esas migajas de la mesa de la historia y posa su mirada sobre ellas. Nos permite ver desde el caso particular, desde una historia personal, la conexión con todo el proceso. Podemos apreciar los valores, creencias y constructos que se hallan en nuestra sociedad. Ver que se esconde tras cada historia, es empezar a ver de qué modo nuestra sociedad ha ido cambiando, en lo político, en lo social, en lo cultural y económico. La caída de los grandes metarrelatos que expliquen de manera completa y total los diversos hechos que han acontecido en una sociedad hace más alentador el revalorar el caso particular, y lo que este nos ofrece en relación a poder desarrollar una comprensión más general de los hechos.

Es decir empezamos a vernos a nosotros mismos, como quienes construimos la historia, desde ella (desde nuestra historia particular) se inicia el relato que después construirá la “historia”, la que recuerda aquello que se debe recordar, la llamada historia oficial, desde la que además se tiende a construir la identidad[1]. Pero desde estas cuatro vidas, desde la mirada de cada uno de estos soldados, se nos abre la llamada historia no oficial, la que se cree no tiene relación con el relato que cuenta la historia, que no tiene relación con la construcción de identidad que esta última desarrolla.

Los Días de Gloria han llegado

Como dijimos, somos conscientes de que construimos relatos, desde el espíritu crítico de la memoria, que es una actividad que busca cotejar los diversos relatos, las diferentes memorias, intentando construir no un único relato, sino ver a la historia como formada por todos esos relatos. De ahí que el recordar, es decir el traer el recuerdo de algo muchas veces es un ejercicio difícil y complejo. Pero ¿cómo se hace para recordar algo que uno nunca supo que ocurrió?.

Algo de esto hay en Indigènes (que era el termino con el que se referían los franceses a las tropa provenientes de sus colonias africanas), en la manera en que nos introduce al sacrificio y a la lucha de estos hombres que murieron por Francia, y que luego esta no supo reconocer, ni recordar. Por eso el título del film (puesto por las distribuidoras) a pesar que pareciera remitir a una de esas películas de Hollywood en que todo es proeza y sacrificio y el estandarte americano esta flameando en la mente de todos, podemos leerla como una ironía que apela a la segunda estrofa del himno de Francia, la famosa Marsellesa dice así: el día de gloria ha llegado[2].

Pero con esta afirmación no buscamos hablar del heroísmo, ni del sacrificio, por el contrario el film más que intentar ser aleccionador o reivindicativo[3], es simplemente el día a día de hombres que intentan luchar por su dignidad. Por ello, nos acerca a sus miedos, a sus luchas, a sentirse totalmente solos en una tierra que les es desconocida, en la que deben pelar en dos flancos, con sus enemigos en el campo de batalla, pero en la retaguardia con sus jefes y la discriminación. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.



[1] Al respecto podemos ver de Paul Ricoeur “La memoria, la historia, el olvido” (2004) y “Caminos del Reconocimeinto: Tres estudios” (2005).
[2] Todo el himno es la descripción de vejaciones sufridas por el pueblo. Lo irónico resulta que ese pueblo que lucho por la libertad, haya sido históricamente tan mezquino en lo que respecta a la libertad y dignidad de otros pueblos. Veamos las primeras líneas del himno.
Allons enfants de la Patrie, (Vamos hijos de la patriaLe jour de gloire est arrivé! El dia de gloria ha llegado.Contre nous de la tyrannie! Contra nosotros la tiraníaL'étendard sanglant est levé (bis) su estandarte ensangrentado ha levantado)
[3] Aunque habría que mencionar que al ser exhibida la película conmovió tanto a Chirac, que logro se activara una ley (aprobada en el 2002) que les devolvía a los combatientes de las colonias el derecho de recibir su pensión, la cual había sido congelada en 1959, debido al clima de independismo de muchas de las colonias francesas en África.

AMERICAN GANGSTER (Ridley Scott/2007)

AMERICAN GANGSTER (Ridley Scott/2007)
Dirección: Ridley Scott
Reparto: Denzel Washington, Russell Crowe, Carla Gugino, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, RZA, Ted Levine
Guión: Steven Zaillian
Productor: Brian GrazerFotografía: Harris Savides
Edición: Pietro Scalia

Sinopsis

Son los finales de los sesenta en los estados unidos, la inocencia y bienestar de los cincuenta están ya muy lejos, La idea de nuevo orden económico se impone, pero llega Fran Lucas a demostrar que en cosas relacionadas al poder no existen cosas nuevas.

Relatos de Fundación

American Gangster de Ridley Scott se encuentra en la tradición tan arraigada del cine norteamericano, de contar relatos iniciales, fundacionales. Historias sobre aquellos que siguieron y alimentaron el conocido sueño americano. Sueño que reza que cada hombre en base a su esfuerzo y sacrificio puede hacer efectiva su libertad. Pero estas historias llenas de orgullo y sacrificio no solo hablan de pequeños trabajadores que hacen realidad el sueño de la casa propia, o la reinvindicación del orgullo de su comunidad, las hay, de aquellos que no encontraron mejor manera de hacer un espacio y construir reconocimiento, a través de la fuerza y el dominio. Parece ser que si te aplastan y te acosan el único modo decente de devolverles el favor a tus agresores, es aplastándolos y acosándolos.

Valores Familiares

Frank Lucas (Denzel Washington) es un hombre de familia, es un hombre que ha sido educado con principios y valores claros. Para Lucas un hombre es aquel que se hace cargo tanto de él mismo como de los suyos. El va a llevar un paso más adelante todo lo que le enseñaron sobre respeto, integridad y moral.
Su contraparte el detective Richie Roberts (Russell Crowe), vive a su manera los mismos valores que Frank (honestidad e integridad). El busca como un solitario personaje de western, vivir a su manera dentro de un mundo que hace mucho, (si es que alguna vez lo hizo) dejo de valorar al hombre correcto.

Y es esta contraposición este juego de reflejos con el que juega Scott, mostrando descarnadamente, los valores y constructor culturales, en que se ha fundado una sociedad. Dos hombres convencidos que solo ellos pueden hacer las cosas distintas. Solo ellos pueden volver a imponer el orden, regresar al camino del cual su sociedad, alguna vez se alejo. A no perdersela

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

DAY NIGHT DAY NIGHT (Julia Loktev/2006)

DAY NIGHT DAY NIGHT (Julia Loktev/2006)
Dirección: Julia Loktev.
Reparto: Luisa Williams, Josh P. Weinstein, Gareth Saxe, Nyambi Nyambi, Frank Dattolo, AnneMarie Lawless, Tschi-Hun Kim, Richard Morant, Jennifer Camilo, Rosemary Apolinaris, Jennifer Restrepo, Julissa Pere.
Guión: Julia Loktev.
Productores: Julia Loktev, Melanie Judd y Jessica Levin.Fotografía: Benoît Debie.
Edición: Michael Taylor y Julia Loktev.

Sinopsis

Una joven, una misión. Dos días y dos noches para realizarla.

Bresson y la imagen como escritura

Decía Bresson que para él la imagen era la manera en que escribía, es decir, la imagen es el signo que registra y comunica contenido e idea. Para él, la imagen no es solo representación vacía de contenido, es el signo que connota y expresa como ningún otro. Bresson intentaba no verbalizar las emociones y pensamientos de sus personajes, era la posición de la cámara, la fotografía, la edición, la que nos acercaba al universo de afectos de sus personajes. Es el espectador quien finalmente se ve sometido a hacer el ejercicio de la comprensión, de buscar en él las experiencias y emociones necesarias para poder acercarse en algo a la historia que le esta siendo narrada. Es el espectador quien completa el círculo de la comprensión.

Y eso es lo que vemos en “Day Night Day Night”, un film que vamos construyendo conforme va avanzando. Con una protagonista que no sabemos de donde viene, y conocemos muy poco de hacía donde va. Son sus gestos, la postura de su cuerpo, sus acciones, sus silencios los que nos acercan y obligan a configurar el mundo que la rodea. Nos obliga a estar atento a cada acción a cada mirada, a cada suceso, a poder sobreponernos a la aparente apatía y cotidianidad, y esforzarnos por realmente empalizar con quien esta en la pantalla, y que esa apariencia de monotoniedad, encierra sentimientos difíciles de expresar.

Es como si la imagen nos mostrara algo que esta en ella, pero en primera instancia no pudiéramos apreciar. Podríamos decir que en el cine, como en la vida, lo importante finalmente no es lo que uno muestra sino lo que esconde (incluso de uno mismo). Como diría Bresson, “asegúrate de haber agotado todo lo que se comunica por medio de la inmovilidad y el silencio”.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.