Sino Piratas al menos Corsarios

A serious man/Un hombre serio (Joel y Ethan Coen/2009)

2010-05-04T11:47:00.002-05:00

A serious man/Un hombre serio (Joel y Ethan Coen/2009)
Dirección, guión y producción: Joel Coen y Ethan Coen.
Reparto: Michael Stuhlbarg (Larry Gopnik), Richard Kind (tío Arthur), Fred Melamed (Sy Ableman), Sari Lennick (Judith Gopnik), Adam Arkin (el abogado), Peter Breitmayer (Sr. Brandt), Jessica McManus (Sarah Gopnik), Aaron Wolff (Danny Gopnik).
Música: Carter Burwell
Fotografía: Roger Deakins
Editor: Roderick Jaynes

Sinopsis

Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg) es un profesor de física teórica en los años sesenta del siglo pasado, que radica en el Medio Oeste Norteamericano. Tiene una familia, que no lo toma muy en serio, además vive con él su hermano que sufre una seria depresión. Ante una serie de problemas intentara encontrar en su fe (el judaísmo) una certeza a la cual aferrarse.

Nada que contar

Esta nueva obra de los Cohen, nos propone una historia que es la consecución de un estilo ya constituido. Con esto sin duda no decimos nada más que una generalidad, pero nos parece que es un buen punto de inicio, pues lo que nos presenta “A serious man”, es una película que sin duda puede ser vista sin conocer la obra de los Cohen, pero si se ha estado en contacto con sus trabajos anteriores (Barton Fink, Fargo, The Big Lebowski), se puede apreciar un matiz muy particular para contar historias (el cual parte de la ironía matizada con humor negro y acido), donde el narrar se hace solo por el placer de hacerlo (¿y no siempre debería ser así?).

Incluso cuando el relato no tenga un desenlace en que se produzca una anagnórisis, es decir, una revelación, los Cohen saben contar una historia, no con moraleja, sino con la posibilidad de que el propio film se mantenga en nosotros como algo abierto, no en el sentido de final abierto, sino que sigamos luego de haberlo visto, reparando aún en muchas de sus imágenes y acciones. Un detalle a manera de ejemplo para retratar la ironía desplegada por los Cohen. Es genial ver como en la vida de Larry Gopnik (Michael Stuhlbarg), lo única certeza, se encuentre en la pizarra de su salón de clases y sea retratada paradójicamente por el principio de incertidumbre de Heisenberg.

Nos queda por decir, que hay que disfrutar del estilo de narración de los Cohen, que funciona como una suerte de proverbio antiguo (incluso cuando el proverbio parezca de lo más absurdo), que no tiene como fin que lo entendamos del todo, pero si busca el permitirnos preguntarnos con detenimiento acerca de nuestra existencia. Es un film que uno no debe dejar de ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Un prophète/El Profeta (Jaques Audiard/2009)

2010-05-04T11:10:00.005-05:00

Un prophète/El Profeta (Jaques Audiard/2009)
Dirección: Jaques Audiard.
Reparto: Tahar Rahim (Malik), Niels Arestrup (César Luciani), Adel Bencherif (Ryad), Reda Kateb (Jordi), Hichem Yacoubi (Reyeb), Jean-Philippe Ricci (Vettori), Gilles Cohen, Antoine Basler, Leïla Bekhti, Pierre Leccia, Foued Nassah, Jean-Emmanuel Pagni.
Guión: Jacques Audiard y Thomas Bidegain.
Basado en un argumento de Abdel Raouf Dafri y Nicolas Peufaillit.
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Stéphane Fontaine.
Productor: Martine Cassinelli.
Editor: Juliette Welfling.

Sinopsis

Malik (Tahar Rahim) un joven de ascendencia árabe, acaba de cumplir la mayoría de edad, esto implica que deba pasar de la correccional en la que vive a una cárcel. En este nuevo espacio, intentara ganarse un espacio para seguir sobreviviendo.

Un prophète

De Jaques Audiard, conocíamos Sur mes lèvres (Lee mis labios, 2001) que estrenaron varios años más tarde en la cartelera local, y por el cable habíamos podido ver su penúltimo film De battre mon coeur s'est arrêté (De latir mi corazón se ha detenido), ganador en el 2005 del oso de plata en Berlin.

Audiard mantiene en Un prophète (ganadora por cierto en Cannes, al premio del jurado, de varios premios BAFTA y César, así como nominada al Oscar por mejor película extranjera), un estilo ágil (que se asienta sin duda en la música que escoge para acompañar sus imágenes), pero no por ello alejado de la pausa necesaria para asimilar la dureza de sus imágenes. Además, su interés permanece en los cambios culturales, económicos y sociales que vive Francia (discriminación, migración, crimen organizado, grupos separatistas, etc.), sin que por ello la historia se vea comprometida, ya que sabe crear una ficción que si bien se construye desde elementos que se suscriben a una sociedad en particular (como es el caso del conflicto por el independentismo de Córcega o el aumento de la población islámica en Francia), su historia podría trasladarse sin problema a cualquier lugar.

Una historia con tintes en apariencia particularista, se convierte en un relato que conmueve pues se hace presente la condición humana. Ahí creemos encontrar un gran acierto por parte del director, al lograr introducirnos en la ficción, sin intentar crear un cuadro naturalista de la sociedad o en un cine de propaganda.

Un prophète es un film acerca de sobrevivir, que se enlaza con el intento de construcción de una identidad, la cual termina siendo no solo la elaboración y posterior narración de un relato, sino un medio de encuentro con uno mismo, con esa lucha diaria que todos tenemos por descifrar quien es aquel que se presenta en el espejo. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Has Anybody Seen My Girl? (Douglas Sirk/1952)

2009-11-07T13:11:00.006-05:00

Has Anybody Seen My Girl? (Douglas Sirk/1952)

Dirección: Douglas Sirk
Reparto: Rock Hudson (Dan Stebbins), Piper Laurie (Millicent Blaisdell), Charles Coburn (John Smith/Samuel Fulton) Gigi Perreau (Roberta Blaisdell), Larry Gates (Charles Blaisdell), Lynn Bari (Harriet Blaisdell), William Reynolds (Howard Blaisdell)
Guión: Joseph Hoffman. Basado en el relato de Eleanor H. Porter.
Música: Hermman Stein
Fotografía: Clifford Stine
Productor: Ted Richmond
Editor: Russell F. Schoengarth

Sinopsis
Un anciano millonario ha decidido inmiscuirse en el futuro de la familia de la mujer que en su juventud amo.

Sirk en clave de musical

Los críticos de Douglas Sirk, asumen sencillamente que este film fue realizado decididamente a pedido y por cumplir su rol de director de planta de la Universal. Sin duda hay algo de verdad en esto, pero la manera en que Sirk asume el musical, es construyendo una critica demoledora de la sociedad norteamericana. Y es que en Sirk (no podía ser de otra forma), tanto color esconde sencillamente la ironía más grande.

El film se construye a partir de la clave de la comedia romántica clásica, hay que casar a una joven pareja, pero antes de ello, deberán pasar por una serie de peripecias, hasta llevar a un impasse o situación aporética que es resuelta por un Deus ex Machina. En la que no puede faltar un senex (anciano, a veces sabio), como vehiculo de resolución de conflictos o desde donde se originan estos.

El caso del senex (interpretado por Charles Coburn), construido por Sirk, es una suerte de identidad venida no solo de lejos, sino que juega a pasar por un igual. Además cumple el rol del que impide y a la vez permite el matrimonio de la joven pareja. Este senex, que como dijimos viene de afuera, cree, como los dioses en las tragedias griegas, que lo bueno para ellos, es lo bueno para los humanos. Así que cuando decide darles un “don” (cien mil dólares) a la familia Blaisdell que lo acoge en su casa, lo hace confiado que esta suma hará feliz a la familia. Lo cierto es que Sirk, como siglos atrás Eurípides, sabía que el “don”, no cambia a la persona que lo recibe, solo potencia lo que hay ya en ella. Creer que la familia buena y pobre, cambio solo por el dinero y que en ella se encierra la moraleja u enseñanza del film, es una ingenuidad. Sirk, ya nos había mostrado, que la única razón por la que la familia Blaisdell (en concreto la madre), aceptan como huésped al extraño venido de afuera (Charles Coburn), no es por cordialidad, sino por la promesa de recibir dinero a cambio del hospedaje.

Y esta avaricia retratada por Sirk, no es pesimismo o escepticismo ante lo humano, es sencillamente lo humano haciéndose presente. Se olvida lo humano, precisamente cuando se quiere ver solo la bondad tras las buenas costumbres. Sirk retrata a la sociedad norteamericana, no con el afán de burlarse de ella, sino que es ella, la sociedad la que esta ansiosa de verse en el espejo que le coloca Sirk.

En el caso de este film, el espejo se sitúa en los años veinte, antes del crack económico y en plena “ley seca”. Sirk elige como es usual un pequeño pueblo de Nueva York, que parece de postal, con la pérgola en el centro de la plaza central y la cruz en la punta de la iglesia. No es una urbe en la que los valores se han diluido, sino que en apariencia aún se conservan. Además se mira con cierta melancolía la década del veinte, como aquellos inocentes viejos tiempos.

Pero este pequeño pueblo, no ha sido inmune de los nuevos ritmos y costumbres que practican los jóvenes. Nos referimos al Ragtime[1], con sus particulares pasos de baile, el Foxtrot y el Charleston. Además se pasa el tiempo en la Drugstore, la cual se encuentra abastecida de una sección en que se expende helados y gaseosas. Y la que solo es tolerada afirma el dueño, por el dinero que produce. Esta afirmación en apariencia anodina, marca la pauta del film, lo aceptado en Norteamérica, no es necesariamente lo admitido por el ethos (es decir, las costumbres de la comunidad), sino por el dinero que hay alrededor. O mejor dicho, el ethos se construye y reconfigura decididamente en relación al dinero. Y eso se realza cuando la familia pobre, es admitida en sociedad, por la pequeña fortuna que ha heredado, y que el chisme se ha encargado de exagerar. Ellos importan en tanto hay dinero de por medio. Lo cual no es asumido solo por los ricos, sino por los propios “nuevos ricos”. Y que se excusan en la figura del sueño efimero hecho realidad, por la fortuna despilfarrada.

Este film, en apariencia alejado de los melodramas que lo harán famoso en Hollywood en años posteriores, inicia la simiente de lo que será el cine de Sirk en los cincuenta. Con films llenos de estrellas, con imágenes cuidadas y bellas. Con historias de final feliz, que hacían caer cientos de lagrimas y que regresaban a cientos de mujeres a casa tranquilas, sabiendo que siempre habrá un mañana. Pero que muestran a la vez una sociedad intentando ocultar tras un velo de color, las culpas por un pasado nada glorioso. Y no es que Sirk crea que la hipocresía sea exclusividad norteamericana, no. Sencillamente, es el lienzo en el que le toca retratar la condición humana. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Post Data
Como dato curioso, un joven James Dean aparece, en una pequeña escena del film, en lo que parece su primera aparición en el cine. El modo en que lo hace no podría ser de otra manera, a un lado de la barra del Drugstore, pidiendo ser atendido, con actitud despreocupada por las formas.

Ver: http://www.youtube.com/watch?v=QJVms-HEH6g&feature=PlayList&p=D599B599D78478CD&playnext=1&playnext_from=PL&index=19

Además es bueno resaltar que es con este film que inicia la relación director-actor, entre Douglas Sirk y Rock Hudson.

[1] La canción que da nombre al film se llama “Five Foot two, Eyes of Blue” creada por Ray Henderson (música), Sam Lewis y Joe Young (letra). La letra nos habla de un hombre que no conoce ya a su novia pues se ha vestido de Flapper. Algo similar pasa en el film de Sirk.

Frozen River (Courtney Hunt /2008)

2009-07-30T15:34:00.003-05:00

Frozen River (Courtney Hunt /2008)

Dirección: Courtney Hunt.
Reparto: Melissa Leo (Ray Eddy), Misty Upham (Lila), Charlie McDermott (T.J.), Mark Boone Junior (Jacques Bruno), Michael O'Keefe (Trooper Finnerty), Jay Klaitz (Guy Versailles), John Canoe (Bernie), Dylan Carusona (Jimmy), Michael Sky (Billy Three Rivers), Nancy Wu (Chen Li).
Guión: Courtney Hunt.
Productores: Heather Rae y Chip Hourihan.
Fotografía: Reed Morano.
Editor: Kate Williams.
Música: Peter Golub y Shahzad Ismaily.
Vestuario: Abby O'Sullivan.

Sinopsis
Es navidad al norte del estado de Nueva York, cerca de la frontera con Canadá. Ray Eddy (Melissa Leo) acaba de ser abandonada con sus dos hijos, de quince y de cinco años, por su esposo adicto a las apuestas. Intentando encontrarlo, conoce a Lila (Misty Upham), una joven Mohawk que la introduce en lo que ella denomina “el comercio entre naciones”.

Sobre el Film
En el 2008 Frozen River[1] recibió un gran número de críticas positivas, dada la manera sencilla en que es narrado el film. Esto sin duda a dos elementos, a la dirección y a las actuaciones de Melissa Leo[2] y Misty Upham[3]. Y es precisamente esa sencillez la que marca cada cuadro del film. Son dos mujeres en necesidad (provenientes de tradiciones distintas), ambas madres, y es esta situación la que las confronta y las une.

A ambas las mueve no la ambición sino el amor a su familia y el sentirse cansadas de ser engañadas. Relación que se enmarca en temas tan complejos como los son el trafico de personas, la discriminación (por género y raza) y la autonomía de lo pueblos indígenas en países como Estados unidos y Canadá[4].
De ahí que uno sepa reconocer el manejo de Hunt, sin forzar la historia nos coloca ante problemas que no son discutidos o vistos comúnmente. Las situaciones que van afrontando Ray y Lila reflejan el abandono y el desinterés que sufren buena parte de la población en estos lugares, son rostros no vistos tanto de sociedades desarrolladas, como de pueblos indígenas. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] En los premios Sundance, gano el gran premio del jurado y estuvo nominada a los Oscars por mejor actriz (Melissa Leo) y por mejor guión (Courtney Hunt).
[2] Quien tiene una carrera de más de veinte años, en la que por lo general asume papeles de figurante o actriz de reparto. Y a quien conocemos por su participación como actriz de reparto en films como Los tres entierros de Melquíades Estrada, o por su participación en series como La ley y el Orden, Cold Case y The L Word.
[3] Ambas ya habían trabajado con Hunt en el 2004 realizando un cortometraje sobre el mismo film. El cual fue presentado y premiado en el festival de Nueva York de ese año.
[4] Temas que la directora ha sabido insertar en su guión debido a su formación de abogada especializada en temas de derechos civiles y en derecho constitucional.

Good (Vicente Amorin/2008)

2009-06-13T17:58:00.003-05:00

Good (Vicente Amorin/2008)

Dirección: Vicente Amorim.
Reparto: Viggo Mortensen (John Halder), Jason Isaacs (Maurice), Jodie Whittaker (Anne), Mark Strong (Bouhler), Steven Mackintosh (Freddie), Gemma Jones (madre de Halder), Anastasia Hille (Helen), Ruth Gemmell (Elisabeth), David de Keyser (Mandelstam).
Guión: John Wrathall; basado en la obra de C.P. Taylor.
Productor Miriam Segal, Sarah Boote, Kevin Loader, Dan Lupovitz y Billy Dietrich. Fotografía: Andrew Duna.
Edición: John Wilson.
Vestuario: Györgyi Szakács

Sinopsis
John Halder es profesor de literatura a inicios del treinta del siglo pasado en Alemania y ha escrito una novela sobre la posibilidad de otorgarle una muerte digna a quienes amamos. La novela le abrirá posibilidades de ascenso no previstas en una Alemania que esta empezando a abrazar el nazismo.

Sobre el film
Este film de Amorin se encuentra basado en la obra de teatro del mismo nombre de C.P. Taylor. Y muy bien adaptado por John Wrathall a las posibilidades del lenguaje cinematográfico. Hacemos mención de esto pues hay que tener presente que la versión de Taylor se centraba en la psique de su protagonista y se servia de muchos elementos teatrales para hacernos conscientes de el tour de force que implica vivir en una Alemania tan incierta como la del nazismo. En el caso del film, Amorin procura centrarse también en el personaje. Y sin duda la genial actuación de Mortensen hace posible esto, ya que nos acerca a la angustia, al deseo, a la ambición y al miedo del buen John Halder. Quien en momentos de tensión extrema escucha Mahler intentando escapar de la realidad que lo agobia. Más allá del tema del nazismo y sus terribles consecuencias, el film trata del peligro de olvidar deliberar y solo actuar ocultándonos tras la creencia que hacemos el bien. Lo cual nos da la posibilidad de vernos reflejados en el espejo en que se convierte Halder. Es descubrir no al monstruo sádico y perverso, sino a aquel que se esconde en la sencilla respuesta que daba Eichmann: me comportaba simplemente, como todo buen alemán de la época haría . Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Departures/Okuribito (Takita, Yojiro/2008)

2009-06-13T17:55:00.003-05:00

Departures/Okuribito (Takita, Yojiro/2008)

Dirección: Yojiro Takita.
Reparto: Masahiro Motoki (Daigo Kobayashi), Ryoko Hirosue, Tsutomu Yamazaki, Tetta Sugimoto, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Kazuko Yoshiyuki.
Guión: Kundo Koyama. Inspirado en la novela autobiografica de Shinmon, Aoki, Coffinman: The Journal of a Buddhist Mortician.
Productor: Toshiaki Nakazawa. Fotografía: Takeshi Hamada.
Edición: Akimasa Kawashima.
Vestuario: Katsuhiko Kitamura.

Sinopsis
Daigo toca el violonchelo desde niño a pedido de su padre y se desempeña en una orquesta sinfónica en Tokio. Es lo que ha hecho durante toda su vida, pero un giro del destino lo hará regresar junto a su esposa a Yamagata, su pueblo natal en donde encontrará la dicha en un empleo poco habitual.

Sobre el film
La muerte en muchas culturas es una experiencia que nos embarga por su extrañeza. Si bien es una situación inexorable por nuestra condición de seres finitos, lo cierto es que la rechazamos y huimos de ella. Departures/Okuribito (ganadora en los premios Óscar de este año como mejor película extranjera) nos muestra la posibilidad de encontrar a través de un rito la posibilidad de conciliar la pérdida y poder dejar partir al ser amado. Ese rito es el del nōkan (納棺), práctica perteneciente al budismo, el cual consiste en realizar la purificación y preparación de un cuerpo para que este sea incinerado. En este rito el cuerpo es tratado con suma delicadeza para crear una última imagen bella ante sus seres queridos. Es así que el nōkan nos permite encontrar la estética de la vida en nada menos que un cadáver. Daigo se inicia en este negocio de manera casual, pero descubre en él, la delicadeza y cuidado que todo arte y todo rito tiene en el Japón. Es decir, una acción no se reduce a conseguir un propósito determinado, es el modo en que se realiza lo que distingue a un arte. Además encuentra en la muerte, la intensidad que había perdido en relación a la vida. Finalmente, Daigo al iniciarse en este rito descubre (parafraseando a Kierkegaard) que para comprender nuestra vida se requiere mirar hacia nuestro pasado, lo cual nos permitirá poder vivir mirando hacía delante. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

In Bruges (Martin McDonagh /2008)

2009-03-25T16:55:00.006-05:00

In Bruges (Martin McDonagh /2008)

Dirección: Martin McDonagh.
Reparto: Colin Farrell (Ray), Brendan Gleeson (Ken), Ralph Fiennes (Harry), Clémence Poésy (Chloë), Jérémie Rénier (Eirik), Thekla Reuten (Marie), Jordan Prentice (Jimmy).
Guión: Martin McDonagh.
Productores: Graham Broadbent y Pete Czernin .
Fotografía: Eigil Bryld.
Editor: Jon Gregory.
Música: Carter Burwell.
Vestuario: Jany Temime.

Sinopsis
Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson) son un par de asesinos de Londres que luego de un trabajo han sido mandados a la ciudad Belga de Brujas, por su jefe Harry (Ralph Fiennes) a esconderse y a esperar órdenes. Lo que parece ser unas vacaciones forzadas en una pequeña y placida villa medieval, se irán convirtiendo de a pocos en la oportunidad para estos dos sicarios de ir pensando que tan conformes se encuentran con sus vidas.

Sobre Martin McDonagh
In Bruges[1] es la opera prima de Martin McDonagh[2], a quien en Lima conocemos por dos de sus obras de teatro, nos referimos a “El hombre almohada” y “El teniente de Inishmore”. Ambas obras se distinguen por su uso de la crueldad como un elemento desde el cual desarrollar la trama. Por ello, algunos críticos han desestimado la calidad de sus obras acusándolas de efectistas, ya que, se vale de la exageración y el ridículo para impresionar. Por otra parte, los que defiende este uso de la violencia, sustentan que su presencia extrema muestra lo absurdo de esta. Creemos que en el caso de McDonagh, la violencia no solo sirve para impactar al espectador, sino que es desde ella, que se busca iniciar la reflexión, pero no en el sentido de mostrarnos lo ridículo de la violencia, sino en que reparemos sobre la presencia que esta tiene en nuestras vidas y que frecuentemente intentamos no ver.

Sobre el Film
Desde la tragedia griega, la violencia, y su impacto en nuestros sentidos más primarios, ha sido un elemento desde el cual se parte cualquier proceso de cavilación sobre la condición humana. El hombre en la Grecia antigua y el hombre de nuestro tiempo, intentan con el mismo fervor alejar el conflicto de su vida, y ambos solo logran acercarse con mayor velocidad a él.
La espera en Brujas, coloca a Ray (Colin Farrell) y Ken (Brendan Gleeson) en una situación muy particular, la de empezar a pensar en su vida. Esto los lleva a creer que su vida debe ser dirigida por algún propósito. De ahí que la trama de “In Bruges”, nos presente la crisis que atraviesan un grupo de personajes que a pesar de vivir al margen de la ley, se aferran a la práctica de ciertos códigos de conducta.
Los personajes de McDonagh nos muestran sus neurosis, exacerbando el valor del honor en un intento por encontrar sentido a la vida. Principios o códigos que se constituyen desde un ámbito muy particular, el yo. Exigen además, algo que parece, nadie en nuestra sociedad de consumo está dispuesto o en capacidad de ofrecerles, un reconocimiento fuera de la relación de costo beneficio. Qué duda cabe que vivimos en una sociedad que se encuentra alejada de los códigos tradicionales de honor y virtud. Por el contrario somos una sociedad que parece responder únicamente al pragmatismo, así como a concebir el éxito exclusivamente a partir de los resultados. Sociedad en la que todo es una mercancía o está en capacidad de serlo. De ahí que el drama pareciera residir en que nadie parece entender ni interesarle, el valor que alguien le puede dar en la actualidad a estos valores de antaño.
En realidad creemos que el sinsentido se produce al intentar encontrar una razón a la existencia. En ese ridículo que implica ir detrás de un simple Cliché[3] se encierra la tragedia humana para McDonagh. Como decíamos, esa melancolía por vivir bajo ciertos códigos de honor, se hace tan absurda para los otros, que es vista sencillamente como locura.

Algunas notas de Nietzsche
Por otro lado, nuestra época sufre de una apatía constante, ya que añora melancólicamente la supuesta pérdida de la versión original, una suerte de saudade (tristeza por ausencia) por lo real. Vivimos pensando que solo nos quedan las copias, y que por ello cuando nos enfrentamos a lo que está (supuestamente) a la base de todas las representaciones, no tenemos ya la capacidad de poner en valor a lo real. Esta neurosis ya la describía bien hace más de un siglo Nietzsche al hablarnos del Nihilismo. Esa enfermedad por vivir añorando un tiempo en que la verdad, la realidad en sí existía. Nietzsche contrapone al nihilismo la voluntad de poder que implica ver la vida a partir del transcurrir del tiempo. Es dejar de evadir el conflicto de nuestras vidas y abrazar el dolor de la existencia. La vida no tiene ningún sentido, y ello no debe producir en nosotros ninguna sensación de angustia o de ansiedad. Mencionamos esto pues los personajes de McDonagh en este film, buscan evadir la apatía y desapego por la vida, intentando de cualquier forma sentir algo. Y nos muestran la duro que se nos hace asumir el rol que juega el absurdo en nuestra existencia. De ahí que podamos decir que es un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Llamo la atención de la prensa por sus múltiples nominaciones a los BAFTA, a los Globos de Oro y a los Oscars, entre otros premios.
[2] Aunque hay que indicar que tiene ya un cortometraje premiado (gano un Oscar) en su haber, nos referimos a Six Shooters (2004). El cual mantiene el uso del humor negro que ya es característico en su obra.
[3] La razón de escoger una ciudad (como nos lo recuerdan constantemente los personajes en el film) como Brujas, que aunque real, pareciera salida de un parque temático, se engarza totalmente con este otro ámbito en que se manejan los personajes del film.

The Visitor (Thomas MaCarthy/2007)

2009-03-25T16:28:00.003-05:00

The Visitor (Thomas MaCarthy/2007)
Dirección: Thomas MaCarthy.
Reparto: Richard Jenkins (Walter Vale), Tarek Khalil (Haaz Sleiman), Danai Jekesai Gurira (Zainab), Hiam Abbass (Mouna Khalil), Marian Seldes (Barbara).
Guión: Thomas MaCarthy.
Productores: Omar Amanat, Michael London, Mary Jane Skalsky.
Fotografía: Oliver Bokelberg.
Editor: Tom McArdle.
Música: Jan A.P. Kaczmarek.
Vestuario: Melissa Toth.

Sobre el director y su obra
Thomas MaCarthy[1], tiene únicamente dos films[2], pero su manera íntima de dirigir, da la apariencia de un director de oficio y curtido, que se encuentra alejado por la experiencia, de manierismos y trucos, ya que posee un estilo sutil de acercarnos a sus personajes. Hace un par de años tuvimos en el cable la oportunidad de ver su comentada opera prima The Station Agent[3], la cual nos cuenta el encuentro de tres personajes totalmente disimiles entre sí. El protagonista es Finbar McBride (Peter Dinklage) quien sufre de enanismo y ha trabajado toda su vida en una tienda especializada de trenes a modelo. En ese espacio siempre se ha sentido seguro, ya que logra evitar la mirada curiosa e incómoda ante su condición. Pero luego de la muerte de su amigo y dueño de la tienda, se muda a la New Jersey rural a vivir a una pequeña y abandonada estación de trenes. En el pequeño poblado, Finbar espera poder pasar desapercibido. Pero conoce, a pesar de su intento de alejarse de todos (pues se considera un solitario), a Joe Oramas (Bobby Cannavale). Quien reemplaza a su padre en su local ambulante de hot dogs, que se encuentra en las inmediaciones del lugar en que vive Finbar. Joe se convierte en la contraparte de Finbar, si este es melancólico, metódico y pesimista, Joe es todo lo contrario. A ellos se suma Olivia Harris (una genial Patricia Clarkson) una artista plástica que no logra superar una tragedia que cambio su vida. Las relaciones entre estos personajes, nos muestra la posibilidad de vivir la soledad de a tres.

Acerca del Film
Si un elemento, comparten los films de MaCarthy, es colocar a sus protagonistas fuera de sus zonas seguras. Esto lo hace a través del duelo. La muerte se abre como una zona liminal, de transito, desde la cual curiosamente y aunque suene idílico, nace una nueva vida. Si en el caso de Finbar la muerte de su mejor amigo, lo lleva a mudarse y termina conociendo a nuevas personas que ingresan a su vida, en The Visitor, el viejo profesor de economía Walter Vale (interpretado por un genial Richard Jenkins[4], quien tiene en sus contrapartes actores que le brindan en todo momento las posibilidades para construir una gran actuación), se encuentra en duelo permanente por la muerte de su esposa. Y será ese duelo el que lo lleve a empezar a reencontrarse. A saber que no hay edad para aprender a acoger como tus iguales a personas que no te son cercanas, por raza, cultura o profesión. Que son tus iguales por que aman igual que tu, vivir.
De ahí que podamos decir que, The visitor es una historia construida en la confianza del director en la capacidad de sus actores. Son ellos los que nos hacen creer en la trama, son ellos los que le dan piel y carne al film. Finalmente nos queda por decir que es una historia sobre la otredad como medio de alcanzar encontrar nuestra propia identidad. Es ver este viaje de encuentro de uno mismo, a través de unos otros que me son (en apariencia) totalmente diferentes a quien yo imagino o supongo ser. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Ganador por “The visitor” del Independent Spirit Awards.
[2] Los cuales ha dirigido y escrito. Su carrera se ha construido principalmente como actor de reparto en diferentes films, pero sobretodo en diversas series de televisión, entre ellas The Wire, Law & Order, Boston Public, entre otras.
[3] Entre los variados premios que gano, se encuentra un BAFTA ha mejor guión.
[4] El cual fue nominado en la categoría de mejor actor en el Oscar de este año, y que gano por este film premios en ese rubro en festivales internacionales como el de Moscú y el de Brisbane en Australia.

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)

2009-02-01T18:26:00.008-05:00

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)

Dirección: Sydney Pollack.

Productor: Ultan Guilfoyle.

Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.

Editor: Karen Schmerr.

Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.

Synopsis

The famous director Sidney Pollack, takes us to discover, from the sketches written by the architect Frank Gehry[1], not just to the genesis of his art work, but introduces us in the creative process of one of the most interesing and influencial men of our times.

About the Film

In the ancient Greece, architects and their purpuse were conceived as the articulator of human efforts. He was a man of τέχνη (techné), the one who had enough knowledge to conceive a concept (design it) and produce an object(construct it). The concept of τέχνη (from where the tecnique comes from), as time passed by, was just seen through is production consideration, loosing somehow, its creative aspect and conception.
Along the film, Gehry’s image let us find within him, the man with τέχνη, the processes from which his pieces had been taking shape and the elements that had let him foreseen desings that challenge the principles of construction and edification and the capacity to make them true. Gehry’s work is con conceptual, he designs to make his sketches become structures that transform the space that lodges them.
Lets take under consideration the relationship between Arquitecture have always had with power. Design had been a commodity that only a very reduced group had enjoyed, due the expensive costs that require to develop a project an make it come true.
Last century, with the masification of almost everything, arts included, shows us the presence of Design in our lives. That’s why it becomes so interesting to know and learn about the work of an avante- garde artist in the fileld of design, because architecture reflections are about spaces in which our lives develop and happen, call it home, office, entertainment, religious practices, etc.
Frank Gehry’s work invite us to think and consider arquitecture as a profesión, considering the profesional who works it. Gehry shows us the possibility of watching the architect not as a simple producer, but as an artist, as a man with the power and capacity to take us to an absolut aesthetic experience, in which man really considers, stares and gets in touch with the space sorrounding him. He achieves it due to the managing forms, objects, and of course, the way he forseens how light will interact with his work.
To have the opportunity to watch a documental on Gehry’s work, is the best way to get close to this art that implys watching in an empty space a design that adequates to it.

JUAN ALBERTO GONZALES HURTADO.

Traducido por: Paola Fattorini.

[1] Who has become a cultural reference. Lets remenber the chapter from "The Simpsons”, 16th seasson ( The Seven-Beer Snitch /2005) in which Springfield builds a concert auditorium with a Gehr’s design (whom by the way, participates with his own voice in that episode). The auditórium looses its attractiveness y finaly ends up becoming the new penitenciary of the city.
Without a doubt, a reference from the critics that Guggenheim Museum received in Bilbao.

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)

2009-01-25T12:34:00.003-05:00

Sketches of Frank Gehry (Sidney Pollack /2006)
Dirección: Sydney Pollack.
Productor: Ultan Guilfoyle.
Fotografía: George Tiffin, Claudio Rocha y Marcus Birsel.
Editor: Karen Schmerr.
Música: Claes Nystrom y Jonas Sorman.

Sinopsis
El afamado director Sidney Pollack, nos lleva a descubrir a partir de los sketches (los borradores) del arquitecto Frank Gehry[1], no solo la génesis de su obra, sino que nos introduce en el proceso creativo de uno de uno de los hombres, más interesantes e influyentes de nuestro tiempo.

Sobre el Film
Los griegos antiguos, concebían al arquitecto y su función como aquel articulador de los esfuerzos humanos. Era un hombre con τέχνη (techné), es decir, aquel que tenía el conocimiento necesario para conceptuar (diseñar) y producir un objeto (construir). El concepto τέχνη (de donde proviene técnica) con el tiempo solo fue visto a través de su matiz de producción, de esta manera, perdió su aspecto creativo y conceptual. La figura de Gehry nos permite encontrar en él al hombre con τέχνη, ya que durante el film podemos ir viendo los procesos por los cuales se han ido constituyendo sus obras. Los elementos que le han permitido no solo vislumbrar diseños que desafían los principios de construcción y edificación, sino la capacidad de realizarlos, pues la obra de Gehry no es conceptual, él diseña para lograr que sus bocetos se conviertan en estructuras que reconfiguren el espacio que las alberga.

Hay que hacer notar, la relación que la Arquitectura ha tenido siempre con el poder. El diseño ha sido un bien del cual solo un grupo reducido ha podido disfrutar dado los altos costos de requieren diseñar un proyecto y llevarlo acabo. Sin duda en el siglo pasado y la masificación de todo, incluidas las artes, nos muestran la presencia en nuestras vidas del diseño. De ahí que se vuelva tan interesante conocer la obra de un artista de vanguardia en esta área del diseño, ya que la arquitectura reflexiona sobre los espacios en que se desarrolla nuestra vida. Llamase vivienda, trabajo, diversión, práctica religiosa, etc.

La obra de Frank Gehry nos enfrenta a pensar en la arquitectura como profesión y al profesional que la ejerce. Gehry nos muestra la posibilidad de ver al arquitecto no como un mero productor, sino principalmente como un artista, como un hombre con la capacidad de llevarnos a una experiencia estética total, en la que el hombre no solo repara en el espacio que lo rodea, sino que se pone realmente en contacto con él. Y esto es gracias al manejo que tiene de las formas, de los objetos, así como al modo en que logra vislumbrar la manera en que la luz va interactuar con sus obras.
Tener la oportunidad de ver un documental sobre la obra de Gehry, es sin duda la mejor forma de acercarse a este arte que implica el ver en un espacio vacío un diseño que se adecue a él.

JUAN ALBERTO GONZALES HURTADO.

[1] Quien sin duda se ha convertido en una referencia cultural. Basta recordar un capitulo de “Los Simpsons” de su temporada 16 ( The Seven-Beer Snitch /2005) en que en Springfield se construye una sala de conciertos, con un diseño de Gehry (quien por cierto participa del capitulo con su voz), el auditorio de conciertos pierde su atractivo y finalmente termina convirtiéndose en la nueva penitenciaria de la ciudad. Sin duda una referencia a partir de las críticas que recibió el diseño del museo Guggenheim en Bilbao.

This is England (Shane Meadows/2007)

2008-12-07T23:01:00.000-05:00

This is England (Shane Meadows/2007)
Director: Shane Meadows.
Cast: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls).
Writer: Shane Meadows.
Produced by: Mark Herbert.
Director of Photography: Danny Cohen.
Film Editing by: Chris Wyatt.
Music by: Ludovico Einaudi.
Costume: Jo Thompson.

Synopsis
Shaun (Thomas Turgoose) is an english boy from Thatcher era, who lives in a coastal town with his mother only, since his father died combating at the Falklands War (Malvinas). Shaun, despite his loneliness, will find a local skinhead gang that will confront him to his first life lessons.

About the film
Shane Meadows films have been always connected to the process of passing from childhood to adolescence, and so from adolescence to adulthood. His films show families built on the streets, families made little by little and with a few.
Meadows has been focused to picture the economical and social processes England has gone through since Margaret Thatcher era. But not from the huge facts, or the ones recorded by history (which serve as a scenery from which to tell the story), but from a story of the most tough learning and growing process. And that is the thoughness that nurtures and gives rythim to "This is England", that from his title calls us to sense the different varieties and meanings of this expression. And, the purpuse for this particular period of time in the recent history of England, according to the very testomony of Meadows, is that he grew up in that England, the one with unemployment, empoverishment of small towns, meaning the diminution of chances to develop capacities of the childrend from the work force.
Meadows, as a child like Shaun belonged to a skinhead gang, the ones that now are related to radical groups that have as ideals segregation and discrimination, were more a contracultural expression that had its roots at the end of the sixties, at the encounter between the sons of jamaican migrants with young english workforce classs. Their tough appeal (jeans, shirts, braces, sking heads, high boots) went along with their thoughts about life as a constant struggle. If hippies were looking to lavish a peace and love culture, the skinheads from the sixties had very clear that life was hard and difficult and that we had to be ready to fight for what we considered fair.
From those times we remember the Jamaican group The Maytals (now known as Toots & The Maytals) - and that without hesitate would deserve a comment aside - , plays a significant role as the film soundtrack. The fusion and rythim from this group (that combines ska, reggae, gospel and R&B) brings the perfect tune to go along with joy escenes and camaraderie, to the ones more crude. The music complements and accompanies the eighties skinheads that listen to jamaican music, but hit every single one that is not white and protestant.
We’ve just mentioned that Meadows films worked with stories from kids having the streets as a space to survive, for Shaun (Thomas Turgoose) it is not the lack of love or affection which pushes him to the street, but that this place, is the only space in which his emotions and inner feelings are understood. The pain he carries for his father death finds a perfect spot at the radical skin group of Combo (Stephen Graham). Precisely, between both characters occurs a symbiosis that becomes very natural, because both mean and are something for the other, that they feel they have lost and couldn’t have back again.
Without a doubt theres is a lot to say about “This is England”, but we would close this comment saying that is a film with an even rythm, with an atypical ability to confront us to the inner contradictions of a gang of buddies and displaced adults, struggling to make them a space. A film to watch.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.
Traducido por: Paola Fattorini.

Steel City (Brian Jun/2006)

2008-11-21T16:01:00.000-05:00

Steel City (Brian Jun/2006)

Dirección: Brian Jun.
Reparto: John Heard (Carl Lee), Tom Ghiry (PJ Lee), Raymond J. Barry (Vic Lee), Laurie Metcalf (Marianne Karn), America Ferrara (Amy Barnes), Clayne Crawford (Ben Lee), James McDaniel (Randall Karn).
Guión: Brian Jun.
Productores: Rusty Gray, Ryan Harper, Brian Jun.
Fotografía: Ryan Samul.
Editor: Brian June.
Música: Mark Geary.
Vestuario: Meredith J. Murray.

Sinopsis

PJ Lee (Tom Ghiry) y su padre Carl Lee (John Heard) se encuentran a partir de un accidente de auto.

Sobre el Film

Steel City es la opera prima de Brian Jun[1], quien además es el guionista y editor del film. Lo que nos habla de un film con una mirada muy personal. Lamentablemente este film no ha tenido mucha distribución, ni difusión. Logro si un par de nominaciones en festivales (una en el festival de Sundance por su guión y otra en los Independent Spirit Award, por la actuación de Raymond J. Barry) y se exhibió en algunos cines de Norteamérica, pero pronto fue lanzado en formato de DVD[2].

Con Steel City, uno se encuentra con un cine de silencios, en que la imagen y especialmente los colores que se resaltan en ella dan por completo el tono al film. Otro elemento a destacar, son las actuaciones, construidas a partir de miradas, de gestos, no es que los textos no sean buenos o que el guión no importe, solo que la manera en que se construye el film apuesta más por lo que se muestra, que por lo que se dice.

Un tercer elemento a resaltar en la composición del film, es la música, nos referimos tanto a la compuesta por Mark Gehry, especialmente para el film, la cual, no es solo un complemento, sin duda es un elemento que ayuda a narrar la historia, a crear el clima adecuado para comprender y delinear las emociones de los personajes. Así como a las canciones de Jeff Black, quien en sus letras expresa aquello que los personajes mantienen en silencio[3].

Finalmente queremos decir que Steel City es un film sobre el aprender a vivir con las elecciones que uno ha tomado. Si bien es usual creer que una parte importante del proceso de entrar en la vida adulta y alcanzar lo que se conoce como madurez, reside en saber no solo distinguir entre el bien y mal, sino practicarlo[4]. Lo cierto es que vivimos a partir de circunstancias que no controlamos, ni decidimos, lo que no nos aleja de una cuota de responsabilidad en las decisiones que tomamos.

Y es esto lo que nos presenta el film de Brian Jun, personajes en el proceso de aprender a asumir y afrontar las consecuencias de sus decisiones, es decir, que no ven ni viven la vida a partir de valores de excelencia que demarcan un ideal de vida buena. Por el contrario, se encuentran, como dijimos, en el proceso de aprender que vivir es confrontar aquello que no nos es agradable (en relación a nosotros mismos y a los demás) y a creer en que la posibilidad de cambiar las cosas reside exclusivamente en nosotros. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] De quien hemos tenido la oportunidad de ver su primer cortometraje titulado “For Jimmy Brown”. Este 2008 acaba de estrenar “The Thacker Case”.
[2] Lo cual para los estudios de cine no es algo inconveniente, hay que tener en cuenta que por concepto de venta de DVD´s, los estudios muchas veces ganan más dinero por este medio, que por la exhibición de los film en las propias salas de cine, pues en estas deben compartir buena parte de las ganancias con los distribuidores y exhibidores.
[3] Para escuchar la banda sonora del film, solo se requiere visitar la página oficial del film: http://www.steelcitythemovie.com/base.html.
[4] Tratamos de vivir guiados por una concepción ideal de lo que es el “bien”, pero no reparamos que por seguir un ideal se tiende a perder la perspectiva de las cosas.

This is England (Shane Meadows/2007)

2008-10-13T01:43:00.000-05:00

This is England (Shane Meadows/2007)
Dirección: Shane Meadows.
Reparto: Thomas Turgoose (Shaun), Stephen Graham (Combo), Jo Hartley (Cynth), Joe Gilgun (Woody), Andrew Shim (Milky), Vicky McClure (Lol), Rosamund Hanson (Smell), Andrew Ellis (Gadget), Kieran Hardcastle (Kes), Jack O'Connell (Pukey Nicholls).
Guión: Shane Meadows.
Productor: Mark Herbert.
Fotografía: Danny Cohen.
Editor: Chris Wyatt.
Música: Ludovico Einaudi.
Vestuario: Jo Thompson.

Sinopsis
Shaun (Thomas Turgoose) es un niño ingles de la era Thatcher y vive en un pueblo costero junto a su madre, pues su padre murió combatiendo en las Malvinas. Shaun aunque solitario encontrara a un grupo de skin locales, que lo enfrentará a sus primeras lecciones sobre la vida.

Sobre el film
La obra de Shane Meadows, siempre ha estado ligada al tema del paso de la niñez a la adolescencia, así como de la adolescencia a la adultez. Sus películas tratan sobre la familia que se construye en la calle, esa familia que se hace de a pocos y con pocos.
Meadows ha estado interesado por retratar los procesos económicos y sociales que ha vivido Inglaterra desde la era de Margaret Thatcher. Pero contado no desde los grandes hechos registrados por la historia oficial (que sirve como un fondo desde el cual contar la historia), sino que lo hace a través de historia de crecimiento y aprendizaje, pero del más duro. Y esa es esa dureza la que nutre y da ritmo a "This is England", que ya desde su título (“Esto es Inglaterra”), nos llama a los variados sentidos que tiene esta expresión. Y el interés por este periodo en particular de la historia reciente de Inglaterra, se debe, por propio testimonio del director, a que él creció en esa Inglaterra, la del desempleo, la del deterioro de la economía de las pequeñas ciudades y por ende la disminución de posibilidades de desarrollar sus capacidades para la los hijos de la clase obrera.
Meadows, de niño como Shaun, perteneció a un grupo de skin, los cuales a pesar de que en la actualidad se los asocia a grupos radicales que tienen como credo la segregación y la discriminación, era más una moda contracultural que tenía sus raíces en los finales de la década de los sesenta, en el encuentro de los hijos de migrantes jamaiquinos con jóvenes de clase obrera inglesa. Su aspecto rudo (jeans, camisas, tirantes, el pelo rapado o corto, las botas altas) iba acorde con su postura de ver la vida como una lucha constante. Si los hippies buscaban prodigar una cultura de paz y amor, los skin de los sesenta tenían claro que la vida era difícil, y había que estar listo para luchar por defender lo que uno consideraba justo.
De ese periodo es el grupo jamaiquino The Maytals (conocidos en la actualidad como Toots & The Maytals, y que sin duda merecería un comentario aparte), que sirve como soundtrack del film. El ritmo fusionado de este grupo (mezcla de ska, reggae, góspel y R&B) da el tono perfecto para el paso de escenas de alegría y camaradería, a las de más crudeza. La música complementa y acompaña las contradicciones de los skin de los ochenta que escuchan música jamaiquina, pero golpean a todo aquel que no sea blanco y protestante.

Si bien las películas de Meadows trabajaban historias de chicos que solo tenían la calle como espacio para sobrevivir, en el caso de Shaun (Thomas Turgoose) no es la falta de amor o afecto lo que lo empuja a la calle, sino que esta, es el único espacio en que sus emociones y sentimientos son comprendidos. El dolor que lleva por la muerte de su padre encuentra un nicho perfecto en el grupo de skin radicales de Combo (Stephen Graham). Precisamente entre ambos personajes se da una simbiosis que se hace muy natural, pues ambos son algo para el otro, que sienten no podrán tener ya.
Sin duda es mucho lo que nos queda por decir de “This is England”, pero queremos cerrar este pequeño comentario diciendo, que es un film de ritmo sostenido, con una habilidad atípica de enfrentarnos a las contradicciones propias de un grupo de chicos y adultos desplazados, intentando hacerse un lugar. Un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

The Savages (Tamara Jenkins /2007)

2008-10-13T01:28:00.000-05:00

The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Director: Tamara Jenkins.

Cast: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).

Writer: Tamara Jenkins.

Produced by: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.

Director of Photography: Mott Hupfel.

Film Editing by: Brian A. Kates.

Music by: Stephen Trask.

Costume Design by: David C. Robinson.

Synopsis

The lives of Jenny and Jon Savage are about to change when they get news about his father´s needs for special care due to his delicate mental condition, so they consider putting him in a nursing home as the right decision. What they didn’t expect was that the situation would open the door to memories and emotions left behind long, long ago.

About the film

Tamara Jenkins has a film career consisting of two films. A short time ago on cable, we had the opportunity to watch Slums of Beverly Hills, about a penniless nomadic family. In his intent to improve their son’s education, a desperate father decides to frequently move in and out of various apartments in order to have their kids attending city schools in Beverly Hills. This act that could be taken as a noble intent by the father to give better opportunities to his family, actually represented his frustrated aspirations and effort to sustain an apparent success. In this film Jenkins already gave us examples of her corrosive spirit and capacity to expose her characters to the most absurd situations, always with an ironic tone. But with The Savages, Jenkins’ story acquires a few more obscure shades without losing black humor, which is introduced in the most unexpected situations and moments.

The Savages are intellectuals that employ all their energy just to avoid showing their emotions. They think that their boldness and intelligence allows them to be ironical, as well escape from ridiculousness and distinguish themselves from the rest. They think the have become experts hiding their miseries, though they haven’t really succeed at it. And perhaps that aspect relates the Savages with the Slums. Both families try so hard to hide who they are, to escape and avoid reality, that it finally ends up exposing them even more.
The Slums make a constant intent to live in Beverly Hills, even in the most deplorable apartments. The Savages, making fun of the rest by ridiculing their conventionalities, while they would madly love to attain any one of them.

If in the Greek tragedy, the main character confronted destiny forces and the cosmos, pretentiously thinking that he could change his destiny. In the contemporary tragedy, the outlook of our destiny does not correspond exclusively to external forces. The reason of our misery resides especially within us, in our fears, in our constant self destructive patterns. Jenkins´ direction and the knowledge she has about her story is projected in the detailed attention she pays to Laura Linney (Wendy Savage) and Philip Seymour Hoffman´s (Jon Savage) performances, each one of them had given birth to shades and particularities of the characters. They have known how to create in them, from the usual interpretations which undoubtedly has given the personal look that this whole film has. Don’t miss it.

Juan Gonzales.
Sept. 2008

POST DATA

La presente reseña ha sido traducida gracias a la generosidad de una serie de amigos, resultando esta la versión final, cualquier error, lo asume el autor de la reseña original.

The Savages (Tamara Jenkins /2007)

2008-09-12T14:36:00.001-05:00

The Savages (Tamara Jenkins /2007)
Dirección: Tamara Jenkins.
Reparto: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).
Guión: Tamara Jenkins.
Productores: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.
Fotografía: Mott Hupfel.
Editor: Brian A. Kates.
Música: Stephen Trask.
Vestuario: David C. Robinson.

Sinopsis
Los hermanos Wendy y Jon Savage, reciben la noticia de que su padre necesita cuidados extremos por su delicada salud mental. Los hermanos Savage, no encuentran mejor solución que internarlo en una casa de reposo. Lo que no esperan los Savage, es que esta situación abrirá en ellos una puerta a emociones y recuerdos dejados de lado por mucho tiempo.

Sobre el film
Tamara Jenkins tiene una obra que se compone por dos films, hace un tiempo en el cable se podía ver Slums of Beverly Hills[1] (1998), que nos contaba la historia de los Slums, una familia pobre que por intentar brindarle una mejor educación a sus hijos vivían de manera itinerante de departamento en departamento con tal de residir en la zona que correspondía al distrito escolar de Beverly Hills. Este acto que podría ser interpretado como un intento noble por parte de los padres para brindarles mejores oportunidades a sus hijos, representaba en realidad las ambiciones frustradas de estos padres, quienes solo buscan mantener la apariencia de éxito. En este film Jenkins nos daba muestras ya de su espíritu irónico y corrosivo, dispuesto a exponer a sus personajes a las situaciones más absurdas, lo que los obligaba a exponer sus miserias, pero siempre en un tono absurdo e irónico.

En cambio en esta ocasión con The Savages, el film de Jenkins, adquiere matices algo más oscuros, pero sin perder el humor negro, colocando el humor en los momentos y situaciones más inesperadas.
Los hermanos Savage, son intelectuales, que utilizan toda su energía en intentar evadir sus emociones, creen que la ironía, que les permite su inteligencia, los hace escapar del ridículo, los hace diferentes al resto. Se han vuelto en unos expertos en intentar ocultar sus miserias, lo cual por cierto no han logrado. Y es tal vez este aspecto lo que emparenta a los Savages con los Slums, ambas familias intentan ocultar quienes son. Intentan escapar a su realidad y es esto los que los termina exponiendo aún más.
Los Slums a través de su intento constante por vivir en Beberly Hills, así sea en el departamento más deplorable. Los Savages burlándose del resto y de lo ridículo de sus convencionalidades, mientras ellos desearían fervientemente poder acceder a alguna de ellas.

Si en la tragedia clásica el protagonista se enfrentaba a las fuerzas del destino y del cosmos, de manera pretensiosa, al creer que podría cambiarlas. En la tragedia contemporánea, el hado de nuestro destino, nuestro sino[2], no corresponde exclusivamente a fuerzas externas, la razón de nuestras miserias reside especialmente en nosotros, en nuestros miedos, en nuestros constantes patrones autodestructivos.

La dirección de Jenkins y el conocimiento que tiene de su historia, se refleja en el cuidado de las actuaciones de Laura Linney (Wendy Savage) y Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), cada uno de ellos, ha sabido darle vida y matices particulares a sus personajes. Han sabido construirlos más allá de sus usuales interpretaciones, lo que sin duda ha aportado el cariz personal que tiene todo el film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film que por cierto se convirtió rápidamente en una suerte de film de culto en el circuito de films independientes.
[2] El “sino” o destino (anagké) para la mitología griega se encontraba bajo el control de las Moiras. Las Moiras son tres hermanas (Cloto-la que hila-, Láquesis-la que asigna el destino- y Átropos-la inflexible, pues es la encargada de cortar el hilo de la vida-) que hilan el destino de los hombres. A su vez, en la tragedia Griega clásica, la Moira es entendida como el destino prefijado, que cada persona lleva consigo.

The Wackness (Jonathan Levine /2008)

2008-08-17T18:48:00.001-05:00

The Wackness (Jonathan Levine /2008)
Dirección: Jonathan Levine.
Reparto: Ben Kingsley (Dr. Squires), Josh Peck (Luke), Famke Janssen (Sra. Squires), Olivia Thirlby (Stephanie), Mary-Kate Olsen (Union), Jane Adams (Eleanor), Method Man (Percy), Aaron Yoo (Justin), Talia Balsam (Sra. Shapiro), David Wohl (Sr. Shapiro), Bob Dishy (abuelo), Joanna Merlin (abuela), Ken Marks (Oliver).
Guión: Jonathan Levine.
Productores: Keith Calder, Felipe Marino y Joe Neurauter.
Fotografía: Petra Korner.
Editor: Josh Noyes.
Música: David Torn.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis
Es 1994, Luke (Josh Peck) ha concluido la secundaria, tiene un pequeño negocio de venta de marihuana y se le presenta un largo verano antes de asistir a la universidad. Por lo cual decide aprovechar el tiempo y juntar algo de dinero.

Sobre el Film
The Wackness sin duda es un film sobre adolecer, sobre carecer, sobre verse impedido a cambiar las circunstancias que se suscitan alrededor nuestro y el intento por hallar un refugio al cual escapar. Y el modo de trabajar esta situación en el film nos la brinda la relación entre Luke (Josh Peck) y su psiquiatra el Dr. Squires (Ben Kingsley) ambos se encuentran en procesos de cambio, de crisis, se sienten impotentes de lograr el control de lo que sucede a su alrededor. La presencia del Dr. Squires le sirve de un espejo en el cual reflejarse a Luke y viceversa, la vida de este adolescente ha puesto sobre el tapete las preguntas que el propio Dr. Squires ha obviado por mucho tiempo. Conocer la vida del otro les permite alejarse de la suya. El gusto de ambos por la marihuana los lleva a encontrar un espacio para compartir en el que se encuentran alejados por completo de sus familias y los retos y dificultades que estas traen consigo. Por ello podemos decir que el film se encuentra en esa larga lista de películas de aprendizaje, de formación, en que sus personajes se llevan algo consigo al final de la historia[1].

En un Nueva York, que a su vez se encuentra sufriendo muchos cambios pues la ciudad empieza un periodo de leyes de cero tolerancia (contra el grafiti, beber en la vía pública, escuchar música en equipos portátiles, etc.) impuestas por el alcalde de ese tiempo Rudolph Giuliani y a su vez esta en un periodo de desarrollo de una escena musical muy importante. Diversos autores y grupos de Hip Hop imponen nuevas liricas, ritmos y temáticas. Por ello no es casualidad la participación de Method Man[2] (quien interpreta el papel de Percy, el abastecedor de marihuana de Luke), miembro de uno de los más importantes e innovadores grupos de los noventa, conocido como Wu-Tang Clan[3].

A pesar de ser un film de corte independiente, el film gano notoriedad gracias a su participación en el festival de Sundance de este 2008, en el que gano el premio del público. The Wacknness, es un film con buenas actuaciones y gran ritmo, lo que no le impide tener momentos de pausa en que se entremezclan los sonidos del Hip Hop[4] con la voz en off del protagonista en una estética emparentada con el video clip, lo cual no resta sino que por el contrario responde por completo a la estética que desarrolla el film. Sin duda una película a tener en cuenta.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Para algunos será una suerte de vicio, el de cerrar un relato con una moraleja, por nuestra parte creemos que en la medida que esto no se fuerce y no pretenda ser moralizante, no perjudica en nada a una historia.
[2] Su nombre es Clifford Smith.
[3] En el video clip de la canción How High de 1995, Method Man y Red Man, ambos miembros de Wu-Tang Clan interpretan un par de comercializadores de droga que dirigen su negocio desde un camión de helado.
[4] En voz de quien en la actualidad es un referente en términos de ritmo y lirica en el Hip Hop. Nos referimos al fallecido Notorious B.I.G.

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)

2008-08-17T12:13:00.000-05:00

Auf der anderen seite (Fatih Akin /2007)
Dirección: Fatih Akin.
Reparto: Nurgül Yeşilçay (Ayten Öztürk), Hanna Schygulla (Susanne Staub), Patrycia Ziolkowska (Lotte Staub), Baki Davrak (Nejat Aksu), Tuncel Kurtiz (Ali Aksu), Nursel Köse (Yeter).
Guión: Fatih Akin.
Productores: Fatih Akin, Andreas Thiel y Klaus Maeck.
Fotografía: Rainer Klausman.
Editor: Andrew Bird.
Música: Shantel.
Vestuario: Katrin Aschendof.

Sinopsis
Un joven profesor universitario de ascendencia turca ante una tragedia familiar decide regresar a Turquía.
Sobre el film
Poder ver este film en el reciente Festival de Cine de Lima, ha sido ciertamente una gratificante sorpresa. De Akin[1], hemos visto hace un tiempo en el cable Im Juli, un film que nos presentaba ya en clave de road movie, la dinámica en que conviven los alemanes y las distintas generaciones de migrantes turcos en Alemania. Pero es en Auf der anderen seite (Al otro lado) que vemos la relación turco-alemana, con una carga más sombría. Con una mirada que se adentra en los diversos problema de identidad que se han desarrollado entre ambas comunidades.
EL film de Akin no intenta discutir las claves del problema, ni tomar bando, se limita a presentar la constante búsqueda de las nuevas generaciones de turcos nacidos en Alemania, que intentan encontrar un lugar en el mundo.
Es un relato pausado, pero que no escapa a los momentos álgidos de gran tensión. Un film que se muestra más interesado en preguntar, en dejar la respuesta pendiente pero sin evadir el tono de reflexión. Akin sabe mantener no solo nuestro interés en la historia, sino que sabe manejar los distintos giros que nos presentan el film. Resaltamos este aspecto, pues nunca es fácil hablar sobre individuos que se sienten desarraigados o escindidos.
Más que tildar el film de Akin como un film social, político o de protesta, consideramos que es un film sobre individuos en situación. Con necesidades encontradas y que intentan desarrollar estrategias para sobrevivir, en una sociedad que se nos presenta en cada momento como en tránsito, con individuos en movimiento, no solo físico, sino también emocional. Un film sobre la memoria, la identidad, de encuentros y rupturas, sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Akin ha participado en proyectos de otros directores interesados en el tema de la relación turco-alemana, como es el caso de “Kebab Connection”, de Anno Saul, film recientemente exhibido en el Festival de Cine de Lima.

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)

2008-07-08T22:58:00.000-05:00

Paranoid Park (Gus Van Sant /2007)
Dirección: Gus Van Sant.
Reparto: Gabe Nevins (Alex), Dan Liu (detective Richard Lu), Jake Miller (Jared), Taylor Momsen (Jennifer), Lauren McKinney (Macy), Olivier Garnier (Cal), Scott Green (Scratch), Winfield Henry Jackson (Christian), Dillon Hines (Henry), Brad Peterson (Jolt).
Guión: Gus Van Sant; basado en la novela de Blake Nelson.
Productores: Marin Karmitz, Nathanaël Karmitz, Neil Kopp y David Cress.Fotografía: Christopher Doyle y Rain Kathy Li.
Editor: Gus Van Sant.
Vestuario: Chapin Simpson.

Sinopsis

Alex (Gabe Nevins) es un skater adolescente de Portland. Que debido a una serie de casualidades se ve envuelto en una situación que lo sobredimensiona por completo. Un film sobre la culpa y el modo de intentar vivir con ella.

Sobre el film

Van Sant, en sus últimos films (Elephant, Last days) trabaja con una estética muy particular[1], mezclando efectos de fotografía con una edición y musicalización sumamente cuidadas. Regresa a Portland, la ciudad en que tiene lugar su primer film Mala Noche (1985) y mantiene sin duda la temática de la adolescencia como un puntal en su obra. Adolescencia que puede trascurrir ante la mirada de adultos, pero es como si estos no existieran, algo que se encarga muy bien el propio Van Sant de mostrar difuminando su presencia de la escena (o mostrándolos incompletos como es el caso del cameo[2] que realiza el director de fotografía australiano Christopher Doyle, interpretando al tío de Alex). Por el contrario tiende a posar la cámara por largos periodos de tiempo, intentando que veamos en los gestos de sus personajes el proceso por el cual están pasando. No utiliza el sonido captado de manera directa, sino que musicaliza las escenas, las mezcla con voces y sonidos de otras escenas. Intenta delicadamente con la iluminación y los demás elementos mencionados, acercarnos a lo que puede ser el fluir del pensamiento de Alex, de qué modo se encuentra lidiando con la culpa que enfrenta, situación que lo sobrepasa por completo y que parece es incapaz de afrontar.

Mencionamos que es un film sobre la culpa, lo que no implica que se trate de la búsqueda de la redención, Van Sant no va por ese camino, lo que al le interesa es llevarnos como dijimos a través de los pensamientos y sensaciones que se acumulan en Alex y que gracias a irlos tratando de hacer encajar en una historia, nos acerca a la soledad y a desazón de alguien que realmente se siente en total desamparo, o tal vez sea mejor decir que se siente totalmente alienado en relación al mundo que lo rodea. Sin duda un fin imprescindible. A no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Sin duda que la estética que ha desarrollado en la actualidad Van Sant pareciera que lo aleja del gran público, pero hay que recordar que sus temáticas nunca han sido complacientes. Interesándose siempre por los diversos vicios y carencias que una persona puede experimentar. Sus personajes, asesinan se prostituyen por necesidad, por rebeldía, por intentar encontrar algún sentido a un mundo al que no parecen pertenecer.
[2] Terminó del inglés, para referirse a la aparición o a una pequeña actuación en un film por parte de un personaje conocido o de cierta notoriedad.

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)

2008-07-08T22:54:00.000-05:00

The Darjeeling Limited (Wes Anderson /2007)
Dirección: Wes Anderson.
Reparto: Owen Wilson (Francis), Adrien Brody (Peter), Jason Schwartzman (Jack), Anjelica Huston (Patricia), Amara Karan (Rita), Camilla Rutherford (Alice), Irrfan Khan (Padre del pueblo).
Guión: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman.
Productores: Wes Anderson, Scott Rudin, Roman Coppola y Lydia Dean Pilcher.Fotografía: Robert Yeoman.
Editor: Andrew Weisblum.
Vestuario: Milena Canonero.

Sinopsis

Los hermanos Whitman se han vuelto a reunir luego de un año de la muerte de su padre. Francis el mayor de los tres los ha invitado a recorrer por tren la India, pues busca que se les contagie algo de la espiritualidad que cree abunda en esas tierras[1].

Sobre el Film

Los Whitman se encuentran en esa lista larga de familias adineradas, dispares y excéntricas creadas por Wes Anderson. En muchos momentos nos hacen acordar a los propios hermanos Marx por sus constantes enredos y sus problemas para la comunicación y el absurdo que termina siendo el tratar de entenderse del todo.
Con elementos fetiche (como las maletas con animalitos de colores diseñadas por Louis Vuitton que aparecen todo el film, los lentes de sol del padre y el exceso así como la pericia para consumir barbitúricos y relajantes musculares) Anderson nos coloca de golpe dentro de los códigos de los Whitman.

Que mejor elemento en movimiento que el tren, el cual está ligado a la historia del cine desde su nacimiento, con el film “Llegada de un tren a la estación de la Ciotat” de los hermanos Lumière. Para representar una situación de movimiento, pero a la vez una situación de inmovilidad, pues se puede decir que de algún modo el tren está moviéndose, pero los objetos que se encuentran dentro de él se encuentran en perfecta calma.
Si llevamos esta figura a los hermanos Whitman, es algo similar lo que les sucede, el moverse, el ir tras algo es solo promesa de cambio, no implica necesariamente un cambio en cuanto tal. Ellos inician un viaje intentando lograr un renacer espiritual, un reencuentro familiar, pero lo que hallarán es solo más de lo mismo.
Un gran film sobre la familia, el deseo de que nos comprendan y poder si es posible comprender a los otros. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Hay que recordar que el film viene con un corto que da inicio al film. El nombre del corto es Hotel Chevalier y se encuentra en total relación con los acontecimientos del film. Otro aspecto para recordar, es la polémica que origino este corto, en el que aparece desnuda por primera vez Natalie Portman, pues ella se sintió utilizada y engañada por Anderson para realizar el desnudo. Como se imaginaran, esta situación lo que ocasiono fue el interés por saber de que se arrepentía Portman de haber mostrado.

Once (John Carney/2007)

2008-05-26T02:50:00.000-05:00

Once (John Carney/2007)
Dirección: John Carney.
Reparto: Glen Hansard (chico), Markéta Irglová (chica), Hugh Walsh (Timmy), Gerry Hendrick (guitarrista), Alastair Foley (bajista), Geoff Minogue (Eamon), Bill Hodnett (padre del chico), Danuse Ktrestova (madre de la chica), Mal Whyte (Bill), Niall Cleary (Bob).
Guión: John Carney.
Productores: Martina Niland.
Música: Glen Hansard.
Editor: Paul Mullen.
Diseño de producción: Tamara Conboy.
Vestuario: Tiziana Corvisieri.

Sinopsis

Un joven músico ambulante pasa sus tardes cantando temas conocidos con el fin de llamar la atención y ganarse algunas monedas. Por las noches interpreta temas personales. Todo cambia a partir de conocer a una pianista poco usual.

Sobre el Film

Chico (Glen Hansard) abandonado encuentra a Chica (Markéta Irglová) que se ha fugado de su ex pareja, ambos son músicos y empiezan una relación a partir de aquello que tienen en común. Sin duda, un argumento que suena a miles de películas e historias, pero que en este caso ha tenido un trabajo que no cuesta denominar, genial. No siempre se ve un film que con tan poco nos pueda dar tanto. La cámara en mano y la iluminación naturalista, nos colocan en medio de la historia, nos hacen sentir que esos personajes no podrían ser vistos de otra forma y que apostar por una composición más compleja hubiera sido contraproducente.

Pero por otro lado en contraposición de la sencillez de elementos, se encuentra la variedad de estilos que recoge este film. Combina elementos de una comedia romántica, con los de un musical y un drama, pero nunca desentona. Por el contrario cada uno de ellos ayuda al desarrollo de la trama, nada se siente sobrepuesto o forzado y por el contrario todo parece caer por su propio peso. Un film para ver y disfrutar, no solo con la imagen, sino a través de la música, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

It's a free world... (Ken Loach/2007)

2008-05-23T04:50:00.000-05:00

It's a free world... (Ken Loach/2007)
Dirección: Ken Loach.
Reparto: Kierston Wareing (Angie), Juliet Ellis (Rose), Leslaw Zurek (Karol), Joe Siffleet (Jamie), Colin Coughlin (Geoff), Maggie Hussey (Cathy), Raymond Mearns (Andy), Davoud Rastgou (Mahmud), Mahin Aminnia (mujer de Mahmud), David Doyle (Tony).
Guión: Paul Laverty.
Productora: Rebecca O'Brien.Fotografía: Nigel Willoughby.
Música: George Fenton.
Editor: Jonathan Morris.
Vestuario: Carole K. Fraser.

Sinopsis

Angie (Kierston Wareing) está cansada, de ir de un trabajo tras otro y de ser explotada, por lo cual decide organizarse para desarrollar junto a Rose (Juliet Ellis) su compañera de casa, una agencia de empleo que sea diferente a las que la contrataban a ella.

Sobre el film

Ken Loach es un director que desde sus inicios a estado preocupado por diversos temas sociales. Y este film no es la excepción. Pero si bien se podría considerar que el film se centra únicamente el mercado del trabajo ilegal, así como en la explotación que sufren los migrantes. Loach nos introduce magistralmente en lo que sucede cuando una lógica de mercado (que procura el puro beneficio individual) se introduce en otros ámbitos de la vida. Vemos de qué modo nuestros valores y creencias adquieren un nuevo norte, el del dinero. En un mundo que pareciera, nos deja cada vez menos espacios para pensar y ver al otro más allá de un mero medio para conseguir un beneficio. Que sucede cuando una visión de libre mercado, de mundo libre, implica encontrarse libre de responsabilidades con los otros. Sencillamente genial, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Cassandra's Dream (2007/ Woody Allen)

2008-05-11T21:13:00.001-05:00

Cassandra´s Dream (2007/ Woody Allen)
Dirección: Woody Allen.
Reparto: Ewan McGregor (Ian), Colin Farrell (Terry), Tom Wilkinson (Howard), Hayley Atwell (Angela), Sally Hawkins (Kate), John Benfield (padre), Clare Higgins (madre), Ashley Medekwe (Lucy).
Guión: Woody Allen.
Productores: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley.
Fotografía: Vilmos Zsigmond.
Música: Philip Glass.
Editor: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Maria Djurkovic.
Vestuario: Jill Taylor.

Sinopsis
Ian (Ewan McGregor) y Terry (Colin Farrell) son dos hermanos que acaban de cumplir su sueño de comprar con mucho esfuerzo un pequeño bote llamado Cassandra's Dream. Los hermanos sienten tenerlo todo, pero parece que eso que representaba su felicidad, solo es el inicio de sus nuevos sueños.

Sobre el Film

Woody Allen nos trae lo que parece ser el movimiento final de su sinfonía londinense. Vimos hace un par de años Match Point (2004), la cual sorprendió por completo a la crítica y al público, con un Allen totalmente distinto, no solo en términos de trama, sino en el manejo de la historia, la fotografía y la música. Luego siguió Scoop (2006), para muchos una obra fallida y poco articulada, en nuestra opinión, una comedía que se sostiene por sí misma, pero que vista en relación a Match Point funciona como un espejo en donde contrastar la primera y como enlace a la reciente Cassandra´s Dream.

Los temas se entrecruzan en cada uno de los films, las apariencias, el ascenso social, el asesinato, el amor, y la familia. Utilizando como decorado la sociedad inglesa, Londres y su campiña. Otro elemento a resaltar es el regreso constante por parte de Allen, a la tragedia griega[1] en cada uno de estos films. En especial, a la obra de Eurípides[2], mostrándonos de manera magistral su versión del Deux ex Machina[3] y las consecuencias que este trae.

Y es precisamente este el tema de Cassandra´s Dream, el de la felicidad y su búsqueda. De qué modo ese sueño ideal de poder tener todo aquello que se desee puede llegar a ser peligroso. Otro aspecto importante del film, es el de las acciones y consecuencias, nada en la vida viene de gratis, todo lo que vale cuesta, como dirían los abuelos, y los hermanos Benfield están a punto de comprenderlo. Aquello que se presenta como un asomo de final feliz, de solución a todo aquello que aqueja, puede terminar siendo solo el inicio de un peligro mayor.

La música compuesta por Philip Glass (conocido por su trabajo en The Hours), da a cada escena el matiz y equilibrio perfecto. Un film que bebe de Bergman y Hitchcock, pero que a su vez tiene todos los elementos del cine de ese gran autor que es Woody Allen. Sin duda un film que hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] No es mera casualidad que el bote anhelado por los hermanos lleve el nombre de Cassandra, quien según la mitología griega nos cuenta, tiene la habilidad de ver el futuro, pero nadie cree en ella, ni en sus pronósticos.
[2] La tragedia de Eurípides, no trabaja personajes heroicos, que simbolizan un valor o un defecto en particular, por el contrario los personajes de Eurípides tienden a ser ambiguos. Y es su ambigüedad la que muchas veces ha sido criticada como una falla en su obra. Por el contrario nosotros creemos que es precisamente ese rasgo el que permite que lo sintamos tan cercanos a nosotros. Pues en el se encierra lo inestable que son nuestros sentimientos y emociones. Nos muestra de qué modo podemos llegar a ser incluso unos extraños para nosotros mismos.
[3] Eurípides se caracterizo precisamente por la utilización del Deus ex Machina, que se refiere a la aparición de un Dios o un héroe, que resuelve la situación calamitosa por la que estén atravesando los protagonistas. Lo podríamos emparentar con el Happy end contemporáneo.

Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud /2007)

2008-05-11T21:02:00.000-05:00

Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud /2007)
Dirección: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.
Reparto: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche).
Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi.
Productores: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault.
Música: Olivier Bernet.
Editor: Stéphane Roche.
Diseño de producción: Marisa Musy.

Sinopsis
Marjan tiene nueve años y tiene dos obsesiones en la vida, depilarse las piernas y convertirse en profeta. Su país (Iran) y ella y esta a portas de sufrir muchos cambios.

Sobre el film
Son pocas las veces que tenemos la oportunidad de ver una película de animación de estas características. En la que se combina una narración que sabe llevar el pulso de la historia, con un cuidado especial y sutil de las emociones. El film escapa a la sensiblería, o a simplemente narrar hechos trágicos uno tras otro de modo que se logre conmover en base de empeño al espectador. Lo trágico en un film como este es presentado como parte de la vida, como una suerte de enseñanza extraña, que se llega a compreder mucho después. Un film sobre la familia, la memoria y la identidad. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel /2007)

2008-04-21T00:29:00.000-05:00

Le scaphandre et le papillon (Julian Schnabel /2007)
Dirección: Julian Schnabel.
Reparto: Mathieu Amalric (Jean-Dominique Bauby), Emmanuelle Seigner (Céline Desmoulin), Marie-Josée Croze (Henriette Durand), Anne Consigny (Claude), Patrick Chesnais (doctor Lepage), Niels Arestrup (Roussin), Olatz Lopez Garmendia (Marie Lopez), Jean-Pierre Cassel (Lucien), Marina Hands (Joséphine), Max Von Sydow (Papinou), Isaach de Bankolé (Laurent), Emma de Caunes (Eugenia).
Guión: Ronald Harwood; basado en el libro "La escafandra y la mariposa" de Jean-Dominique Bauby.
Productores: Kathleen Kennedy y Jon Kilik.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Música: Paul Cantelon.
Editor: Juliette Welfing.
Vestuario: Olivier Beriot.

Sinopsis
Jean-Dominique Bauby es editor en jefe de una prestigiosa revista de moda. Tiene el trabajo que siempre soñó, tiene hijos que adora y lo adoran y tiene junto a su lado a la mujer que ama. Pero un derrame cerebral cambiaria todo eso, o no?.

Sobre el Film
Le scaphandre et le papillon, es la adaptación de Julian Schnabel (Basquiat, Antes que anochezca), sobre el libro biográfico del mismo nombre de Jean-Dominique Bauby. La formación de Schnabel es la de pintor, y coincidentemente todos sus films, han sido de algún modo retratos de personajes (caso del pintor Jean-Michel Basquiat, o el poeta cubano Reynaldo Arenas). Retratos que nunca han intentado ser cuadros realistas, ni naturalistas. Sus films siempre han estado alejados del concepto de biopic estándar, en que se procura recrear y presentar con precisión las venturas y desventuras de sus protagonistas. Y que por lo general tienen el gusto de colocar actores que sean un calco de los personajes reales.
Por su parte, Schanabel compone sus films, como se compone un collage. Utilizando diversos elementos (fotografías, cortos de animación, imágenes de documentales, cuadros, etc.), que en conjunto crean una magnifica representación sobre aquello que desea mostrar. Este collage sin duda le hace honor a los elementos que coge del libro de Bauby. La imaginación de Schnabel es la que de algún modo nos completa los largos monólogos de Bauby. A veces, los llena de color y de imágenes, otras veces, es sobrio en todo sentido, la cámara solo muestra la quietud de un paisaje, el trascurrir lento del tiempo.
Schnabel muestra de qué modo lo intimo, lo personal, es lo que nos permite (aunque suene extraño) acercarnos a lo universal. Y decimos universal en el sentido de comunidad, de sentidos compartidos, de fondo común, aquello que se nos hace más cercano a cada uno de nosotros.
Le scaphandre et le papillon, sin duda es un film que hay que ver, una historia que nos acerca a las reflexiones más comunes, pero no por ello menos importantes de occidente. Es un cuadro que nos hace regresar a cavilar sobre el hacer, los afectos, el tiempo y la vida. No nos queda más que decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)

2008-03-28T13:00:00.000-05:00

Before the Devil knows you're dead (Sidney Lumet /2007)
Dirección: Sidney Lumet.
Reparto: Philip Seymour Hoffman (Andy), Ethan Hawke (Hank), Marisa Tomei (Gina), Albert Finney (Charles), Rosemary Harris (Nanette), Michael Shannon (Dex), Brian F. O'Byrne (Bobby), Amy Ryan (Martha).
Guión: Kelly Masterson.
Productores: Michael Cerenzie y Brian Linse.Fotografía: Ron Fortunato.
Música: Carter Burwell.
Editor: Tom Swartwout.
Vestuario: Tina Nigro.

Sinopsis

Los hermanos Hanson desean salir de sus diversos apuros, por lo cual deciden que no hay mejor solución que robar una pequeña joyería en una zona residencial. Lo que no esperan es que esto vaya a desencadenar el inicio del fin de su propia familia.

El Regreso de un Maestro

Sidney Lumet tuvo su estreno como director, con la no poco recordada 12 Angry Men[1] (Doce hombres en pugna). En esta ocasión nos trae su más reciente obra Before the Devil knows you're dead. Ya en el 2006 había presentado Find Me Guilty que no conto con el favor de la crítica. En especial por el riesgo que supuso apostar por darle el rol protagónico del film a un actor como Vin Diesel[2], emparentado más con films de acción, que con dramas complejos.

En esta ocasión Lumet nos muestra la razón por la cual ha sido un maestro en contar dramas psicológicos emparentados siempre con el film noir. Ya en Pawnbroker[3] (El prestamista) nos hablaba del mundo de los tratantes de joyas y objetos robados[4]. Judíos que sufrieron en carne propia los horrores de la guerra, que viven intentando sobrevivir, en los espacios más duros y difíciles de Nueva york, y que nos dejan con el pensamiento de que queda después de regresar del infierno.

Y decimos esto, pues algo de esto hay en Before the Devil knows you're dead, en la que los protagonistas provienen de verdaderos infiernos personales, de los cuales se les hace imposible de escapar. Sin duda deber ser uno de los mejores film sobre familia y lealtad de los últimos tiempos. Además el film nos ha regresado a uno de los maestros en esto de mostrar la psique humana de una forma en que solo lo han hecho los griegos y Shakespeare. Sencillamente nos queda decir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Film de 1957.
[2] Por cierto, nos gustaría apuntar que a nuestro entender, el film fue más que interesante y entretenido, con un Diesel realmente a la altura del papel. Y si algo hay que tener en cuenta, es que los grandes directores han logrado hacer que actores no muy buenos, o incluso mediocres enfrente a su lente, se vean en dominio de la escena.
[3] Film de 1964.
[4] Con un estilo narrativo diferente apoyado en el uso de la cámara, totalmente distinto a los estándares que se practicaban en el Hollywood de su época y más cercano a los estilos europeos.

Dan in real life (Peter Hedges/2007)

2008-03-28T12:40:00.000-05:00

Dan in real life (Peter Hedges/2007)
Dirección: Peter Hedges.
Reparto: Steve Carell (Dan), Juliette Binoche (Marie), Dane Cook (Mitch), Dianne Wiest (Nana), John Mahoney (Poppy), Emily Blunt (Ruthie Draper), Alison Pill (Jane), Brittany Robertson (Cara), Marlene Lawston (Lilly), Norbert Leo Butz (Clay), Amy Ryan (Eileen.
Guión: Peter Hedges y Pierce Gardner.
Productores: Jon Shestack y Brad Epstein.Fotografía: Lawrence Sher.
Música: Sondre Lerche.
Editor: Sarah Flack.
Vestuario: Alix Friedberg.

Sinopsis

Dan es un viudo con tres hijas, que escribe una columna en el diario local que da consejos sobre la crianza de niños. Lo que no le impide tener problemas con su propia familia. Además es el final del verano y los padres de Dan organizan una reunión por el fin de la temporada. Sumado a esto conoce a la mujer de sus sueños, pero resulta ser la nueva novia de su hermano.

Sobre el film

Segundo largometraje de Peter Hedges, de quien vimos hace ya unos años la genial “Pieces of April”. En esta oportunidad hace uso de las habilidades de un comediante como Steve Carell para contar una historia sobre la familia y el amor.

El humor de Carell es perfecto para el personaje de Dan. La frustración que siente su personaje lo acercan sin duda al patetismo, pero no por eso uno se aleja de él, por el contrario logra que nos identifiquemos y nos sintamos parte de su angustia y sufrimiento. Es por eso que la elección de Juliette Binoche para interpretar a Marie, no podía ser mejor. Pues ella le imprime no solo su belleza y distinción, sino la capacidad de convertir el asunto más serio en la cosa más graciosa y absurda. En otra actriz el rol hubiera caído en ser meramente el objeto del deseo de Dan, pero en este caso su actuación nos permite hacer incluso más fundadas y cercanas las excentricidades de este.

Tal vez en este film Hedges, no se logre un drama complejo como lo fue la ya antes mencionada “Pieces of April”. Pero sin duda logra crear una comedia romántica de gran factura, de esas que siempre se extrañan poder ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Into the Wild (Sean Penn/2007)

2008-03-24T19:31:00.000-05:00

Into the Wild (Sean Penn/2007)
Dirección: Sean Penn.
Reparto: Emile Hirsch (Christopher McCandless), Marcia Gay Harden (Billie McCandless), William Hurt (Walt McCandless), Jena Malone (Carine McCandless), Catherine Keener (Jan Burren), Hal Holbrook (Ron Franz), Kristen Stewart (Tracy), Vince Vaughn (Wayne Westerberg), Brian Dierker (Rainey).
Guión: Sean Penn; basado en el libro "Hacia rutas salvajes" de Jon Krakauer.
Productores: Sean Penn, Art Linson y Bill Pohlad.Fotografía: Eric Gautier .
Música: Eddie Vedder, Michael Brook y Kaki King.
Editor: Jay Cassidy.
Vestuario: Mary Claire Hannan.

Sinopsis

Christopher McCandless tiene veintitrés años y acaba de terminar la Universidad. Pero a pesar de los planes que tiene su familia pensados para él, decide dejar toda de lado para viajar a pie por los Estado Unidos como una suerte de preparación para su destino final Alaska.

Sobre el film

Si tuviéramos que mencionar un elemento que se encuentra siempre en el imaginario norteamericano y que se ha mantenido a lo largo de su historia, tendríamos que decir que es el de la libertad. Entendida claro de diversas formas, tiene en autores como Thoreau a uno de sus exponentes más importantes.

Thoreau proponía una vida alejada de la sociedad, sobreviviendo con solo aquello que el trabajo de las manos pudiera proveer. Intentando así romper con la noción de éxito y confort que se desarrolla usualmente en la sociedad moderna. Si bien Thoreau no vivía aún en la sociedad de consumo que nos embarga en la actualidad, una constante de su obra es el cuestionamiento por las posesiones y la creación de necesidades, así como la angustia que la carencia de estas ocasiona en las personas. Dicho esto, nos queda más claro el ejemplo que sigue Christopher McCandless, esa inclinación por seguir el sendero de una vida estoica que duda de todo aquello que no cueste esfuerzo.

Otra forma de leer el viaje de McCandless, es la necesidad de escapar, por no poder afrontar la realidad que lo supera. Es intentar alejarse de todo aquello que le cuesta asumir y de lo cual se encuentra profundamente decepcionado. Es intentar desesperadamente romper el vinculo material y simbólico que lo une a su familia.

Sea cual sea la razón del viaje de McCandless, el film nos permite estar cerca del intento permanente de alguien por darle un sentido a su vida, así como al mundo que lo rodea. Por lo cual, no podemos dejar de señalar la calidad de la dirección de Sean Penn[1]. Ya habíamos visto el cuidado que procura colocar en la imagen[2] (el film tiene una fotografía exepcional), y el cuidado que tiene para tratar temas complejos, sin desarrollar historias endulzadas o llenas de lirismo e idealismo, por el contrario el relato es sobrio, sin dramatizar aquello que de por si tiene una carga y una fuerza propia. Y sin duda el trabajo de musicalización de Eddie Vedder (vocalista de Pearl Jam) ayuda a no solo seguir la historia, sino que es el complemento perfecto para muchas de las bellas imágenes del film. Solo nos queda decir, a no perdérselo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Si bien es un personaje público que usualmente genera polémica por sus posturas políticas, lo que no se discute es el grado de compromiso en relación a sus ideas y sus proyectos.
[2] En un corto (representando a Estados Unidos) que realiza para el film 11/09/01 September 11.

Things we lost in the fire (Susanne Bier/2007)

2008-03-09T12:42:00.000-05:00

Dirección: Susanne Bier.
Reparto: Halle Berry (Audrey Burke), Benicio del Toro (Jerry Sunborne), David Duchovny (Brian Burke), Alison Lohman (Kelly), Omar Benson Miller (Neal), John Carroll Lynch (Howard Glassman), Alexis Llewellyn (Harper Burke), Micah Berry (Dory Burke).
Guión: Allan Loeb.
Productores: Sam Mendes y Sam Mercer.Fotografía: Tom Stern.
Editor: Pernille Bech Christensen y Bruce Cannon.

Sinopsis

Audrey Burke (Halle Berry) pierde a su marido, está tragedia la acercara al mejor amigo de de este.

Sobre el film

Susanne Bier, directora de origen danés, conocida por sus filiaciones con el grupo Dogma 95[1], y por ser la directora del film “Despues de la boda”[2], nos trae otro de sus films intimistas. Desarrollado con el cuidado que el tema requiere. La dirección de Bier se encuentra totalmente alejada de patetismos y exageraciones. Lo suyo es un trabajo centrado en las miradas, en posar la cámara el tiempo justo en los actores, permitir que ella nos acerque a lo que están viviendo. La cámara no exagera, no inventa las emociones, solo se encarga de mostrárnoslas. Por eso logra hacer que el dolor se haga patente en cada cuadro del film. Con un Benicio del Toro que nos brinda una de sus mejores actuaciones, no dudamos en decir que es un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Colectivo fundado en Copenhague por realizadores cinematográficos que buscaban desarrollar un cine más realista e intimista, por lo cual decidieron poner por escrito las prerrogativas que su cine debía desarrollar. Estos son los principios que el cine de Dogma, procura respetar.
Juro que me someteré a las reglas siguientes, establecidas y confirmadas por:
1. El rodaje debe realizarse en exteriores. Accesorios y decorados no pueden ser introducidos (si un accesorio en concreto es necesario para la historia, será preciso elegir uno de los exteriores en los que se encuentre este accesorio).
2. El sonido no debe ser producido separado de las imágenes y viceversa. (No se puede utilizar música, salvo si está presente en la escena en la que se rueda).
3. La cámara debe sostenerse en la mano. Cualquier movimiento -o inmovilidad- conseguido con la mano están autorizados.
4. La película tiene que ser en color. La iluminación especial no es aceptada. (Si hay poca luz, la escena debe ser cortada, o bien se puede montar sólo una luz sobre la cámara).
5. Los trucajes y filtros están prohibidos.
6. La película no debe contener ninguna acción superficial. (Muertos, armas, etc., en ningún caso).
7. Los cambios temporales y geográficos están prohibidos. (Es decir, que la película sucede aquí y ahora).
8. Las películas de género no son válidas.
9. El formato de la película debe ser en 35 mm.
10. El director no debe aparecer en los créditos.
Hay que aclarar que estos principios constantemente hacen irrespetados por los propios propulsores del Dogma. Pero lo cierto es que el intento por regresar a un cine que concentre sus energías más en la actuación ha tenido variados aciertos y ha revitalizado una propuesta por un cine alejado de manierismos y exageraciones.

[2] Estuvo en la terna de mejor película extranjera en los Oscares de 2007.

Margot at the wedding (Noah Baumbach/2007)

2008-03-05T10:05:00.000-05:00

Dirección:Noah Baumbach.
Reparto: Nicole Kidman (Margot Zeller), Jennifer Jason Leigh (Pauline), Zane Pais (Claude), Jack Black (Malcolm), John Turturro (Jim), Ciarán Hinds (Dick Koosman), Halley Feiffer (Maisy Koosman).
Guión: Noah Baumbach.
Productor: Scott Rudin.Fotografía: Harris Savides.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Ann Roth.

Sinopsis

Las hermanas Zeller no se han visto por mucho tiempo, pero la boda de una de ellas parecerá ser la ocasión adecuada para hacerlo.

Sobre el film

Este es el segundo film de Noah Baumbach[1], que hace un par de años escribió y dirigió The Squid and the Whale[2]. Nuevamente se introduce en el mundo que conoce de primera mano, el de los intelectuales de la costa este, de las prestigiosa universidades de la Ivy League[3], o de los que se sienten acomplejados y frustrados por no serlo. Muchos de ellos escritores, con una gran habilidad para describir con dramatismo y sensibilidad la tragedia humana, pero incapaces de reconocer y enfrentar la propia. Este es el caso de Margot Zeller (una estupenda Nicole Kidman) que ve en casi todos, el autismo que nadie ha podido diagnosticar en ella.

Y es que si usualmente se cree que el autista no tiene sentimientos, lo real es que en muchos casos su problema reside en su incapacidad de poder comunicarlos, de hacerlos sentir a los otros. Margot la escritora, no tiene problemas para llevar a sus lectores a través de los dramas silentes y complejos de sus personajes, llenos de contradicciones y carentes por completo de una catarsis final. Pero es incapaz de no tener una relación pasivo agresiva con su hijo, que por su parte la adora e intenta ser siempre de su agrado.

Y de algún modo el relato del propio Baumbach se asemeje a los rasgos de su protagonista. Quien se encuentra alejado del final cerrado o que intenta ser concluyente, apuesta por el contrario a dejar en suspenso la acción, absteniéndose por completo de llenar los vacios que el mismo ha creado en su espectador.

No queremos dejar de ecribir unas líneas sobre la fotografía, la cual sin duda va de acorde al film. Crea la sensación adecuada en cada momento. Es como un otoño proyectado en la vida de los personajes, pues acentúa los matices de sequedad, de agotamiento, de cansancio. No dudamos que la crítica planteara las deudas de Baumbach, con el cine de Bergman, Rohmer y Allen (nos referimos al Allen más cercano a Bergman justamente) pero para nosotros lo cierto es que Baumbach está acentuado y depurando su estilo.

Para finalizar nos gustaría apuntar que Baumbach, como Anderson, Hedges, entre muchos otros, son la apuesta de un cine norteamericano intimista (ciertos críticos lo han denominado “europeizado”). Un cine que se inclina por los relatos cortos y de emociones contenidas, con la cámara sumamente cerca de sus actores, distante de la pretensión de los relatos fundacionales y grandilocuentes. Es un cine que muchas veces pasa desapercibido, por su pretensión y ambición en apariencia menor, pero que para nosotros representan las apuestas más interesantes y cuidadas del cine norteamericano actual.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Conocido por colaborar con Wes Anderson en el guión de The Life Aquatic with Steve Zissou (conocida en nuestro medio como Vida Acuática).
[2] Conocida en nuestro medio como, El Calamar y la Ballena.
[3] Es una liga deportiva formada por ocho universidades del Noreste Norteamericano, cada una de ellas reconocidas por su alto nivel académico y de prestigio social.

La Visita de la Banda/BIKUR HATIZMORET (Eran Kolirin/2007)

2008-03-05T09:49:00.000-05:00

Dirección: Eran Kolirin.
Reparto: Sasson Gabai (Tewfiq), Ronit Elkabetz (Dina), Saleh Bakri (Haled), Khalifa Natour (Simon), Imad Jabarin (Camal), Tarak Kopty (Iman), Hisham Khoury (Fauzi), François Khell (Makram), Eyad Sheety (Saleh), Shlomi Avraham (Papi).
Guión: Eran Kolirin .
Productores: Elion Ratzkovsky, Ehud Bleiberg, Yossi Uzrad, Koby Gal-Raday y Guy Jacoel.Fotografía: Shai Goldman.
Música: Habib Shehadeh Hanna.
Editor: Arik Lahav Leibovitz.
Vestuario: Doron Ashkenazi.

Sinopsis

Una pequeña banda policial egipcia llega por una confusión idiomática a un pequeño pueblo en Israel. Perdidos y sin dinero, apelaran a la hospitalidad de los habitantes

Sobre el film

Podríamos hablar de la influencia de cineastas como Aki Käurismaki o Abbas Kiarostami, para la composición y realización de este film. O que nos hace recordar un film como Whisky de los uruguayos Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll. Pero poco interesados en las comparaciones y las referencias, nos limitamos a hablar de la sorpresa y lo placentero que es poder tener la oportunidad de ver films como este. Sencillo, nada pretensioso, pero lleno de momentos alegres, dramáticos, de silencios y de risas, de problemas idiomáticos y culturales, así como de total claridad y comprensión.

El film nos atrapa por completo, es de una sencillez que realmente abruma. No intenta ir más allá de lo que se ha propuesto y eso, que puede parecer poco, para nosotros es algo que hay que valorar y saber apreciar. La música es nota aparte, no solo acompaña, sino que ayuda a reforzar esa sensación dulce amarga que hay en todo el film. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)

2008-02-18T18:53:00.000-05:00

In the valley of Elah (Paul Haggis/2007)
Dirección: Paul Haggis.
Reparto: Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), Charlize Theron (detective Emily Sanders), Frances Fisher (Evie), Susan Sarandon (Joan Deerfield), James Franco (sargento Dan Carnelli), Jonathan Tucker (Mike Deerfield), Jason Patric (teniente Kirklander), Josh Brolin (Buchwald), Wes Chatham (cabo Penning), Jake McLaughlin (Gordon Bonner), Mehcad Brooks (Ennis Long).
Guión: Paul Haggis; basado en un argumento de Paul Haggis y Mark Boal.
Productores: Paul Haggis, Patrick Wachsberger, Steven Samuels, Darlene Caamaño Loquet y Laurence Becsey.
Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Mark Isham.
Editor: Jo Francis.
Vestuario: Lisa Jensen.

Sinopsis

Hank Deerfield es un veterano de la guerra de Vietnam, que al enterarse que su hijo Mike (un soldado que acaba de regresar de Irak) ha desaparecido, hará todo lo que este a su alcance para encontrarlo.

Sobre el film

Luego de su reputado y premiado Crush, Paul Haggis se tomo un tiempo para decidir su nuevo proyecto este es In the valley of Elah. Nombre que nos remite al lugar en que (1 Samuel 17:19) un joven David venció a Goliat. La referencia bíblica será un elemento sobre el cual Haggis buscara discurrir durante todo el film.

La actuación de Tommy Lee Jones (Hank Deerfield), le da el soporte necesario a la historia, sin un actor como él, el viaje que propone este film sería difícil de seguir. Además hay que resaltar las interpretaciones de Charlize Theron (como una detective y madre soltera) y la más corta pero no por ello con menos importancia de Susan Sarandon, que con unas pocas escenas logran mantener su presencia durante todo el film. Precisamente su actuación enfrenta al personaje de Tommy Lee Jones a asumir las consecuencias de las acciones tomadas.

In the valley of Elah, nos habla de la paternidad, y el rol que está cumple, pero además del modo en que encubrimos nuestras acciones en valores y principios que vistos de cerca están muy lejos de representar aquello en que creemos. Un film que sin duda hay que ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

JUNO (Jason Reitman /2007)

2008-02-18T18:47:00.000-05:00

JUNO (Jason Reitman /2007)
Dirección: Jason Reitman.
Reparto: Ellen Page (Juno Mac Guff), Michael Cera (Paulie Bleeker), Jennifer Garner (Vanessa Loring), Jason Bateman (Mark Loring), Allison Janney (Bren MacGuff), J.K. Simmons (Mac MacGuff).
Guión: Diablo Cody.
Productores: Joseph Drake, Daniel Dubiecki.Fotografía: Eric Steelberg.
Música Original: Matt Messina
Editor: Dana E. Glauberman.
Vestuario: Maria Bradley.

Sinopsis

Juno es una chica de dieciséis años, que sale embarazada de su mejor amigo. Ante esta situación intentara que este hecho no afecte su vida, cosa que será difícil de que ocurra.

Sobe el film

Juno[1] para los romanos era la esposa de Júpiter, pero además detentaba el cargo de diosa de la maternidad y del matrimonio. Así que algo de ironía por decir lo menos, tiene el titulo escogido por Reitman, para su film.

Film que conecta a pesar de lo apática que puede llegar a ser su protagonista. La embarazada por momentos pareciera ser cualquier otra menos que ella, y tal vez en este aspecto este la clave del film, en la negación constante de su situación, pues Juno desea cualquier cosa menos estar en estado. Pues detrás de su aspecto irónico y contestatario Juno aún no sabe que desea para su vida, y menos que es lo mejor para la vida de su bebé.

Es la sensación de desorientación la que de algún modo llena el film, tanto por parte de los adolescentes como de los adultos. Y es que, nadie tiene claro que hacer o que decir en una situación como esta. Tal vez ahí la razón de lo sugerente de este film, que escapa y rehúye la labor de agente moderador del buen proceder, pues nadie tiene la respuesta correcta, solo se puede optar y decidir, y asumir las consecuencias de nuestras acciones.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] La poderosa enemiga de Eneas en la Eneida. Capaz de todo para destruir al Troyano.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)

2008-02-18T18:20:00.000-05:00

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford (Andrew Dominik /2007)
Dirección: Andrew Dominik.
Reparto: Brad Pitt (Jesse James), Casey Affleck (Robert Ford), Sam Shepard (Frank James), Mary-Louise Parker (Zee James), Paul Schneider (Dick Liddil), Jeremy Renner (Wood Hite), Zooey Deschanel (Dorothy), Sam Rockwell (Charley Ford), Garret Dillahunt (Ed Miller).
Guión: Andrew Dominik; basado en la novela de Ron Hansen .
Productores: Brad Pitt, Dede Gardner, Ridley Scott, Jules Daly, Brad Grey y David Valdes.Fotografía: Roger Deakins.
Música Original: Nick Cave y Warren Ellis.
Editor: Dylan Tichenor y Curtiss Clayton.
Diseño de producción: Patricia Norris.

Sinopsis

La banda formada por los hermanos James, la cual asolo Kansas por más de una década, se encuentra en sus momentos finales y con ella su miembro más emblemático, Jesse James.

Sobre el film

Jesse James es uno de los iconos del lejano oeste, de esa gran pléyade de delincuentes que se formaron luego de la guerra civil norteamericana. Su fama está ligada sin duda al crecimiento de la prensa en su país. Prensa para la que James representaba una suerte de espíritu libre y romántico, un Robin Hood sureño, que se levantaba y revelaba ante el opresor del norte. Pero con los años el propio James no puede vivir con su propia fama, con la persona pública que ha sido magnificada por los medios.

Esta es la premisa sobre la que se construye el film de Andrew Dominik, con un antihéroe con problemas de depresión, neurótico y ya cansado de todo. Alejado de todo romanticismo y heroísmo. Ese es el mundo en la que la actuación sobria y contenida de Pitt nos logra introducir. Y a la que se contrapondrá la figura atolondrada de Robert Ford (Casey Affleck[1]).
Ford que desciende del legado de Bruto[2], vive en constante cambio entre la fascinación por su ídolo y el pavor que este origina en él, pues la figura del héroe vista de cerca se diluye de tal modo que solo queda el hombre.

The assassination of Jesse James by the coward Robert Ford, es un relato que ha sido denominado por parte de la crítica como western crepuscular[3] y que a nuestro entender es una balada que ronda la soledad y la obsesión, y que rompe con el arquetipo del héroe silente y seguro de sí mismo, y que nos lleva a través del caos de un hombre enfrentado a su pasado y a la soledad de su presente. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] En una interpretación impecable.
[2] Bruto se creía merecedor de elogio por matar a un tirano, la historia le ha legado el papel de un cobarde traidor.
[3] Está denominación la reciben aquellos films que centran su mirada en las historias de guerreros agotados, hastiados de todo y de todos. Pero que aún logran encontrar una razón o alguna causa, que los reencuentre con sus armas y que de algún extraño modo le den sentido tanto a su vida como a su lucha.

We own the night (James Gray /2007)

2008-02-17T23:55:00.000-05:00

We own the night (James Gray /2007)
Dirección: James Gray.
Reparto: Joaquin Phoenix (Bobby), Mark Wahlberg (Joseph), Eva Mendes (Amada), Robert Duvall (Burt).
Guión: James Gray.
Productores: Marc Butan, Joaquin Phoenix, Nick Wechsler y Mark Wahlberg.Fotografía: Joaquín Baca-Asay.
Editor: John Axelrad.
Vestuario: Michael Clancy.

Sinopsis

A finales de los ochenta, Bobby Green (Joaquin Phoenix) maneja el mejor club de Brooklyn y trabaja para gente relacionada a la mafia rusa. Pero Bobby oculta que es hijo del jefe de policía de Nueva York, posición que lo llevara a tener que decidir de qué lado de la acera está.

Sobre el film

We own the night, es el tercer film de James Gray, el cual ha recibido comentarios mixtos por parte de la crítica[1]. Film que continúa la temática de sus dos primeras obras (Little Odessa y The Yards), la familia, Nueva York y la delincuencia.

El film sin duda se construye sobre las geniales actuaciones de Phoenix, Duvall y Wahlberg, que si bien son conocidos por la fuerza que le imprimen a sus interpretaciones (llenas de intensidad y furia), sus mejores momentos son los de rabia contenida, con actuaciones que se forman más en la no acción, permitiendo así mostrar el desarrollo del proceso interno de los personajes.

Si bien se puede acusar por momentos de moralista al film, creemos que la temática va más allá del clásico enfrentamiento del bien con el mal o hallar la forma correcta de actuar. Por el contrario, se centra en el modo en que un acto puede introducir una inequidad en la vida de una persona y transformarla de tal modo que la destruya por completo, hasta llegar a un punto en que no hay retorno.

We own the night, es una historia llena de sutilezas, que sin duda hay ver. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Se comento mucho los abucheos que recibió durante su exhibición en la última edición del festival de cine de Cannes.

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

2008-02-02T12:21:00.000-05:00

Deux Jours à Paris (Julie Delpy/2007)

Dirección: Julie Delpy.
Reparto: Adam Goldberg (Jack), Julie Delpy (Marion), Daniel Brühl (Lukas), Marie Pillet (Anna), Albert Delpy (Jeannot), Alexia Landeau (Rose), Adan Jodorowsky (Mathieu), Alex Nahon (Manu), Vanessa Seward (Vanessa).
Producción: Christophe Mazodier, Julie Delpy y Thierry Potok.Guión: Julie Delpy.
Fotografía: Lubomir Bakchev.
Editor: Julie Delpy.
Música Original: Julie Delpy.
Vestuario: Stephan Rollot.

Sinopsis

Una pareja acaba de cumplir dos años de relación. Ella es Francesa y el Norteamericano, y luego de unas vacaciones en Venecia deciden terminar su viaje pasando un par de días en Paris.

Sobre el film

Las relaciones humanas y en especial las de pareja, siempre serán un espacio perfecto para el ensayo, y la reflexión. Y eso nos trae en su nueva incursión en el cine, la genial Julie Delpy. Film que no solo a escrito y dirigido, sino que ha editado, producido y compuesto música para el[1].
Una película sencillamente deliciosa, Delpy tiene la capacidad e llevarnos a través de la neurosis, miedos y contradicciones de sus personajes, pero alejada de todo patetismo. Utiliza la risa y la ironía para evitar la densidad de la crítica sobre nuestra propia humanidad. Es decir, es mejor reírse de ella que lamentarse. No intenta construir una batalla de los sexos ni una confrontación entre dos culturas, es sencillamente sumergirse en de qué modo enamorarse es algo por lo que siempre apostamos, después de malas y terribles decepciones, lo que no dejamos de buscar es el amor.

Hay mucho más que decir de este film, pero nosotros llegamos hasta aquí, no dudamos, que se hablara de las deudas de Delpy con el cine de Woody Allen o con el de Rhomer. Pero lo cierto es que Delpy entretiene, enternece, conmueve, y poder hacer eso en un film, es decir bastante. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Tal vez un modo (algo caro, por cierto) de hacer terapia. Un dato aparte es que los actores que interpretan a los padres de Marion (Julie Delpy) son los propios padres de Delpy.

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)

2008-02-02T12:03:00.000-05:00

I'M NOT THERE (Todd Haynes /2007)
Dirección: Todd Haynes.
Reparto: Heath Ledger (Robbie), Christian Bale (Jack/John), Richard Gere (Billy), Cate Blanchett (Jude), Julianne Moore (Alice), Charlotte Gainsbourg (Claire), Michelle Williams (Coco).
Guión: Todd haynes y Oren Moverman.Productores: Christine Vachon y Jeff Rosen.Fotografía: Ed Lachman.
Editor: Jay Rabinowitz.
Vestuario: John Dunn.

Sinopsis

Una vida, y muchas historias por contar. Todas inspiradas en la música y vida de Bob Dylan.

Los pequeños heterónimos de Bob

Utilizamos la palabra heterónimo[1], como lo entendía Pessoa[2], con quien adquiere el cariz de referirse a un otro yo, pero no solo otro yo, sino que es un otro yo, con una historia de vida propia.

Y crear heterónimos es lo que hace Todd Haynes[3] en esta película. Pues I´m not there, es un genial intento de contar la vida y la influencia de Bob Dylan, en la música, así como en la vida de muchas personas. Pues Haynes, en vez de apostar por el biopic clásico, que tiene como premisa revelar o recrear incidentes en la vida de los personajes (contar sus secretos, sus lados ocultos, sus ascensos y caídas), nos lleva a través de pequeñas historias, y canciones a contarnos de decepciones, mentiras, promesas, ilusiones, que muchos de nosotros sufrimos.
Dylan el individuo público, como nos recuerda el título del film, no se encuentra en esa Dramatis Personae, en esa mascara que compone diversos personajes. Dylan y su historia si esta en algún lugar es en sus canciones, y en la posibilidad que estas nos brindan a cada uno de nosotros de poner una banda sonora de nuestras vidas. De más está decir que la música es excelente y que va de la mano con cada historia del film. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Que funciona para designar a dos palabras que se contraponen pero que provienen de raíces gramaticales diferentes
[2] El propio Pessoa tenía diversos heterónimos, como Álvaro de Campos, Alberto Caeiro, entre otros. Cada uno con una hoja de vida, un carácter, un temperamento y un gusto completamente distinto.
[3] Es el director de Far From Heaven (Lejos del Cielo).

IN THE LAND OF WOMEN (Jonathan Kasdan /2007)

2008-02-02T11:54:00.000-05:00

IN THE LAND OF WOMEN (Jonathan Kasdan /2007)
Dirección: Jonathan Kasdan.
Reparto: Adam Brody (Carter Webb), Meg Ryan (Sarah Hardwicke), Kristen Stewart (Lucy Hardwicke), Olympia Dukakis (Phyllis), Makenzie Vega (Paige Hardwicke), Dustin Milligan (Eric Watts), Clark Gregg (Nelson Hardwicke), Elena Anaya (Sofía Buñuel), Jobeth Williams (Agnes Webb), Ginnifer Goodwin (Janey).Producción: Steve Golin y David Kanter.
Guión: Jonathan Kasdan.
Productores: Steve Golin y David Kanter.Fotografía: Paul Cameron.
Editor: Carol Littleton.
Vestuario: Trish Keating.

Sinopsis

Carter Webb (Adam Brody) es un joven escritor que acaba de ser dejado por su novia y tiene problemas con su trabajo. Por lo cual decide visitar a su abuela, quien vive en una pequeña comunidad urbana de Michigan.

Sobe el film

In the land of women, es un film intimista que intenta reflejar la constante transición que implica nuestras vidas. Tal vez exagere con la confrontación entre la juventud y la presencia de la muerte, así como con la moraleja de que pese a todo no hay como estar vivo. Pero recrea muy bien la necesidad de colocar barreras entre nosotros y el mundo que nos rodea. Es más sencillo dar la espalda que afrontar, o tal vez la única forma de afrontar algo sea primero huir para comprender de que se está huyendo en realidad.

Los aciertos del film creemos que residen en la simplicidad y sinceridad de la historia, así como en la necesidad del director, por intentar de acercarnos a la fascinación que siente por las mujeres y su mundo. Tal vez no parezca ser mucho, pero en un Hollywood carente de historias, es decir ya algo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Atonement (Joe Wright/2007)

2008-01-18T12:25:00.000-05:00

Atonement (Joe Wright/2007)
Dirección: Joe Wright.
Reparto: Keira Knightley (Cecilia Tallis), James McAvoy (Robbie Turner), Saoirse Ronan (Briony Tallis con 13 años), Romola Garai (Briony Tallis con 18 años), Vanessa Redgrave (Briony Tallis anciana), Brenda Blethyn (Grace Turner), Juno Temple (Lola), Patrick Kennedy (Leon Tallis), Benedict Cumberbatch (Paul Marshall).
Guión: Christopher Hampton; basado en la novela Atonement de Ian McEwan.Productores: Tim Bevan, Eric Fellner y Paul Webster.Fotografía: Seamus McGarvey.
Editor: Paul Tothill.
Vestuario: Jacqueline Durran.

Sobre el film
Es muy poco lo que podemos decir de este film sin revelar algo de la historia, pero lo que si podemos decir (buscando ciertamente incentivar las expectativas del espectador) es que sin lugar a duda este film atrapa por su ritmo, la manera en que se nos introduce en la historia impide que perdamos o apartemos la atención de ella. La fotografía es de un cuidado y de una maestría realmente valiosa, desde el primer cuadro se nos hace presente que los colores y la luz serán una presencia constante durante la película. Más que meros elementos de estimulo, encierran en ellos mismos, símbolos que complementan el film. Así que solo nos queda añadir, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

4 Meses, 3 Semanas y 2 días (Cristian Mungiu /2007)

2008-01-05T22:15:00.001-05:00

4 Meses, 3 Semanas y 2 días (Cristian Mungiu /2007)

Dirección: Cristian Mungiu.
Reparto: : Anamaria Marinca (Otilia), Laura Vasiliu (Găbiţa), Vlad Ivanov (Sr. Bebe), Alexandru Potocean (Adi), Luminiţa Gheorghiu, Adi Carauleanu (Radu), Liliana Mocanu, Tania Popa, Teo Corban, Cerasela Iosifescu, Doru Ana.
Guión: Cristian Mungiu.Productores: Oleg Mutu y Cristian Mungiu.
Fotografía: Oleg Mutu.
Editor: Dana Bunescu.
Vestuario: Dana Istrate.

Sinopsis

Son los últimos años del comunismo en Rumania, la escases es grande así como la represión que sufren sus ciudadanos. En un mundo en que todo se negocia en el mercado negro, dos amigas intentarán todo, para resolver el problema que aqueja a una de ellas.

Sobre el film

4 meses, 3 semanas y 2 días, ganadora del la palma de oro en el último festival de cine de Cannes, es un film en apariencia sencillo, que inicia de manera confusa, pero con el fin de introducirnos a ese caos que era los últimos años del comunismo en Rumania. La necesidad, la escases sea hacen latentes en cada cuadro del film, así como la habilidad de las personas para sobrevivir y agenciarse lo que necesitan.

Este es el caso de Otilia y Găbiţa (ambas son migrantes de provincia y provienen de familias humildes), amigas y compañeras de cuarto en un politécnico, que dentro de la adversidad que sufre una de ellas, deberán afrontarlas juntas. Otilia y Găbiţa, se encuentran rodeadas de gente, pero solo se tienen una a la otra, no existe nadie más que acuda a ayudarlas, y es en esa desesperanza en que nos sumerge el film, esa es la habilidad del director Cristian Mungiu, para colocarnos de lleno en la desesperación de estas dos mujeres, que de algún modo son una. Dos rostros de una misma desesperanza. Sencillamente imprescindible.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

El Detective (Oxide Pang Chun/2007)

2008-01-05T22:11:00.001-05:00

El Detective (Oxide Pang Chun/2007)
Dirección: Oxide Pang Chun.
Reparto: Aaron Kwok (Tam), Kai Chi Liu (Chak), Fui-On Shing (Lung), Tak-bun Wok (Hung), Yiu-Cheung Lai (Wing), Siu-Ming Lau(Tío cheung), Natthasinee Pinyopiyavid (Sum).
Guión: Oxide Pang Chun, Thomas Pang.
Música: Jadet Chawang, Payont Permsith.
Productores: Oxide Pang, Danny Pang..
Fotografía: Decha Srimantra.
Editor:

Sinopsis
Tam (Aaron Kwok) es un torpe detective que se obsesiona con resolver un caso. Y al hacerlo encontrara más de lo que podía imaginar.

Los Hermanos Pang
Los gemelos Pang (Danny[1] and Oxide) más conocidos por sus films de terror (caso de The Eye, y sus secuelas[2]) también han realizado proyectos realizados con el género criminal (historias de mafias y corrupción). Este es el caso de El Detective, que es un proyecto en solitario de Oxide.

Sobre El Detective
Historia contada en buen ritmo y en clave de film noir, que recoge trama de otros géneros (terror, comedia, acción, etc), lo que por momentos la hace interesante, pero que finalmente la vuelve muy confusa. Lo que no implica que no sea una buena opción para ver un film que si bien juega mucho con los efectos de edición para crear suspenso, hay que reconocerle que intenta mostrar algo diferente en todo momento.
Lo que no se puede negar es que el film entretiene y sirve como muestra de que se esta haciendo en tema de imagen, edición y manejo de personajes, en el cine de corte más comercial asiático.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Fue el editor de la trilogía Internal Affairs, film del cual hizo un remake Scorsese (Los infiltrados).
[2] Hay que decir que The Eye pronto tendrá el estreno de su remake hecho en Hollywood. Así como otros proyectos suyos (caso de Bangkok Dangerous).

The Great Debaters (Denzel Washington/2007)

2008-01-05T22:04:00.000-05:00

The Great Debaters (Denzel Washington/2007)
Dirección: Denzel Washington.
Reparto: Denzel Washington (Melvin B. Tolson), Forest Whitaker (Dr. James Farmer, Sr.), Kimberly Elise (Pearl Farmer), Jurnee Smollett (Samantha Booke), Gina Ravera (Ruth Tolson), Denzel Whitaker (James Farmer, Jr.), Nate Parker (Henry Lowe).
Guión: Suzan Lori Parks, Robert Eisele.Productores: Oprah Winfrey, Denzel Washington, Joe Roth.Fotografía: Philippe Rousselot
Editor: Hughes Winborne.
Vestuario: Sharen Davis.

Sinopsis

Es la década del treinta en Estados unidos, la depresión arrecia y la discriminación en el sur es cosa de todos los días. Un grupo de estudiantes de una universidad Afroamericana, a través de su grupo de debate, intentaran no solo debatir con aquellos que están ya de acuerdo con ellos, sino de convencer a los que aún no lo están.

Sobre el film

Esta es la segunda oportunidad que Denzel Washington, dirige un film (la primera vez fue el Biopic Antwone Fisher) y nuevamente intenta que la mirada se centre en el historia, más que en su presencia como realizador.

The Great Debaters, si bien está basada en hechos reales, trabaja y mucho con la ficción para colocar la mirada sobre temas que el propio estados unidos evita hablar en su vida diaria, tales como la desobediencia civil, la libertad de expresión y de pensamiento. Así como la necesidad del desarrollo de una cultura de la diferencia, lo que impliqua una sociedad mucho más inclusiva.
Si bien se puede acusar al film de empalagoso y moralista, sin duda ayuda a recordar y a no olvidar lo importante que se ha ganado en lo que respecta a derechos humanos y lo mucho qué falta por hacer.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

VITUS (Fredi M. Murer /2006)

2008-01-05T22:00:00.000-05:00

VITUS (Fredi M. Murer /2006)
Dirección: Fredi M. Murer
Reparto: : Fabrizio Borsani (Vitus, 6 años), Teo Gheorghiu (Vitus, 12 años), Julika Jenkins (Madre), Urs Jucker (Padre), Bruno Ganz (Abuelo), Eleni Haupt (Luisa), Kristina Lykowa (Isabel, 12 años), Tamara Scarpellini (Isabel, 19 años), Daniel Rohr, Norbert Schwientek (Sr. Hoffmann), Heidy Forster (Gina Fois), Daniel Fueter (Director).
Guión: Peter Luisi, Fredi M. Murer y Lukas B. Suter.
Productores: Christian Davi, Christof Neracher y Fredi M. Murer.Música: Mario Beretta.Fotografía: Pio Corradi.
Editor: Myriam Flury.
Vestuario: Sabine Murer.

Sinopsis

Vitus es un niño prodigio. Con un gran don para la música, pero eso que para todos es un don, para él se convertirá en una carga difícil de llevar.

Sobre Vitus

Sin duda Vitus se encuentra en esa larga lista de films que intentan ver lo mejor de la vida. Con una moraleja al final y una sonrisa al ver que todos los sueños son posibles. Pero que es el cine sino un gran oportunidad de soñar, de convencerse por un par de horas que las cosas pueden ser diferentes.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Eastern Promises (David Cronenberg/2007)

2007-12-26T11:51:00.000-05:00

Eastern Promises (David Cronenberg/2007)
Dirección: David Cronenberg.
Reparto: Viggo Mortensen (Nikolai Luzhin), Naomi Watts (Anna Khitrova), Vincent Cassel (Kirill), Armin Mueller-Stahl (Semyon), Sinéad Cusack (Helen), Jerzy Skolimowski (Stepan).Guión: Steve Knight.
Música: Howard Shore.
Productores: Paul Webster y Robert Lantos.
Fotografía: Peter Suschitzky.
Editor: Ronald Sanders.
Vestuario: Denise Cronenberg.

Sinopsis

Ana (Naomi Watts) es una obstetra que intenta descubrir a través del diario de una paciente muerta algún dato que la lleve a descubrir a la familia de esta. El diario la llevara a conocer más de lo que esperaba.

El rostro del mal

Cronenberg quien se cuestiona usualmente por la violencia y su sentido, nos trae en esta ocasión una historia que cuestiona el sentido de demarcar la línea que separa el bien y el mal. En clave de film noir, nos presenta ese otro mundo, ese que existe en paralelo al que todos observamos. El de comunidades estamentales, patriarcales, en que el orden y lo correcto se encuentra muy bien delimitado. Lo que para otros es una acción irracional o inhumana, leída desde los códigos de otros, es lo más común o lo necesario por hacer.

Con actuaciones muy cuidadas, como las de Vigo Mortensen (que hacer acordar en algo a la de Ed Harris en Una Historia de Violencia) y de Mueller-Stahl, el film nos va introduciendo de a pocos a un orden distinto, en el que nos es evidente que el mal está presente, pero sin duda Cronenberg, hace que este sea atrayente e incluso imponente.

Además parece disfrutar haciéndonos ver que la maldad no reside en el monstruo, en la bestia irracional, sino que está en el hombre más común, de rostro más amble y de modales más delicados. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Cashback (Sean Ellis/2006)

2007-12-26T11:37:00.000-05:00

Cashback (Sean Ellis/2006)
Dirección: Sean Ellis.
Reparto: Sean Biggerstaff (Ben Willis), Emilia Fox (Sharon), Shaun Evans (Sean), Michelle Ryan (Suzy), Stuart Goodwin (Jenkins), Michael Dixon (Barry), Michael Lambourne (Matt), Marc Pickering (Brian), Nick Hancock (Rory).
Guión: Sean Ellis.
Música: Guy Farley.
Productores: Lene Bausager y Sean Ellis.
Fotografía: Angus Hudson.
Editor: Scott Thomas y Carlos Domeque.
Vestuario: Victoria Russell.

Sinopsis

Ben está culminando su carrera de Arte, y acaba de terminar una relación amorosa que le ha provocado un insomnio severo, razón que lo lleva a buscar aprovechar las horas que le sobran trabajando en el horario nocturno de un supermercado.

Sobre Cashback

El director Sean Ellis, presento en el 2004 un corto titulado Cashback[1], el cual gano diferentes premios, entre ellos el del festival de Tribeca en New York. Impulsado por la buena acogida de su film, se decidió a alargarlo, y utilizar cada cuadro de su corto e incluirlos en su nuevo proyecto, así nace Cashback la película.

Atrapado por la luz

Ellis utiliza una fotografía cuidada, a través de la iluminación que brinda un espacio como el de un supermercado. Mezcla música de clásica, con una edición que podría denominarse efectista, pero que sin duda logra lo que intenta, que disfrutemos de la mezcla. Y que mejor espacio para descubrir la belleza que en el de la cotidianidad, en una época que se cuestiona (creemos que demasiado) los limites de aquello que es arte o no, aquello que es bello o no. Es refrescante poder regresar a una mirada estética, entendida esta en su sentido griego de "aisthesis", esto es, percepción del mundo a partir de los sentidos, y la relación que esta tiene con la creación, con la poíesis. Percepción y creación van de la mano, lo que connota en nosotros, lo que deja huella, será lo que busquemos expresar, comunicar.

La Belleza, el tiempo y un cuerpo de mujer

La belleza ha sido un tópico sobre el que se ha escrito, se ha dicho y se ha hecho mucho. Y, sin duda, dentro de ese tópico el cuerpo de mujer ha tenido un rol singular. En el caso de Ben (Sean Biggerstaff), es lo que lo llevara a encontrar en él aquello que lo deja absorto, aquello que le permite comunicarse con los otros.

Pues Ben, tiene una obsesión con contemplar (para ser más específicos, detener el tiempo en la mente, abstraerse del mundo por completo) no solo naturaleza muerta, sino por imaginar a las mujeres desnudas, y recorrer sus formas a través de su imaginación. Si bien pareciera ser que se cuenta la historia de un pervertido, en el caso de Ben podríamos decir que no es el caso, el solo intenta confrontarse a la belleza que tiene en su delante, tratar de sacar lo más que pueda de la experiencia que lo deja abstraído del mundo[2]. Belleza que le da sosiego y calma, pero que a la vez lo obsesiona y atrapa. Y es que Ben más que parecerse a Casanova o Henry Miller, que ven en cada mujer a la anterior y a la siguiente, cada mujer es el esbozo, el borrador de la mujer que busca, que desea encontrar, pero hará falta de paciencia y calma el poder encontrarla. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Les adjunto la dirección para que vean el corto http://www.youtube.com/watch?v=xTG7u1R6cUQ.
[2] Experiencia que finalmente es la que lo vuelve a comunicar y conectar con el mundo.

Rescate al amanecer (Werner Herzog/2006)

2007-12-14T13:02:00.000-05:00

Rescate al amanecer (Werner Herzog/2006)
Dirección: Werner Herzog.
Reparto: Christian Bale (Dieter Dengler), Steve Zahn (Duane), Marshall Bell (almirante), Jeremy Davies (Gene), Pat Healy (Norman), Toby Huss (Spook), Evan Jones (Lessard).
Guión: Werner Herzog.
Música: Klaus Badelt.
Productores: Steve Marlton, Elton Brand y Harry Knapp.
Fotografía: Peter Zeitlinger.
Editor: Joe Bini.
Vestuario: Annie Dunn.

Sinopsis

Dieter Dengler (Christian Bale) es un alemán nacionalizado norteamericano, que en su primer vuelo de combate cae derribado en la selva de Vietnam.

Seres posesos

Quien mejor que Herzog para confrontar al hombre y la selva[1], para relatarnos una historia de supervivencia en una situación extrema. Herzog que está acostumbrado a utilizar personajes reales (Aguirre, Fitzcarraldo, Da Silva) historias de posesos, de seres obsesionados con una idea, individuos monotemáticos como él mismo. Historias de hombres que parecieran estar en post de poder, fama o gloria, pero que finalmente lo que intentan realmente es colocarse a sí mismo en la situación más hostil, para saber de que están hechos.

Bale, da una estupenda actuación, interpretando a este soldado obsesionado con regresar a casa, con escapar de la selva y recobrar su vida. Pero obsesionado sobre todo por saber quién es y que es capaz de soportar.

Ya los Griegos hablaban de lo sorprendente (y porque no añadir ambiguo) de la condición humana, esa capacidad para dominar y transformar la naturaleza, pero al mismo tiempo encontrarse a merced de ella. Y es que Herzog pareciera decirnos que en ese mundo de la naturaleza se invierte el orden del mundo, lo racional se vuelve blando, vacio, pierde forma y contenido, solo la obsesión, la locura se amolda a la naturaleza, de modo que se uno busca adaptarse a ella o incluso intentar doblegarla, deberá ser un verdadero poseso. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Solo la naturaleza, lo salvaje, ofrece el marco en que se pueden concebir los personajes de Herzog.

3:10 TO YUMA (James Mangold/2007)

2007-11-20T12:16:00.000-05:00

3:10 TO YUMA (James Mangold/2007)
Dirección: James Mangold
Reparto: Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy), Vinessa Shaw (Emma Nelson), Alan Tudyk (Doc Potter), Luce Rains (Weathers), Gretchen Mol (Alice Evans).
Guión: Halsted Welles, Michael Brandt y Derek Haas; basado en un relato de Elmore Leonard.
Música: Marco Beltrami.
Productores: Cathy Konrad.
Fotografía: Phedon Papamichael.
Editor: Michael McCusker.
Vestuario: Arianne Phillips.

Sinopsis

Dan Evans (Christian Bale) es un ranchero pobre que no encuentra otra manera de conseguir el dinero para pagar su hipoteca, que conduciendo al peligroso pistolero Ben Wade (Russell Crowe) a un tren que lo lleve a la ciudad de Yuma a ser juzgado.

De pistolas y Coboyadas

Mangold (quien dirigió el Biopic de Johnny Cash) nos trae en esta ocasión un Western que le hace honor al género. Y esto es algo sin duda difícil de afirmar. El Western (o coboyada como lo conocemos en nuestro medio), es un género de larga data en los estados unidos. Sus historias y personajes están ligadas al cine norteamericano. Por lo cual contar algo que siga, mantenga y recree el género es algo poco usual de ver. Tal vez el film de Mangold no logre hacer estas tres cosas, pero de seguro cumple dos de ellas, veamos.

El honor es un tema recurrente en estos films, incluso los malos en muchos casos, reconocen y aprecian este bien. Y esto tal vez se pueda deber (entre otras razones) a que donde se desarrollan los western son territorios en que domina la fuerza y la violencia, con lo cual virtudes como la lealtad y la decencia son más que raros y extraños.

Otra característica que fue desarrollando el western fue la de pasar de protagonistas totalmente claros y diáfanos, es decir, un dechado de virtudes, al héroe silente, que lleva en los hombros el peso de un recuerdo, de una culpa[1]. Sin duda en ese desarrollo tuvo que ver el cine de Kurosawa, particularmente en su cinta Yojimbo (1961).

Mencionamos ambos elementos, pues creemos que están presentes en el film de Mangold, lo que no impide que llene la pantalla de peleas, pistolas y balas. Y una virtud fundamental del film es que nos tenga pegados al asiento durante las casi dos horas que dura (toda coboyada que se respete deber hacerlo), más que eso no se puede pedir, sin duda un film que no hay que dejar de ver.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.
[1] Incluso se habla del western existencialista. Con Sam Shepard como uno de sus representantes más importantes. Ver el comentario que hicimos hace unos meses sobre “Paris, Texas” de Wim Wenders. “Dead Man” de Jarmusch es otro claro ejemplo de este tipo de western. En años más recientes tenemos como ejemplo “Los tres entierros de Melquiades Estrada” dirigida por Tommy Lee Jones.

Dias de Gloria/Indigènes (Rachid Bouchareb /2006)

2007-11-08T02:44:00.000-05:00

Dias de Gloria/Indigènes (Rachid Bouchareb /2006)
Dirección: Rachid Bouchareb
Reparto: Jamel Debbouze (Saïd), Samy Naceri (Yassir), Roschdy Zem (Messaoud), Sami Bouajila (Abdelkader), Bernard Blancan (Martinez), Mathieu Simonet (Leroux), Benoît Giros (capitán Durieux), Mélanie Laurent, Antoine Chappey (coronel), Assaad Bouab (Larbi).
Guión: Rachid Bouchareb y Olivier Lorelle
Productor: Jean BréhatFotografía: Patrick Blossier.
Música: Armand Amar y Cheb Khaled.
Edición: Yannick Kergoat

Sinopsis

Es 1943, y Francia sufre la ocupación alemana por más de dos años. De Gaulle en Africa logra captar fuerzas provenientes de las colonias africanas (Senegal, Marruecos, Argelia, por dan algunos nombres) prometiéndoles la libertad e independencia si se logra liberar a Francia de la invasión alemana. Una guerra, un país, 4 hombres, y sus historias.

Kierkeggard y algo de historia

Se cree que la historia se construye solo con los grandes sucesos y las repercusiones que estos dejan. Que los cambios se originan y se consuman en este ámbito. Pero esos grandes sucesos y acontecimientos, se gestan se originan en la vida de cada sujeto, de cada individuo que interacciona con otros.

Si ante el sistema filosófico de Hegel, Kierkeggard desarrollo lo que llamo migajas filosóficas, del mismo modo, la microhistoria recoge esas migajas de la mesa de la historia y posa su mirada sobre ellas. Nos permite ver desde el caso particular, desde una historia personal, la conexión con todo el proceso. Podemos apreciar los valores, creencias y constructos que se hallan en nuestra sociedad. Ver que se esconde tras cada historia, es empezar a ver de qué modo nuestra sociedad ha ido cambiando, en lo político, en lo social, en lo cultural y económico. La caída de los grandes metarrelatos que expliquen de manera completa y total los diversos hechos que han acontecido en una sociedad hace más alentador el revalorar el caso particular, y lo que este nos ofrece en relación a poder desarrollar una comprensión más general de los hechos.

Es decir empezamos a vernos a nosotros mismos, como quienes construimos la historia, desde ella (desde nuestra historia particular) se inicia el relato que después construirá la “historia”, la que recuerda aquello que se debe recordar, la llamada historia oficial, desde la que además se tiende a construir la identidad[1]. Pero desde estas cuatro vidas, desde la mirada de cada uno de estos soldados, se nos abre la llamada historia no oficial, la que se cree no tiene relación con el relato que cuenta la historia, que no tiene relación con la construcción de identidad que esta última desarrolla.

Los Días de Gloria han llegado

Como dijimos, somos conscientes de que construimos relatos, desde el espíritu crítico de la memoria, que es una actividad que busca cotejar los diversos relatos, las diferentes memorias, intentando construir no un único relato, sino ver a la historia como formada por todos esos relatos. De ahí que el recordar, es decir el traer el recuerdo de algo muchas veces es un ejercicio difícil y complejo. Pero ¿cómo se hace para recordar algo que uno nunca supo que ocurrió?.

Algo de esto hay en Indigènes (que era el termino con el que se referían los franceses a las tropa provenientes de sus colonias africanas), en la manera en que nos introduce al sacrificio y a la lucha de estos hombres que murieron por Francia, y que luego esta no supo reconocer, ni recordar. Por eso el título del film (puesto por las distribuidoras) a pesar que pareciera remitir a una de esas películas de Hollywood en que todo es proeza y sacrificio y el estandarte americano esta flameando en la mente de todos, podemos leerla como una ironía que apela a la segunda estrofa del himno de Francia, la famosa Marsellesa dice así: el día de gloria ha llegado[2].

Pero con esta afirmación no buscamos hablar del heroísmo, ni del sacrificio, por el contrario el film más que intentar ser aleccionador o reivindicativo[3], es simplemente el día a día de hombres que intentan luchar por su dignidad. Por ello, nos acerca a sus miedos, a sus luchas, a sentirse totalmente solos en una tierra que les es desconocida, en la que deben pelar en dos flancos, con sus enemigos en el campo de batalla, pero en la retaguardia con sus jefes y la discriminación. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Al respecto podemos ver de Paul Ricoeur “La memoria, la historia, el olvido” (2004) y “Caminos del Reconocimeinto: Tres estudios” (2005).
[2] Todo el himno es la descripción de vejaciones sufridas por el pueblo. Lo irónico resulta que ese pueblo que lucho por la libertad, haya sido históricamente tan mezquino en lo que respecta a la libertad y dignidad de otros pueblos. Veamos las primeras líneas del himno.
Allons enfants de la Patrie, (Vamos hijos de la patriaLe jour de gloire est arrivé! El dia de gloria ha llegado.Contre nous de la tyrannie! Contra nosotros la tiraníaL'étendard sanglant est levé (bis) su estandarte ensangrentado ha levantado)
[3] Aunque habría que mencionar que al ser exhibida la película conmovió tanto a Chirac, que logro se activara una ley (aprobada en el 2002) que les devolvía a los combatientes de las colonias el derecho de recibir su pensión, la cual había sido congelada en 1959, debido al clima de independismo de muchas de las colonias francesas en África.

AMERICAN GANGSTER (Ridley Scott/2007)

2007-10-27T11:26:00.000-05:00

AMERICAN GANGSTER (Ridley Scott/2007)
Dirección: Ridley Scott
Reparto: Denzel Washington, Russell Crowe, Carla Gugino, Josh Brolin, Chiwetel Ejiofor, RZA, Ted Levine
Guión: Steven Zaillian
Productor: Brian GrazerFotografía: Harris Savides
Edición: Pietro Scalia

Sinopsis

Son los finales de los sesenta en los estados unidos, la inocencia y bienestar de los cincuenta están ya muy lejos, La idea de nuevo orden económico se impone, pero llega Fran Lucas a demostrar que en cosas relacionadas al poder no existen cosas nuevas.

Relatos de Fundación

American Gangster de Ridley Scott se encuentra en la tradición tan arraigada del cine norteamericano, de contar relatos iniciales, fundacionales. Historias sobre aquellos que siguieron y alimentaron el conocido sueño americano. Sueño que reza que cada hombre en base a su esfuerzo y sacrificio puede hacer efectiva su libertad. Pero estas historias llenas de orgullo y sacrificio no solo hablan de pequeños trabajadores que hacen realidad el sueño de la casa propia, o la reinvindicación del orgullo de su comunidad, las hay, de aquellos que no encontraron mejor manera de hacer un espacio y construir reconocimiento, a través de la fuerza y el dominio. Parece ser que si te aplastan y te acosan el único modo decente de devolverles el favor a tus agresores, es aplastándolos y acosándolos.

Valores Familiares

Frank Lucas (Denzel Washington) es un hombre de familia, es un hombre que ha sido educado con principios y valores claros. Para Lucas un hombre es aquel que se hace cargo tanto de él mismo como de los suyos. El va a llevar un paso más adelante todo lo que le enseñaron sobre respeto, integridad y moral.
Su contraparte el detective Richie Roberts (Russell Crowe), vive a su manera los mismos valores que Frank (honestidad e integridad). El busca como un solitario personaje de western, vivir a su manera dentro de un mundo que hace mucho, (si es que alguna vez lo hizo) dejo de valorar al hombre correcto.

Y es esta contraposición este juego de reflejos con el que juega Scott, mostrando descarnadamente, los valores y constructor culturales, en que se ha fundado una sociedad. Dos hombres convencidos que solo ellos pueden hacer las cosas distintas. Solo ellos pueden volver a imponer el orden, regresar al camino del cual su sociedad, alguna vez se alejo. A no perdersela

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

DAY NIGHT DAY NIGHT (Julia Loktev/2006)

2007-10-27T11:13:00.000-05:00

DAY NIGHT DAY NIGHT (Julia Loktev/2006)
Dirección: Julia Loktev.
Reparto: Luisa Williams, Josh P. Weinstein, Gareth Saxe, Nyambi Nyambi, Frank Dattolo, AnneMarie Lawless, Tschi-Hun Kim, Richard Morant, Jennifer Camilo, Rosemary Apolinaris, Jennifer Restrepo, Julissa Pere.
Guión: Julia Loktev.
Productores: Julia Loktev, Melanie Judd y Jessica Levin.Fotografía: Benoît Debie.
Edición: Michael Taylor y Julia Loktev.

Sinopsis

Una joven, una misión. Dos días y dos noches para realizarla.

Bresson y la imagen como escritura

Decía Bresson que para él la imagen era la manera en que escribía, es decir, la imagen es el signo que registra y comunica contenido e idea. Para él, la imagen no es solo representación vacía de contenido, es el signo que connota y expresa como ningún otro. Bresson intentaba no verbalizar las emociones y pensamientos de sus personajes, era la posición de la cámara, la fotografía, la edición, la que nos acercaba al universo de afectos de sus personajes. Es el espectador quien finalmente se ve sometido a hacer el ejercicio de la comprensión, de buscar en él las experiencias y emociones necesarias para poder acercarse en algo a la historia que le esta siendo narrada. Es el espectador quien completa el círculo de la comprensión.

Y eso es lo que vemos en “Day Night Day Night”, un film que vamos construyendo conforme va avanzando. Con una protagonista que no sabemos de donde viene, y conocemos muy poco de hacía donde va. Son sus gestos, la postura de su cuerpo, sus acciones, sus silencios los que nos acercan y obligan a configurar el mundo que la rodea. Nos obliga a estar atento a cada acción a cada mirada, a cada suceso, a poder sobreponernos a la aparente apatía y cotidianidad, y esforzarnos por realmente empalizar con quien esta en la pantalla, y que esa apariencia de monotoniedad, encierra sentimientos difíciles de expresar.

Es como si la imagen nos mostrara algo que esta en ella, pero en primera instancia no pudiéramos apreciar. Podríamos decir que en el cine, como en la vida, lo importante finalmente no es lo que uno muestra sino lo que esconde (incluso de uno mismo). Como diría Bresson, “asegúrate de haber agotado todo lo que se comunica por medio de la inmovilidad y el silencio”.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

The tarnished angels (Douglas Sirk/1957)

2007-09-24T12:25:00.000-05:00

Dirección: Douglas Sirk
Reparto: Rock Hudson (Burke Devlin), Robert Stack (Roger Shumann), Dorothy Malone (Laverne Shumann), Jack Carson (Jiggs), Robert Middleton (Matt Ord), Alan Reed (Coronel Fineman), Alexander Lockwood (Sam Hagood), Chris Olsen (Jack Shumann), Robert J. Wilke (Hank), Troy Donahue (Frank Burnham), William Schallert (Ted Baker), Betty Utey (Bailarina), Phil Harvey (Editor del Telegraph), Steve Drexel (Hombre joven), Eugene Borden (Claude Mollet), Stephen Ellis (Mecánico).
Guión: George Zuckerman basado en la novela “Pylon” de William Faulkner
Música: Frank Skinner
Productor: Albert Zugsmith
Editor: Russell F. Schoengarth

Sinopsis

Robert Stack (Roger Shumann) es un héroe de Guerra (de la primera Guerra mundial) que durante la depresión difícilmente logra sobrevivir como piloto de exhibición en pequeñas ferias de pueblo. Lo acompañan su mujer que realiza junto a él un acto de paracaidismo, y el pequeño hijo de ambos. Además de su fiel amigo y mecánico Jack Carson. Se preparan para lo que será una feria de exhibición más, sin saber que su destino se encuentra esperándolos.

De Faulkner a Sirk

Douglas Sirk logra introducirnos en una historia en la que solo podemos ser testigos de la apatía y soledad de sus personajes. Todos perdidos, totalmente desfigurados. Tal como muchos de los personajes de Faulkner, totalmente acabados, tal vez sea esta la razón por la cual Faulkner consideraba que Sirk había hecho algo genial con su obra, porque más allá de reproducir la historia contada en ella, había comprendido lo solos que se sentían sus personajes, que ansiaban algo más de la vida, y que solo encuentran sentido destrozándose[1].

El drama y pesar de cada uno de estos personajes es ser demasiado de todo. Grandeza que en nuestra época es vista por los demás como locura sin sentido. Es precisamente esa la razón por la cual se encuentran tan alejado de todos y de todo. Es como traer a Aquiles a nuestros días, es demasiada furia, demasiada fuerza contenida en un solo hombre. En un mundo en que la maquina y el acero domina todo, el héroe titánico queda relegado. Faulkner creía en que esa grandeza, la heroica, la de esos personajes míticos sobre los cuales se fundó su nación había sido relegada por el pequeño hombre, mercantil y usurero.

Los dramas de Sirk están trabajados en las apariencias, en los deseos que nos son imposibles de consumar. Él nos acerca del tal modo el dolor y miseria de sus personajes que nos deja como mudos testigos de su destrucción. Nos encantaría ver que hicieran lo “correcto”, que tuvieran metas, deseos y amores adecuados, pero no lo hacen, pues para Sirk nuestro drama es ir siempre detrás de aquello que nos va a destruir, que sabemos que no nos conviene. Destruyéndose no siempre de una manera trágica, sino a veces con el silencio y la no acción. Y es esto lo que recoge Sirk en estos “Angeles sin brillo”, seres que no encuentran más que en la autodestrucción su única razón de ser. Por eso The tarnished angels está lejos de ser únicamente un melodrama o una historia de amor frustrada, Sirk en ella despliega toda su mirada acerca de la soledad, de la autodestrucción. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.
[1] Pensemos en “Sartoris” de Faulkner.

BREAKING AND ENTERING (Anthony Minghella/2006)

2007-08-06T02:29:00.000-05:00

BREAKING AND ENTERING (Anthony Minghella/2006)
Dirección: Anthony Minghella.
Reparto: Jude Law (Will Francis), Juliette Binoche (Amira), Robin Wright Penn (Liv), Rafi Gavron (Miro), Poppy Rogers (Bea), Martin Freeman (Sandy), Vera Farmiga (Oana), Ray Winstone (Bruno Fella).
Guión: Anthony Minghella
Música: Gabriel Yared y Underworld.
Productores: Sydney Pollack, Anthony Minghella y Timothy Bricknell.
Fotografía: Benoît Delhomme.
Editor: Lisa Gunning.

Sinopsis

Will Francis (Jude Law) junto a su socio Sandy (Martin Freeman), han abierto recientemente una empresa de arquitectura y diseño en una zona empobrecida de Londres. Al ser víctimas sucesivas del robo de las computadoras de la empresa, sentirán la necesidad de intervenir ellos mismos en la investigación de los hechos.

La soledad y el afecto

Minghella en “Breaking and entering” crea un drama complejo sobre la necesidad de sentir y dejarse sentir. En la cual la afectividad no se reduce a mirar al otro y comprenderlo, tampoco se trata de aleccionar sobre como ignoramos a las personas, y creamos etiquetas[1] con las cuales identificarlos y a la vez borrarlos de nuestras vidas. Más bien trabaja que pasa cuando las personas se tocan realmente, se relacionan de tal manera que causan un cambio una ruptura en el otro. ¿Qué pasa cuando este cambio no se produce de manera gentil y apacible, sino por el contrario se presenta de la manera más abrupta y violenta?
Pareciera que constantemente nos encontramos en post de afecto, de cariño, si bien es cierto, no por parte de todos, pero si al menos de un grupo que aunque reducido, importante en la vida de cada uno de nosotros. Una suerte de “circulo de afecto” que nos hace sentir parte del mundo. Y es que lo que más nos duele es la soledad, pero no la tomada por decisión propia, sino la que uno adquiere debido al abandono y olvido de las personas que ama.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Y es usual que nos relacionemos con las personas a partir de las etiquetas (las cuales representan un género, una raza, una etnia, una cultura, etc.) que ellos y nosotros tenemos, sobre los demás y sobre nosotros mismos, etiquetas que sirven para articular nuestras relaciones, y desde las cuales generamos emotividad o no hacía los otros. Por lo general aspiramos a que las personas que nos conocen, valoran y aprecian vean más allá de estas etiquetas, que si bien estas muestran trazos de quienes somos, no nos definen como tales.

A time to love and a time to die (Douglas Sirk/1958)

2007-07-20T02:17:00.000-05:00

Dirección: Douglas Sirk
Reparto: John Gavin (Ernest Graeber), Liselotte Pulver (Elizabeth Kruse), Keenan Wynn (Reuter), Don DeFore (Boettcher), Erich Maria Remarque (Pohlmann), Thayer David (Oscar Binding), Jock Mahoney (Immerman), Klaus Kinski (Gestapo Lieutenant).
Guión: Orin Jannings
Música: Miklos Rozsa
Productor: Robert Arthur
Editor: Ted Kent
Basado en la novela “Time to die, time to live” de Erich Maria Remarque, quien también escribió (y tal vez es más conocido por está) Sin novedad en el frente (Im Westen nichts Neues[1]) que fue llevada el cine en dos ocasiones, en 1930 y en 1979. La novela ambientada en la primera guerra mundial (con un fuerte contenido antibélico), narra la decepción de un grupo de jóvenes ante la guerra.

Sinopsis

Ernest Graeber (John Gavin) es un soldado alemán (durante la segunda guerra mundial), que ha estado varios meses emplazado en el frente ruso. Recibe un permiso para regresar a su hogar en Berlín por tres semanas. Al regresar encontrara que la guerra no solo se libra en el frente.

El Amor y la Guerra

Los films que tienen como marco la guerra, tienden a ser antibélicos. Es decir, buscan acercarnos al horror de la guerra y asquearnos de todo lo relacionado a ella. Por lo general son epopeyas en la que el espíritu humano se sobrepone a todo y que buscan mostrarnos que le hace la guerra a las personas. En esta ocasión pareciera ser que la trama antibélica fuera el centro y desarrollo del film, pero es todo lo contrario, es un tema más. Si bien es cierto buena parte del film muestra lo que la guerra le hace a las personas, de qué modo esta las transforma y las desfigura. Los tiempos de guerra son tiempos en los que no solo las emociones ruines florecen, sino en los que incluso el amor por la vida y el valor de esta son sentidos con más fuerza.

Y esto es lo que precisamente Sirk nos propone en este film, un amor que bajo ninguna otra circunstancia hubiera podido florecer, bajo el marco de la guerra se hace no solo posible sino que adquiere una fuerza descomunal. Ese es el drama de estos dos personajes (no el que la guerra no los deje ser felices por siempre), que tal vez bajo ninguna otra circunstancia hubieran pensado en estar juntos.

Podríamos ver a los protagonistas, como seres necesitados de afecto, que se refugian en otros con tal de intentar por un momento de olvidar todo el horror que se extiende alrededor de ellos, pero por otro lado podríamos ver ese apostar por el amor, como la única cosa que pueden tener para ellos, en ese mundo de locura que es la guerra, es decir, si la muerte se presenta como la posibilidad siempre latente, el amor, el amar y enamorarse se abre como la posibilidad de hacer algo sin sentirse condicionados a.

Y es que para Sirk como en la vida, en las historias no solo se trata de pensar lo correcto o lo adecuado, no solo se trata de colocar a la bondad o la maldad como antípodas, sino que las personas tendemos a tener ambos aspectos, y que parte de la condición humana se basa en esa dualidad constante. Por eso los dramas de Sirk escapan de ser meras historias del corazón, donde el destino injustamente se interpone en la felicidad de la pareja de amados, y el amor es medido por su consumación en la eternidad. Sirk nos centra en la guerra no para que nos de asco, sino para ver como en ella, y solo en ella se puede dar esta historia de amor. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Su titulo en ingles es “All quiet in the western front”.

All that heaven allows

2007-07-05T11:40:00.000-05:00

All that heaven allows (Douglas Sirk/ 1955)

Dirección: Douglas Sirk

Guión: Peg Fenwick

Reparto: Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes Moorehead, Conrad Nagel, Virginia Grey, Gloria Talbott, William Reynolds, Charles Drake, Hayden Rorke, Jacqueline deWit, Leigh Snowden, Donald Curtis, Alex Gerry, Nestor Paiva, Forrest Lewis.

Música: Frank Skinner

Producción: Ross Hunter

Fotografía: Russell Metty

Douglas Sirk le dio al melodrama en los 50, matices y aspectos propios. Él, como pocos, tuvo la maestría de llevar las emociones de sus personajes y las nuestras, a través de historias complejas y extremas. Alejado de manierismos y exageraciones, Sirk maneja el melodrama, de una manera impecable. Le da su sello propio al género, sello que marcó a directores como Fass-binder y Almodóvar. Y que aún se puede ver en directores como Todd Haynes y Wong- Kar Wai.

Hace unos años Todd Haynes dirigió un precioso film llamado “Far from Heaven”. Este film que se logró ver en nuestra cartelera, nos presentaba una fotografía cuidada al detalle. La película nos contaba la historia de una pequeña familia modelo de clase acomodada que ante la revelación de uno de sus miembros, se empieza a resquebrajar por completo.

Traemos esto a colación pues a partir de ese film de Haynes, en el mundo de la crítica cinematográfica (especialmente en la adepta a llenar los comentarios de referencias), se recordó el film de Douglas Sirk llamado All that heaven allows (1955), y es precisamente de este film de Sirk que queremos hablar.

Sinopsis

En un pequeño pueblo de Conneticut, Cary Scott (Jan Wyman), una viuda de clase acomodada con hijos ya universitarios, pasa sus días sola, alejada por propia voluntad de la comunidad que en algún momento la acogió. Un día Cary, repara en Ron (Rock Hudson), su jardinero. Entre ambos surge una relación de amistad que debido a las “diferencias” sociales, hará difícil y complicada la relación.

Bajo el cielo

All that heaven allows, es una película de una fotografía impecable, que utiliza el color no como mero decorado, sino como el marco desde el cual se cuenta la historia, es un personaje más en el film. Gracias a el podemos ver los cambios en los personajes, los sutiles matices de sus psiques. El uso del Technicolor[1] por parte de Sirk, es de una maestría soberbia, compone escenas que nos hacen pensar en la creación de un cuadro, pero uno en movimiento, que se nos acerca, por los colores, los diálogos, y la música que el director escoge.

Wyman y Hudson de la mano de Sirk están a la altura de lo que les exige la historia, las actuaciones de ambos, son de una naturalidad, de una entrega que impide caer en exageraciones o convertirse en caricaturas dramáticas. Parecen meros casos tipo, que no pueden entregar más que lugares comunes, pero Sirk logra crear el drama al llevar los tópicos, más allá de lo que ellos suelen ofrecer.

Vivir su Vida

Cary es una mujer que suponemos está en sus cuarenta, que recién empieza a pensar más en ella, en lo que ella ha querido, y no en lo que los otros le han hecho creer que quería. Pero así como está comenzando a cuestionar lo que creía, esta aferrada a las creencias que le han dado seguridad y estabilidad toda su vida, a una ética del cuidado que la pone en el último lugar de sus prioridades. Esta dualidad en su personalidad es la que genera todo en el film. Y es que solemos tener la creencia (de origen moderno) de que somos seres autónomos, que nos constituimos alejados de la mirada de los otros, que quien somos y lo que qué deseamos ser, depende única y exclusivamente de nosotros, de nuestra capacidad de liberarnos de los prejuicios de los otros, del influjo de su mirada. Pero esto no es del todo así, los prejuicios de los otros también son nuestros, esa mirada que parece externa a mí y que me juzga, es también mi propio juicio. Son nuestras propias creencias las que nos censuran.

Sirk centra su mirada en la mujer, en su drama. Pero su personaje femenino no es una simple hoja que se deja llevar por el viento, tiene una profundidad que la aleja de los caracteres apáticos de las heroínas del cine convencional de su época. Y es precisamente esa complejidad en la construcción de los personajes femeninos el rasgo de Sirk y sus melodramas. Son ellas las que llevan la carga y el peso de todo el film, es desde ellas que creamos empatía, y desde ellas (las heroínas) desde su mirada vemos la película. No utiliza grandes monólogos, solo hace falta pequeños gestos para expresar toda la emotividad que hay detrás de ellas. Son ellas las fuertes, las que resuelven los problemas, las que deben incluso decidir ante la indecisión de los hombres. Son ellas las que deciden vivir su vida. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Es una técnica para darle color a los films, se la conoce como la segunda técnica de coloración (la primera fue Kinemacolor, de origen ingles). Esta técnica se basa en el uso de cámaras con filtro, las cuales filmaban en paralelo la misma escena. Luego con las cintas grabadas se seguía un proceso de coloración de los fotogramas. Era en esta parte del proceso que se conseguía lo que caracteriza al Technicolor, es decir los colores encendidos y con una textura aterciopelada. Un ejemplo clásico de película Technicolor es “Lo que el viento se llevo” y “El mago de Oz”.

Temporada de patos

2007-07-04T12:32:00.000-05:00

Dirección y guión: Fernando Eimbcke

País: México.Año: 2004

Duración: 85 min

Reparto: Daniel Miranda (Flama), Diego Cataño Elizondo (Moko), Danny Perea (Rita), Enrique Arreola (Ulises)

A los catorce, ¿recuerdas cómo te enfrentabas al tedio de un domingo cualquiera?

Un departamento sin adultos, una pizza fría, un pastel mal hecho, una vecina dos años mayor que tú que da besos con lengua, la ausencia de corriente eléctrica y los amigos de infancia o los amigos circunstanciales, a los catorce, siempre van a ser el escenario ideal para hablar del divorcio de tus padres, la soledad, la confusión entre amor y amistad o las frustraciones de la vida, de forma sencilla, pero compleja.

Si alguna vez tuviste una mamá joven que fumaba marihuana sólo los fines de semana, si no pudiste gritarle a tus padres cuanto te enervaban sus peleas estúpidas, si su divorcio te molestaba o complacía más que perder o ganar en una partida de tu videojuego favorito, si la pizza a domicilio era más rica que lo que cocinaba tu madre, o si alguna vez te sentiste muy cercano y convertiste en tu amigo al portero del edificio, si te echaste una rabieta porque se fue la corriente eléctrica justo cuando te disputabas el desempate en el nintendo, ordénate una pizza, una gaseosa al tope del vaso con un par de hielos y disfruta esta peli, y no dejes que en estos tiempos de pantallas LCD, el blanco y negro te desanime.

A mis amigos de Mártir Olaya en Miraflores y por supuesto, a Antonio y a Renzo.

Paola Fattorini.

The Painted Veil (John Curran/2006)

2007-05-30T01:46:00.000-05:00

The Painted Veil (John Curran/2006)

Dirección: John CurranPaís: USAAño: 2006 Duración: 125 minReparto: Naomi Watts (Kitty Fane), Edward Norton (Walter Fane), Liev Schreiber (Charlie Townsend), Toby Jones (Waddington), Diana Rigg (Madre Superiora), Anthony Wong Chau - Sang (Colonel Yu) Guión: Ron Nyswaner
Música: Alexandre Desplat.
Fotografía: Stuart Dryburgh.
Edición: Alexandre de Franceschi

Basada en la hermosa novela de W. Somerset Maugham, El velo pintado, nos invita a ser parte de la historia de dos seres humanos que se unen por circunstancias ajenas a su voluntad y terminan embarcados en un viaje que los conducirá a la gran aventura de sus vidas, por la ruta del perdón, la comprensión y el amor, poniéndolos ante el tesoro inesperado del encuentro de sí mismos.

Corren los años 20, en la China que ya iniciaba la confrontación entre nacionalistas y comunistas. Walter Fane (Edward Norton), un médico de clase media, y Kitty (Naomi Watts), una joven de la clase alta Londinense, optan por casarse y establecerse en Shanghai. En esta exótica ciudad, la vida de Kitty no cambiará mucho. Tras dejar el hogar paterno, se seguirá sintiendo hastiada, aburrida, vacía y solitaria, encontrando primero en su unión con Walter y luego en su relación con el Cónsul Towsend, una posibilidad que le de sentido a su vida. Walter descubrirá la infidelidad de Kitty, y como venganza, aceptará un trabajo en la remota aldea de Mei-tan-fu, azotada por una mortífera epidemia de cólera, para no tener que matar a Kitty con sus propias manos o morirse él.

En el jardín de Adan y Eva

Dios bien podría haber experimentado al poner juntos a Adán y Eva en el Jardín del Edén y que se las arreglasen como pudiesen; que vieran qué hacer juntos ese par. Millones de años transcurridos y seguimos sin saber las razones de esa paridad o alteridad.
En su primer y accidental paseo juntos, Kitty y Walter terminan ingresando a una florería, y en medio de aromas, texturas y colores, se preguntarán sobre los gustos y expectativas femeninas, decidirán su matrimonio, y quedarán sin haber podido determinar las razones por las que los humanos pagan por algo que crece gratis y compran algo que saben que va a morir.

En el campo de la revancha

Los Fane llegan a la Aldea de Mei-tan-fu, una vez más, sin acuerdo ni voluntad mutuos, como si sus vidas siempre dependiesen de otros.

Primero la madre de Kitty determinó que era tiempo de que se casara y encontrase alguien que se responsabilizara de ella; y ahora, era Walter quien decidiría a dónde vivirían - sin que Kitty pudiese determinar lo contrario - no porque Kitty no pudiera hacerlo, sino porque ella tampoco tenía idea de qué cuernos quería en su vida.

Al menos Walter Fane tenía algo claro: Ha sido traicionado y debe castigar a Kitty.

Walter y Kitty están enfrentados, como lo están China e Inglaterra, como lo están los nacionalistas y los comunistas. Esa China, extraña, indomable, imperfecta, en alguna medida, tiene una conexión con el espíritu de Kitty, y su concepción sobre la vida y los seres humanos, diferente a la de Walter. Para ella, los humanos son impredecibles, cometen errores, decepcionan. Para Walter todo debe ser controlado, como las bacterias. Kitty no sabe nada de medicina, no habla chino, pero al igual que los pobladores de Mei-tan-fu, está descubriendo que no quiere que se le diga cómo, o se le imponga la forma de alcanzar su propio destino. Mei-tan-fu es el lugar, donde se lucha por el respeto a la propia visión del mundo, donde el hambre y la fuerza son el verdadero poder que mantiene a la China. Kitty también pasaba hambre, su hambre es la apremiante necesidad de encontrar su lugar en el mundo, el sentido de su vida; aferrada a esa búsqueda logrará sacar su verdadera fuerza y amar a alguien por primera vez en la vida, porque la primera persona que aprenderá a amar, antes que a Walter, es a ella misma.

Ahora, tanto Kitty como el Pequeño Walter Fane Jr., saben desde el fondo de sus corazones que a pesar que las flores tendrán un periodo corto de vida, bien vale la pena llevarlas a casa y gozar de su belleza y valor.

Escenas clave:

· La conversación de Kitty y Walter en la Florería
· Los Towsend y los Fane en la opera China.
· Diálogo entre la Madre Superiora y Kitty sobre el deber y el amor.
· Kitty tocando el piano para Walter en el orfanatorio
· Diálogo entre Walter y Kitty sobre las razones por las que Walter no agarró a golpes a Charlie al descubrirlo con ella.
· La conversación de Kitty y el pequeño Walter en la Florería

Paola Fattorini.

My Blueberry Nights (Kar Wai, Wong/ 2007)

2007-05-27T14:17:00.000-05:00

Aunque estamos deseosos de verla y comentarla, en esta ocasión únicamente pasamos a invitar a ver el Trailer de “My Blueberry Nights”, el último film de Wong, Kar Wai, que abrió el Festival de cine de Cannes este año. Ha tenido un recibimiento algo frio de la crítica (considerando que sin exagerar, en la actualidad Wong, Kar Wai, es un director considerado por muchos, de culto[1]), que ha descrito al film como “una dulce historia romántica”. Nosotros no nos precipitamos a hacer comentarios. Solo esperamos poder ver pronto en el cine esta película. Y esperamos en las próximas semanas, hacer una reseña del film con el que gano Cannes hace ya diez años. Nos referimos a “Happy Together”[2]. Que disfruten del Trailer.

http://www.youtube.com/watch?v=86kckraMXtI&mode=related&search=

[1] Tal vez sea ese el motivo. Expectativas muy altas, o creer (por parte de la crítica) que se conoce mejor que el director, las motivaciones que lo llevan a crear.
[2] Para ver el trailer de este film: http://www.youtube.com/watch?v=0Dk3w6USzaU.

ABSURDA (David Lynch/2007)

2007-05-27T14:06:00.000-05:00

En la inauguración del Festival de Cine de Cannes de este año, David Lynch le regalo al festival por su sesenta aniversario, un corto titulado “Absurda”. Les recomiendo verlo, les adjunto la dirección web para que lo puedan hacer.

http://www.youtube.com/watch?v=P9Q7ZKH7G4A

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

Paris, Texas (Wim Wenders / 1984)

2007-05-27T02:15:00.000-05:00

Paris, Texas (Wim Wenders / 1984)

Dirección: Wim Wenders
Reparto: Harry Dean Stanton (Travis), Nastassja Kinski (Jane), Dean Stockwell, Aurore Clément, Hunter Carson, Bernhard Wicki.
Guión: Sam Shepard
Música: Ry Cooder
Productor: Anatole Dauman
Editor: Peter Przygodda

Sinopsis

Un hombre que camina a la deriva por el desierto de frontera entre México y Estados Unidos, se desmaya en un pequeño pueblo de remolques. Este hecho anodino inicia el reencuentro de ese hombre con su familia, su pasado y consigo mismo.

Tristam, el desierto y unas buenas botas rojas para el camino

El desierto, un par de botas rojas y un hombre. Parecen ser no muchas cosas, pero bajo la mirada de Wim Wenders se convierten en los elementos necesarios para contar una gran historia. “Paris, Texas” es un relato sutil y dulceamargo, sobre la memoria y sobre la identidad. Para muchos una nueva manera de contar un western en clave de Roadmovie, donde el vaquero salva el día. Para otros, un relato en que el silencio, los planos amplios del desierto, la guitarra de Ry Cooder (conocido actualmente por su proyecto de Buena Vista Social Club) generan la melancolía necesaria y adecuada para llevar el relato, para poder acercarnos al vacio que rodea a su personaje principal.

Para nosotros, una película sencillamente descomunal, que atrapa desde el primer cuadro. Que lleva a preguntarse sobre la capacidad de sentir, sobre la sensibilidad del carácter, sobre el amor que enloquece. Wenders parece no solo tener en mente a los personajes del western como modelo, sino que se puede ver en ellos el eco los personajes de las romans medievales, como Tristam o Perceval[1], que sufren amnesia[2], esa locura que arrebata del mundo, producida por el amor, la responsabilidad, o simplemente como evasión de todos y de uno mismo. Pero la amnesia puede no ser un suave remanso para quienes la sufren, por el contrario, puede ser un infierno, un desierto de emociones y de sensaciones, por el cual transitar, y del cual se regresa tan solo para intentar enmendar cuentas con nuestro pasado.

El guión de Sam Shepard[3], tiene la sensibilidad de introducirnos en los amplios paisajes, en los enredados monosílabos de Travis, en su mirada perdida, en esa apariencia hostil y ruda que no parece tener la sensibilidad que lleva a cuestas. En el peso y angustia que le aquejan y que lo han tenido entumecido por más de cuatro años. En su amor delicado y vehemente, en sus obsesiones y miedos. Y en su deseo de lograr resarcir de algún modo el daño que siente causo.

“Paris, Texas”, de Wenders son de esas películas que van más allá del drama efectista, que busca sorprender para emocionar. Puede parecer lenta, pero busca serlo. Son de las películas que tocan, que se acercan a algo en nosotros, a un recuerdo, o una emoción, de un modo que la sensación que dejan, se deja sentir, mucho tiempo después de ver la película. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Tal vez si vamos más atrás podemos pensar en Ulises.
[2] Antiguamente se catalogaba a la amnesia como un tipo de locura.
[3] Hace un par de años, en el 2005 para ser exactos, Wenders y Shepard regresan a trabajar juntos en “Don't come knocking”, film sobre un ex-ídolo de cine que un día deja todo y decide encontrarse a si mismo. Film que tiene muchas semejanzas con el que en este momento estamos comentando.
Hay que recordar también, que Shepard no es solo conocido como actor, sino que es un gran escritor de teatro, novelas y poesía.

Bordertown (Ciudad del silencio/2007)

2007-05-22T20:57:00.000-05:00

Dirección y guión: Gregory NavaPaís: USAAño: 2007Duración: 115 minReparto: Jennifer Lopez (Lauren Fredericks), Antonio Banderas (Díaz), Martin Sheen (George Morgan), Maya Zapata (Eva), Sonia Braga (Teresa), Rene Rivera (Aris).

Ciudad del silencio, en una primera mirada, relata la historia de los hallazgos en Ciudad Juárez, México, de los cuerpos de mujeres jóvenes brutalmente violadas, asesinadas y ocultadas a lo largo del desierto que hay a las afueras de la ciudad. La principal característica de dichos crímenes es que todas las víctimas siempre eran trabajadoras de las fábricas de la frontera entre México y los Estados Unidos, creadas como resultado del NAFTA (acuerdo norteamericano de libre comercio).

Sin embargo, podemos encontrar algunas miradas más sobre esta película.

Periodismo Básico I

Ciudad del Silencio tiene un inicio violento, como su trama. Arranca como un bombardeo que nos revienta a los ojos, con las imágenes de las portadas en primera plana de los diarios de Ciudad Juárez, hablando sobre los macabros hallazgos de mujeres asesinadas, y el sonido ensordecedor de las radios, con sus narraciones y advertencias. Otro petardo explota con la irrupción violenta de la policía del lugar, confiscando los diarios con el objetivo de “no alarmar a la población”. Sin embargo, se ha “sembrado el pánico”.

Haciendo un poco de historia, dichos asesinatos llevaban años ocurriendo, hasta que, los medios de comunicación estadounidenses comenzaron a informar sobre las continuas desapariciones y la falta de acción tanto por parte de las autoridades mexicanas como de los dueños de las maquiladoras para detenerlos.

George Morgan, editor del Chicago Sentinel, encomendará a Lauren Fredericks, su reportera más ambiciosa, la labor de hacer la nota sobre los asesinatos. Fredericks se siente subestimada, totalmente cabreada por tener que cubrir hechos en un lugar que a su país le importa poco menos que nada. Ella quiere despertar el interés, al parecer de otro público lector.
Lauren: Mexico!? Nobody gives a shit about Mexico!
Morgan: Well if you give a shit, they will give a shit! That is the point. Just get to the heart of the story!

Cálculos comparativos incalculables

Esclarecer cifras en casos de violencia sexual y feminicidio puede ser una tarea muy difícil, y hasta incalculable. En la ficción, la película habla del hallazgo de cerca de 400 mujeres brutalmente violadas y asesinadas, sin embargo, el número de desaparecidas es de 700. ¿Habrían corrido acaso la misma suerte?
Las investigaciones hablan no de uno, sino de varios asesinos y de toda una cultura del crimen y del feminicidio.

El Horror Globalizado

¿Qué tan alejado podría estar Juárez del Perú, de Ruanda, de la ex Yugoslavia?

El informe final de la CVR del Perú reportó un total de 527 casos de violación sexual a mujeres. El 16,54% de víctimas de violencia sexual fueron hombres y el 83,46% fueron mujeres. Sin embargo el número de mujeres muertas y desaparecidas constituye el 20% del total de casos registrados. ¿Cómo preguntarle a las muertas, si fueron violadas o no?

El perfil de las mujeres afectadas en su mayoría correspondió a mujeres de la zona andina, analfabetas y jóvenes, cuya ocupación principal era la agricultura, el comercio y su casa. El 80% vivía en zonas rurales.

Al igual que ciudad Juárez, la desconfianza en las instituciones habría favorecido el silencio y la escasa cantidad de denuncias. ¿Las subrepresentaciones numéricas podrían ser algo común en estos casos? ¿O parte del fenómeno de la globalización?

Curando heridas

La antropóloga Kimberly Theidon, en su libro Entre prójimos, dedica un capítulo a las formas de sanación empleadas por las mujeres campesinas andinas, luego del proceso de violencia sufrida durante los años ochenta y noventa en el Perú. Cientos de mujeres indígenas, que no podían pagar una consulta en la capital para tratar sus traumas y aflicciones anímicas, psicológicas y físicas, en un consultorio psicológico o psiquiátrico, recurrían a los curanderos, para encontrar alivio al dolor de su alma.

Eva, personaje principal en Ciudad del Silencio, tampoco tiene los medios para acudir a un médico, está totalmente traumatizada, y desde un principio es acogida y curada desde por el Curandero de la Colonia Anapra, el caserío donde habita. Es el curandero, desde su sabiduría milenaria, desde la cosmovisión de su pueblo, quien intenta dar un poco de paz y consuelo al alma de Eva. Ella está sola, y como consecuencia del trauma, le es imposible confiar en nada ni en nadie.

Lo real y lo imaginado

Es curioso como Teresa, la mujer que ayuda a Eva a ocultarse en su hacienda, cree que la jovencita está loca, que por ser indígena confunde lo real de lo “imaginado”. Lo inverosímil más bien es que viendo rostros amoratados, vaginas destrozadas, y marcas corporales que evidencian violencia brutal, otra mujer pueda o quiera creer que todo ello es producto de la imaginación o que los estados de alteración postrauma son índices de locura y pérdida de la realidad. ¿Por qué una mujer víctima de una violación sexual es “presunta” hasta que LOGRE demostrar lo contrario?

Periodismo Básico Corporativo I

Es aquí donde Ciudad del Silencio, pareciera finalizar de forma circular, con la combinación histórico-social: periodista-periodismo-prensa-pueblo conectando, quizás en un vínculo imaginario, utópico, una necesidad apremiante. Más cercano que un policía, que alguna autoridad, que una institución, poder privado o el Estado mismo: un periodista que pueda recoger la voz de los que son silenciados, un periodismo que devele la verdad, y una prensa que pueda incorporar esa verdad a la memoria de otros, y liberar así las memorias silenciadas, en un intento de primera justicia y reconciliación.

Tan soberbio como el inicio, es también el final, cuando nuevamente George Morgan, editor del Chicago Sentinel, retoma la posta para citar el nuevo y glorioso futuro de la Prensa Corporativa: information, globalization and entertainment.

Escenas clave:

- Diálogo de Eva con Lauren sobre la maternidad y las carreras profesionales.

Paola Fattorini.

El tiempo que queda (François Ozon/2005)

2007-05-19T13:34:00.000-05:00

El tiempo que queda (François Ozon/2005)

Dirección: François Ozon.
Reparto: Melvil Poupaud (Romain), Jeanne Moreau (Laura), Valeria Bruni-Tedeschi (Jany), Daniel Duval (Padre), Marie Rivière (Madre), Christian Sengewald (Sasha), Louise-Anne Hippeau (Sophie), Henri de Lorme (Doctor), Walter Pagano (Bruno), Ugo Soussan Trabelsi (Romain [Niño]).
Guión: François Ozon.

Música: Marc-Antoine Charpentier, Arvo Pärt y Valentin Silvestrov.

Producción: Olivier Delbosc y Marc Missonnier.

Edición: Monica Coleman.
Fotografía: Jeanne Lapoirie.

Vestuario: Pascaline Chavanne.

Romain tiene 33 años, es fotógrafo de profesión, su máxima preocupación es el mismo. Pero algo ha cambiado en su vida y a partir de eso tendrá que pensar sobre si, pero no solo desde el ego, sino que tendrá que intentar entender quién es él. Y decimos quien es él, no desde una visión esencialista, sino entendiendo la identidad, como un relato inacabado, que está en constante producción.

Le temps qui reste, es un ensayo sobre la memoria, la vida, sobre que implica encontrar el relato que nos defina, tal vez no del todo, pero que nos haga comprender un poco el rol que todos actuamos. Reconocernos en nuestros amigos, en nuestro amores, en nuestros recuerdos y afectos y sobre todo en las pequeñas cosas que nos rodean y que delinean quienes somos.

El vivir es un ejercicio que nos invita a generar un discurso un relato, un personaje que representar para los otros y para nosotros mismos. Personaje al que le encontramos siempre nuevos matices. Y Ozon nos muestra eso en este film, íntimo. Que deja más preguntas que respuestas. Pero que deja la sensación que todos como Romain estamos viviendo el tiempo que resta.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

PARIS, JE T'AIME (2006)

2007-05-11T18:47:00.000-05:00

PARIS, JE T'AIME (2006)

Dirección: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer y Gus van Sant.
Reparto: Catalina Sandino Moreno, Sergio Castellitto, Miranda Richardson, Leonor Watling, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Nick Nolte, Maggie Gyllenhaal, Fanny Ardant, Wes Craven, Elijah Wood, Alexander Payne, Natalie Portman, Gérard Depardieu, Bob Hoskins, Ben Gazzara, Steve Buscemi.
Guión: Emmanuel Benbihy, Bruno Podalydès, Paul Mayeda Berges, Gurinder Chandha, Gus van Sant, Ethan Coen, Joel Coen, Walter Salles, Daniella Thomas, Christopher Doyle, Gabrielle Keng, Kathy Li, Isabel Coixet, Nobuhiro Suwa, Sylvain Chomet, Alfonso Cuarón, Olivier Assayas, Olivier Schmitz, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Wes Craven, Tom Tykwer, Gena Rowlands y Alexander Payne; basado en una idea original de Tristan Carné.
Música: Pierre Adenot, Christophe Monthieux, Leslie Feist, Reinhold Heil, Johnny Klimek, Marie Sabbah y Tom Tykwer.
Producción: Claudie Ossard y Emmanuel Benbihy.
Edición: : Simon Jacquet, Anne Klotz, Hisako Suwa, Alexandre Rodriguez, Luc Barnier, Isabel Meier, Stan Collet y Mathilde Bonnefoy.
Fotografía: : Bruno Delbonnel, Pascal Marti, Eric Gautier, Pascal Rabaud, David Quesemand, Pierre Aïm, Eric Guichard, Tetsuo Nagata, Gérard Stérin, Franck Griebe, Jean-Claude Larrieu, Denis Lenoir, Michael Seresin, Matthieu Poirot-Delpech, Michel Amathieu y Maxime Alexandre.

PARIS, JE T'AIME, historias unas tras otras, con distintos registros y diversas miradas, algunas simbólicas, algunas otras con temática social, pero todas finalmente intentando hablar de Paris, de su gente, de sus barrios de sus afectos. Un Paris que es el de la ficción y de la imaginación que la cultura ha generado sobre él. Pero también el de la ciudad que sigue atrayendo gente y sus historias.

Al ser una película de más de diez directores, es evidente lo difícil que puede ser mantener una narración que fluya para los espectadores. Al durar cada historia cinco minutos, nos cuesta adaptarnos a un registro, a un lenguaje y cuando lo hacemos, este acaba y se inicia uno nuevo. Por eso puede sentirse que la película sufre de ciertos altibajos. Y claro sin duda no todas las historias se nos harán cercanas, ni todas nos parecerán buenas, pero cada una de ellas deja sentir la necesidad de decir algo, de comunicarse más allá incluso del marco que es Paris, buscarán ser un medio desde el cual mostrar lo cercano que somos los unos a los otros.

La ventaja que tiene el relato corto, es la posibilidad de ser contundente, en el no puede haber dudas. En un momento se crea y se desarrolla una historia, que con la misma velocidad nos atrapa y nos deja. Es como las personas que vemos en la calle y algo de ellas nos llama la atención, pero desaparecen de nuestra vista y nos dejan preguntándonos, que será de ellos. Precisamente algo de esa sensación, tienen las historias de este film.

Donde sí resulta exitosa la película es en mostrarnos como tras cada rostro hay una historia, tras cada mirada, una idea. En una mundo en que las relaciones humanas cada vez son más pasajeras, instantáneas (lo cual no necesariamente es un problema), solo hay que tener la sensibilidad necesaria para estar abierto a eso inesperado que nos ofrece la vida. De igual manera hay que estar atento a cada uno de las historias que nos ofrece este film. Definitivamente, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

ALPHA DOG (Nick Cassavetes / 2007)

2007-05-11T18:10:00.000-05:00

ALPHA DOG (Nick Cassavetes / 2007)

Dirección: Nick Cassavetes

Reparto: Bruce Willis (Sonny Truelove), Sharon Stone (Olivia Mazursky), Emile Hirsch (Johnny Truelove), Justin Timberlake (Frankie Ballenbacher), Ben Foster (Jake Mazursky), Anton Yelchin (Zack Mazursky), Shawn Hatosy (Elvis Schmidt), David Thornton (Butch Mazursky), Olivia Wilde (Angela Holden).

Guión: Nick Cassavetes

Música: Aaron Zigman.

Productores: Sidney Kimmel y Chuck Pacheco.

Editor: Alan Heim.

Sinopsis

Alpha Dog, es la historia de una pandilla de dealers del valle de San Fernando en California. La pandilla esta liderada por Johnny Truelove (Emile Hirsch), quien es hijo de un narcotraficante que opera en el mismo valle, interpretado por Bruce Willis (Sonny Truelove). Los miembros de la pandilla de Truelove son chicos en su mayoría de clase media, que tienen como meta, pasar el día haciendo ejercicio, drogándose, jugando videojuegos e ir de fiesta. Por un error de cálculo de Truelove, toda la pandilla se verá expuesta a lidiar con una situación que no tenían prevista.

Bourdieu y a la sombra del padre

Sin embargo JT (Johnny Truelove) no es un verdadero gangster, aunque busca aparentarlo, vive a la sombra de su padre un verdadero criminal, pero finalmente es solo un hijo de familia. Él y sus amigos no han crecido en la necesidad o miseria material, pero sí afectiva. La pandilla de Truelove, es solo un grupo de niños perdidos, no por ello menos peligrosos.

Cassavetes a diferencia de otras historias con un tópico similar, no explora las razones de esta violencia únicamente en causas externas, o en modelos culturales, sino que centra su mirada en la aparente normalidad y quietud de los hogares, en la apariencia de perfección y pulcritud. Los padres llevan una doble vida, en la que forman hogares materialmente completos y cómodos, son miembros reconocidos de su comunidad, pero a la vez en la intimidad desarrollan sus propias perversiones, las cuales sorprendentemente creen, no afectan a sus propios hijos.

Los actos de violencia de los protagonistas parecen siempre ser una representación, una especie de performance para los otros que están mirando y juzgando. Es la conciencia de que si no se puede ser realmente duro, lo mejor es aparentar serlo. Pero esta representación llega un punto en que tiene que ser confirmada con un acto de violencia. La representación termina convirtiéndose en realidad. Aunado a la carga de haber crecido bajo la sombra de un padre dominante, que ha desarrollado un discurso simbólico de poder, donde lo masculino se demuestra en relaciones de dominio y sumisión. Ser hombre implica dominar y controlar a los otros, ponerlos a nuestro servicio. Como diría Bourdieu[1], vivimos en una sociedad androcéntrica, donde lo masculino tiene rasgos muy delimitados (arriba, derecha, fuerza, etc.)

El no haber crecido en una forma de vida que enseñe la responsabilidad de los actos, en relación a uno mismo y a los otros, así como el no tener una motivación, una inspiración en la vida, demuestran que puede terminar siendo desastroso. Tal vez el punto no radique en tener en la vida todo definido, pero al menos tener la noción de que todos mis actos acarrean consecuencias.

La película deja sentir que por momento es errática, o que equivoca la manera en que se mezclan diferentes registros para narrar la historia. Sin duda logra tener buenas escenas y actuaciones más que interesantes. Tal vez lo que más incomode en el film es la sensación de sinsentido que tiene todo el film, pero finalmente, tal vez ahí resida su elemento más fuerte.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] “El orden social funciona como una inmensa maquina simbólica que tiende a ratificar la dominación masculina en la que se apoya: es la división sexual del trabajo, distribución muy estricta de las actividades asignadas a cada uno de los dos sexos, de su espacio, su momento, sus instrumentos; es la estructura del espacio, con la oposición entre el lugar de reunión o el marcado, reservados a los hombres, y la casa, reservada a las mujeres, o, en el interior de ésta, entre la parte masculina , como del hogar, y la parte femenina, como el establo, el agua y los vegetales; es la estructura del tiempo, jornada, año agrario, o ciclo de vida, con los momentos de ruptura, masculinos, y los largos periodos de gestación femeninos.”. Bourdieu, Pierre. “La dominación masculina”. Ed. Anagrama, Barcelona, 2000. Pagina 22.

Wah-Wah (Richard E. Grant/ 2005)

2007-05-04T14:33:00.000-05:00

Wah-Wah (Richard E. Grant/ 2005)

Dirección: Richard E. Grant.

Reparto: Gabriel Byrne (Harry Compton), Miranda Richardson (Lauren Compton), Nicholas Hoult (Ralph Compton), Emily Watson (Ruby Compton), Julie Walters (Gwen Traherne)

Guión: Richard E. Grant.

Música: Patrick Doyle

Productores: Marie-Castille Mention-Schaar, Pierre Kubel, Jeff Abberley

Editor: Isabelle Dedieu

La historia cuenta los últimos días de una de las colonias del imperio Británico al sur de África, así como la búsqueda de Ralph Compton (Nicholas Hoult) de su propio lenguaje, de su propia manera de ver el mundo. Ralph crece viendo como el país y la familia en que creció, se desmoronan por completo, o al menos eso siente, y no entiende porque todo debe cambiar así.

Wah-Wah es el sonido onomatopéyico de la voz humana realizado con el pedal de la guitarra eléctrica, también es una expresión inglesa para referirse a cuando alguien habla cosas ininteligibles, sin sentido. Pero además es el titulo perfecto para la opera prima del actor Richard E. Grant[1](Gosford Park), pues Wah-Wah es básicamente eso, la historia de personas que hablan pero no dicen nunca nada. Que aunque familia, le es imposible poder comunicarse, decir que sienten uno por otro.

El lenguaje del silencio

Como buenos ingleses, los Compton saben herirse sin la necesidad de insultarse explícitamente[2], claro, que eso no impide que más de una vez los personajes tengan conflictos directos y violentos. Sufren de una incapacidad afectiva que se refleja en la imposibilidad de comunicación con el otro, lo que frustra y desgasta las relaciones.

Siempre están intentando conseguir de las otras personas aquello que precisamente esa otra persona no puede darles. Por esto la decepción es inevitable.

Lo que le da su padre a Ralph, este último no puede verlo, su padre es demasiado distinto a él en forma pero no en fondo, ambos son sensibles y afectivos, pero la forma de mostrarlo del padre aterra al hijo, el padre se muestra en toda su condición de humanidad, el hijo solo quiere ver un aspecto en él, solo quiere ver su nobleza, y no entiende que en sus errores también esta su padre.

Nuestra identidad se forja en oposición y en imitación a la de nuestros padres, no solo heredamos su pelo o el color de ojos, sino que son el primer espejo en el que nos vemos, en el que medimos quien y que somos. Ellos son el modelo que recreamos o destruimos para formarnos otro. De niños los idealizamos, de jóvenes y adultos, nos enfrentamos a ellos, y en ese enfrentarse se templa nuestro carácter. El tiempo y las experiencias son los que nos permiten volver a vernos en el espejo de nuestros padres. Para ver lo distinto que somos o lo mucho que nos parecemos. Wah-Wah nos muestra como nos es tan difícil comprender y comunicarnos, incluso con las personas más cercanas, como lo es nuestra familia. Es el tiempo y la vida, la que nos da la experiencia suficiente para que la memoria nos permita entender aquello que nos pareció tan lejano y extraño en nuestros padres.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Quien nació en Swaziland, que de 1907 a 1968 estuvo bajo el Protectorado de Gran Bretaña.
[2] La película juega con este prejuicio, y a partir de él construye la historia.

Venus (Roger Michell/2006)

2007-05-01T03:20:00.000-05:00

Venus (Roger Michell/2006)
Dirección: Roger Michell.
Reparto: Peter O'Toole (Maurice), Leslie Phillips (Ian), Vanessa Redgrave (Valerie), Richard Griffiths (Donald), Jodie Whitaker (Jessie).
Guión: Hanif Kureishi.
Música: David Arnold y Corinne Bailey Rae.
Producción: Kevin Loader.
Edición: Nicolas Gaster.
Fotografía: Haris Zambarloukos.
Vestuario: Natalie Ward.

Maurice (Peter O'Toole) y Ian (Leslie Phillips) son dos viejos amigos actores que pasan los días interpretando pequeños papeles, bebiendo café e intercambiando sus respectivas dosis de pastillas. La rutina de ambos cambia cuando llega del campo Jessie (Jodie Whitaker) la hija de la sobrina de Ian, a la que este último imagina idílicamente como una inocente y hacendosa chica del campo. Jessie dista mucho de ser una ayuda para Ian, sino por el contrario, se convierte en un problema. Por el contrario para Maurice, la “pequeña” Jessie le dará nuevos bríos a su vida.

Rochefoucauld, las virtudes y las pasiones

“Venus”, narra la relación de Maurice y Jessie, la cual sin duda es una relación de aprendizaje para ambos, en que ambos dejan algo de sí al otro. Pero no es una relación idílica de amistad basada en un hombre mayor que a falta de una nieta propia o de descendencia directa encuentra en una joven la nieta que nunca tuvo, sino que ambos están en pos de algo y no dudan en hacer lo que sea necesario para conseguirlo.
Maurice es un hombre que ha vivido toda su vida para sí mismo, que cree que lo que mueve realmente a los hombres, son los deseos y las pasiones. Creencia que durante toda su vida ha seguido y practicado, incluso a costa de herir a los suyos. Jessica por su parte tiene una doble dimensión de inocencia y maldad, por un lado tiene todos los sueños de llegar a Londres y que alguien la descubra y contrate como modelo. Pero también es consciente de que puede y disfruta de manipular a los otros[1].
Maurice se resiste a dejar de ser lo que ha sido toda su vida, no va a permitir que estar cansado y mayor le impida hacerlo. No se resigna a dejar de ser quien es solo por los achaques de la edad. Jessie es la apuesta por una última conquista, una último affair con el cual despedirse, una oportunidad por ser quien realmente es. Como diría Rochefoucauld, “nuestras virtudes, no son más que nuestros vicios ocultos” [2], no existe la acción desinteresada, la virtud solo oculta tras sí un vicio. La moral y la rectitud, solo son una representación o un relato que asumimos, para engañar a los otros y a nosotros mismos, para evitar reconocer que no somos más que seres buscando su propia conveniencia y placer. No son nuestras virtudes las que nos definen, nuestros vicios muestran mucho mejor quien somos. Y aceptarnos con nuestros vicios, es una labor que ocupa una vida.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] No olvidemos, que Venus la versión latina de Afrodita, es la diosa del deseo, del amor, entendido esto último como la atracción física y sexual.
[2] «Nos vertus ne sont le plus souvent que des vices déguisés. ». Rochefoucauld. Réflexions ou Sentences et Maximes Morales.

All the king's men

2007-04-22T17:25:00.000-05:00

All the king's men (Steven Zaillian/2006)
Dirección: Steven Zaillian.
Reparto: Sean Penn (Willie Stark), Jude Law (Jack Burden), Kate Winslet (Anne Stanton), James Gandolfini (Tiny Duffy), Mark Ruffalo (Adam Stanton), Patricia Clarkson (Sadie Burke), Anthony Hopkins (juez Irwin).
Guión: Steven Zaillian; basado en la novela de Robert Penn Warren.
Música: James Horner.
Producción: Mike Medavoy, Arnold W. Messer, Ken Lemberger y Steven Zaillian.
Edición: Wayne Wahrman.
Fotografía: Pawel Edelman.
Vestuario: Marit Allen.

Sinopsis

Jack Burden (Jude Law) es un joven y afamado periodista, proveniente de una familia aristocrática de Luisiana. Por su parte Willie Stark (Sean Penn) es un político a medio tiempo de una comunidad pequeña, que combina el idealismo de bienestar para todos, con una mirada práctica y maquiavélica de las cosas, en la que si es necesario hacer el mal para lograr un bien, no se debe reparar en los daños sino en la meta que se persigue. Tiny Duffy (James Gandolfini) que trabaja para las grandes corporaciones de derecha del estado de Luisiana, ve en Stark la posibilidad perfecta de dividir el voto de los sectores pobres en su estado para las elecciones de gobernador. Este hecho llevara a Stark, que idealistamente buscaba construir una mejor escuela para su comunidad, a entrar en redes de corrupción que tiene como implícito el ser usado y usar a los otros.

Faulkner y el nuevo Sur

En muchas de las novelas de Faulkner están presentes los Snopes, una familia integrada por diversos miembros, los que poseen nuevas costumbres en contraposición a la tradición en decadencia, representada por las familias aristócratas dueñas de plantaciones desde antes de la guerra civil norteamericana. “Los grandes señores” lo son solo de nombre y apellido, el poder y él dinero lo empiezan a tener otros, y esos otros traen consigo nuevas costumbres y creencias, que cambiarían el status quo, pero solo servirán para afianzarlo.

Y los personajes de “Todos los hombres del Rey”[1] tienen algo de la contraposición que describió Faulkner en sus libros. El nuevo poder siempre le parece tosco y burdo al anterior, le parece desarraigado y carente de norte. Pero lo cierto es que ese nuevo poder es una sublimación del anterior, es un hijo bastardo, intentando arreglar sus asuntos con el padre.
Para Stark, es claro que no hay nada bueno en el mundo, lo que no significa que no pueda salir algo bueno de el. Solo se requiere la mirada y habilidad suficientes para pode convertir cualquier evento en una situación positiva, no importa la forma en que se consiguen las cosas, solo el lograr que se realicen. Sabe que no puede lograr cambiar el mundo, hacer más conscientes a los grupos de poder de la importancia de abandonar un sistema en que se siga empobreciendo a los sectores menos favorecidos económicamente. Stark solo está ahí para herir, no para matar al sistema, el se sabe un producto de este, pero intentara hacerle daño el mayor tiempo que pueda.

Por su parte Burden, toda su vida se la ha pasado burlándose de la aristocracia rancia a la que pertenece, se sabe privilegiado social y económicamente, pero intenta vivir como si todo eso fuera simplemente algo que va anexado a su nombre y que él no tiene porque cargar. Es la voz que nos guía todo el film, solo los ojos a través de los cuales vemos lo que sucede. Sus monólogos largos, llenos de frases y citas pueden parecer cansados y aburridos, incluso hasta confusos. Pero son precisamente estos los que nos delinean al personaje y a la trama, son estos los que nos dicen el tipo de hombre que es Burden, todo sucede mucho antes que el termine de cavilar. Este rasgo lo emparentaría con los protagonistas de los films noir y con los largos monólogos de lo los personajes de Faulkner.

“Todos los hombres del rey”, puede parecer confusa y exagerada, que abarca más de lo que puede tratar y un espectador digerir. Para la mayoría de la crítica un remake fallido, que parecía ser una candidata de peso para los globos de oro y los Oscar, pero no paso más allá de un intento torpe de aprovechar un gran argumento, en un Hollywood que cada día le cuesta más contarnos nuevas historias, no solo en contenido, sino que también en estilo.
Pero el film a nuestro entender apunta más a las sensaciones que deja, que a intentar ser una narración clara y concisa. Si bien puede por momentos ser grandilocuente y efectista, tiene actuaciones muy logradas, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Sera bueno señalar que “All the king's men” es una novela de Robert Penn Warren, ganador del Putlizer en 1946. Novela que tuvo una versión cinematográfica dirigida por Robert Rossen, y que gano tres Oscar en 1949. Por mejor película, mejor actor y mejor actriz.

Das leben der anderen

2007-04-22T17:17:00.000-05:00

Das leben der anderen (Florian Henckel von Donnersmarck/ 2006)

Dirección: Florian Henckel von Donnersmarck.
Reparto: Martina Gedeck (Christina-Maria Sieland), Ulrich Mühe (capitán Gerd Wiesler), Sebastian Koch (Georg Dreyman), Ulrich Tukur (teniente coronel Anton Grubitz), Thomas Thieme (ministro Bruno Hempf), Hans-Uwe Bauer (Paul Hauser), Volkmar Kleinert (Albert Jerska), Matthias Brenner (Karl Wallner), Herbert Knaup (Gregor Hessenstein).
Guión: Florian Henckel von Donnersmarck.

Música: Gabriel Yared y Stéphane Moucha.

Producción: Quirin Berg y Max Wiedemann.
Edición: Patricia Rommel.
Fotografía: Hagen Bogdanski.

Vestuario: Gabriele Binder.

Sinopsis

“La vida de los otros” narra el operativo de espionaje motado por el eficiente capitán de la Stasi[1] Gerd Wiesler (Ulrich Mühe) a el escritor modelo de la RDA[2], Georg Dreyman (Sebastian Koch) y a la pareja de este último, Christina-Maria Sieland (Martina Gedeck). El capitán Wiesler es experto en interrogatorios, por lo cual se especializa en analizar el comportamiento humano. Desde que ve al escritor Dreyman, percibe en él algo sospechoso, siente que oculta algo, así que decide hallarlo. Wiesler monta un sofisticado operativo de espionaje, que incluye micrófonos por todo el departamento de Dreyman, así como una cámara de video que registra los movimientos de todo el plano externo del departamento. Wiesler se siente en control de la situación y por su puesto de la vida de la pareja formada por Dreyman y Sieland. Para el capitán de la Stasi, es solo cuestión de tiempo para revelar quien es realmente Dreyman.

Levinas y empecemos hablar del yo

El capitán Wiesler se ha entrenado toda su vida para saber lo que los otros ocultan, no solo de los otros, sino que incluso de sí mismos. Es un hombre metódico, que vive solo, que se sabe temido y odiado, que no tiene el mayor interés por desarrollar vínculos afectivos con otras personas, está convencido de que conoce la “naturaleza humana” a la perfección. Que sabe reconocer la falsedad que hay en todos nosotros y que con su habilidad presta un correcto y eficiente servicio a su sociedad. Wiesler extirpa lo que hay de malo en su sociedad.

Por su parte Georg Dreyman, cree en la RDA, no cree que sea perfecta, pero vive en ella porque le gusta y siente que su obra es necesaria para el desarrollo de su sociedad. Está en contra de que se persigan y cuestione la obra de otros artistas (aunque a la vez se trata de convencer a si mismo que algunos autores cuestionados por el régimen lo están por haber cometidos excesos de crítica innecesarios), pero siente que eso se puede llegar a arreglar de algún modo.

Luego de hacer esta descripción de ambos protagonistas, parecieran ser la clásica disputa entre el bien y el mal representada por el malo y el bueno, pero no. “La vida de los otros”, nos muestra de qué modo esa dualidad reside en todos y está latente en cada uno de nuestros actos[3]. Que el destino de uno está ligado al de los otros. Que a pesar de que nos imaginamos y concebimos como seres separados los unos de los otros, lo cierto es que tenemos un principio y un destino compartido.

En relación a este punto, Levinas[4] ve como una existencia incompleta a quien no logra ver en el otro un compromiso. La empatía hacía los otros no se da por un capricho, o un gusto estético que elige a quien escoger o no, como merecedor y digno de mi comprensión. Para Levinas no podemos ver al otro como una alteridad, como un objeto, sino como uno mismo. Y esto es, porque mi comprender está ligado a mi existencia y además mi comprender se encuentra dirigido hacía el mundo. El comprender al otro, el cuidado que le doy es un “deber” para conmigo mismo. No tener conciencia afectiva del otro, es no tener conciencia de nosotros mismos. Levinas relaciona esto con un sentimiento de “vulnerabilidad” compartida[5].

El color y la sombra

La fotografía del film, nos lleva a través de diversos tonos de verdes y amarillo. Todo parece mustio y cansado, genera la sensación de estar encerrado o atrapado. Son los últimos años de la unión soviética, y por ende de la RDA, pero los personajes no parecen notarlo, solo cuando aparecen objetos o personas de occidente la paleta de colores cambia. Este recurso de fotografía ciertamente no es novedoso, pero en este film está muy bien trabajado, y es el marco perfecto sobe el que se desenvuelve la trama.

“La vida de los otros”, nos muestra que el mal reside en cada uno de nosotros. Que no solo somos responsables por lo que hacemos, sino incluso por lo que dejamos de hacer. Que aprender ser responsable por nuestros actos cuesta, y puede llegar a ser una tarea que nos lleve una vida, a no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Siglas que en alemán abrevian Ministerium für Staatssicherheit (Ministerio para la seguridad del Estado).
[2] Siglas que abrevian en castellano, República Democrática Alemana (Deutsche Demokratische Republik). En nuestro medio esta Alemania es conocida como Alemania oriental.
[3] Actos que son tanto el hacer como el dejar de hacer algo.
[4] Emmanuel Levinas (1905-1995) de origen Lituano y de ascendencia judía, es uno de los pensadores más avocados al tema de la alteridad en el siglo XX.
[5] “En la vulnerabilidad se aloja una relación con el otro que la causalidad agota; relación anterior a toda afección por el excitante. La identidad del sí no opone límites al experimentar, ni aun la resistencia última que la materia en “potencia” opone a la forma que la enviste. La vulnerabilidad es la obsesión por el otro o la aproximación del otro. Es para el otro, desde detrás del otro del excitante. Aproximación que no se reduce ni a la representación del otro, ni a la conciencia de la proximidad. Sufrir por el otro, es tenerlo al cuidado, soportarlo, estar en su lugar, consumirse por él. Todo amor o todo odio del prójimo como actitud, refleja, supone esta vulnerabilidad previa: misericordia “conmoción de las entrañas”. Desde la sensibilidad, el sujeto es para el otro: sustitución, responsabilidad, expiación. Pero responsabilidad que no he asumido en ningún momento, en ningún presente. Nada es más pasivo que este enjuiciamiento anterior a mi libertad, que este enjuiciamiento pre-original, que esta franqueza. Pasividad de lo vulnerable, condición(o incondición) por el cual el ser se muestra creatura.”. Lévinas, Emmanuel. “Sin identidad” del libro “Humanismo del otro hombre”, Ed. Siglo XX, México 1974. Página 125.

“Dysenchanted” (2004/ Terri Edda Miller)

2007-04-10T19:37:00.000-05:00

“Dysenchanted” (2004)

Dirección: Terri Edda Miller.

Guión: Terri Edda Miller.

Reparto: Laura Kightlinger (Cenicienta), Sarah Wynter (La Bella Durmiente), Alexis Bledel (Ricitos de Oro), James Belushi (Docotor), K D Aubert (Caperucita Roja), Jaime Bergman (Alicia), Amy Pietz (Clara), Shiva Rose (Blanca Nieves), Jill Small (Dorothy).

Fotografía: Jonathan Sela.

Música: Brad Segal.

Producción: Jennifer Klein, Brent Travers.

“Dysenchanted” nos muestra como el relato, el mito, puede ser releído desde otro lugar.
De manera muy general podemos decir, que los relatos y los mitos, han servido a las sociedades para presentarles a sus jóvenes, el rol o los roles que deben cumplir. Es una manera de dar lecciones y fijarlas, de modo que los paradigmas y creencias que constituyen a la comunidad se mantengan y se regeneren.

Si algo tienen de interesante un buen relato y un buen mito, es darnos la oportunidad de verlos con una nueva luz. Y es precisamente lo que sucede en este corto que recoge personajes de cuentos de hadas. Los cuales están relacionados usualmente a mantener ciertos moldes represivos o de corte machista. Que muestran a la mujer como sumisa y pasiva. Cuentos que ayudaron a forjar y consolidar el ideal del príncipe azul en las mujeres.

La mirada que propone Terri Edda Miller en su cortometraje, es ver que aún podemos sentirnos ligados a los personajes, a sus historias, pero dejando la carga de mujer como ser pasivo. Los personajes escogidos, cada uno representa un caso tipo, una psicopatía en particular. Un espejo en el cual mirarse nuevamente. Y si el sueño no se hizo realidad, el príncipe nunca apareció, eso no significa, que el relato termino ahí, siempre hay un donde empezar, una nueva historia que contar.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

P.D. Amigos les adjunto la dirección de You tube para que puedan ver este cortometraje.

http://www.youtube.com/watch?v=QreSj5lbcc8

Y esta es la dirección de la web oficial del corto:

http://dysenchanted.com/

Les poupées russes (Cédric Klapisch/2005)

2007-03-30T19:15:00.000-05:00

Les poupées russes (Cédric Klapisch/2005)

Dirección: Cédric Klapisch.
Reparto: Romain Duris (Xavier), Audrey Tautou (Martine), Cécile de France (Isabelle), Kelly Reilly (Wendy), Kevin Bishop (William), Evguenya Obraztsova (Natacha), Lucy Gordon (Célia Shelton), Irène Montala (Neus), Aïssa Maïga (Kassia), Cristina Brondo (Soledad), Fédérico D'Anna (Alessandro).
Guión: Cédric Klapisch.

Música: Loïc Dury y Laurent Levesque.

Producción: Bruno Levy.

Edición: Francine Sandberg.
Fotografía: Dominique Colin.

Vestuario: Anne Schotte.

“Las muñecas Rusas”, es una suerte de continuación de una película llamada “Una casa de Locos”[1] (L'auberge espagnole) film que narraba la convivencia en un departamento de Barcelona de seis estudiantes de países diferentes de Europa, y sus dificultades para adaptarse a un nuevo país, una nueva lengua y nuevas costumbres. El personaje que servia de guía en la historia era Xavier, un estudiante francés del último año de economía que decide terminar la carrera en Barcelona. Esta decisión implica que se separe de su novia (interpretada por Audrey Tautou) y su madre. Vivir en un nuevo país lo hará cuestionarse si seguir con su carrera de economista o perseguir su sueño de toda la vida, convertirse en escritor.

Ya en “Las muñecas Rusas” han pasado cinco años de la anterior película y Xavier vive de la escritura. No es el novelista que soñó ser, pero la escritura le da para vivir. Su mejor amiga es Isabelle, y aún sigue enamorado de su ex Martin (Audrey Tautou). La historia comienza con Xavier intentado contarnos los últimos hechos que han cambiado por completo su vida. Pero para hacer esto, deberá contarnos los acontecimientos más importantes de los últimos cinco años, todos sucesos que han permitido, que todo lo que le pasa, tenga ahora sentido.

De Antoine Doinel a la Bildungsroman

Xavier durante todo el film nos llevara a través de sus disquisiciones y deliberaciones, entre sus sueños y fantasías. Con la premisa, muy cierta creemos, de que detrás de todo gran escritor, hay un gran mentiroso.

Pensamos, que no exageramos cuando afirmamos que el personaje de Xavier esta escrito en la tradición de otro gran personaje de saga que es Antoine Doinel[2]. Ambos, son personajes que siempre están en crisis, en transito. Que están en post de algo o que se encuentran como en las novelas de gesta medieval, siempre a punto de empezar una nueva quest, la cual le permita encontrar algo o a alguien. Viaje que además sirve para encontrarse a si mismos o para aprender algo de si. Esto último la pondría en relación con un género novelesco denominado Bildungsroman[3]. Las Bildungsroman y sus protagonistas, son un poco el reflejo de esta posibilidad que tiene el ser humano de estar en transición, de verse a si mismo como alguien que tiene delante de si todo por hacer, y que abriga la esperanza y el deseo de poder siempre cambiar o al menos deliberar al respecto.

Es vernos como relato inacabado siempre, lo que no implica un defecto, sino una virtud, pues siempre tras una nueva pagina, nos espera una nueva historia por contar. O tal vez usando el título del film, la vida se nos presenta como esas muñecas rusas (Matrioshkas), que dentro de sí, siempre esconden una más pequeña, dentro de cada punto de llegada, se nos devela un nuevo punto de partida. A no perdérsela.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Debería ser el “El Albergue español”, pero no sabemos a que se debe la traducción. Suponemos que se debe a razones de venta de la película en otros mercados.
[2] Interpretado por Jean Pierre Léaud y creado por François Truffaut. Saga que inicia con "Los Cuatrocientos golpes", y culmina con "El amor en fuga". Doinel para muchos fue el alter ego del propio Truffaut. Le recomieno hacer click en este enlace, http://img.2xmoinscher.com/DATA/imgperso/154924_DVD_9613_1.JPG

así podra ver el poster de "El amor en fuga".
[3] Esto es novela de aprendizaje o formación. Por lo general el termino esta asociado a novelas que narran desde la infancia hasta la madurez de su personaje principal, asi como las diversas situaciones y penurias que debe sortear para sobrevivir y crecer.

Fastfood Nation (Richard Linklater/2006)

2007-03-28T00:55:00.000-05:00

Fastfood Nation (Una nación de comida rápida)
País: USA.Año: 2006.
Dirección: Richard Linklater

Guión: Eric Schlosser y Richard Linklater

Reparto: Wilmer Valderrama (Raul), Catalina Sandino Moreno (Sylvia), Ana Claudia Talancon (Coco), Juan Carlos Serran (Esteban), Greg Kinnear (Don Anderson), Ashley Jonson (Amber), Patricia Arquette (Cindy), Ethan Hawke (Pete), Paul Dano (Mike), Cherami Leigh (Kim), Kris Kristofferson (Rudy Martin), Bruce Willis (Harry Rydell), Avril Lavigne (Alice)

Sinopsis:

Don Henderson, es el ejecutivo de una importante cadena de restaurantes de comida rápida, la cual afronta un grave momento: la carne de las hamburguesas más famosas de la empresa está contaminada, y él tiene que averiguar por qué. El descubrimiento de la respuesta no será tan simple como él pensaba.
Así empieza el viaje de Henderson a Colorado, para investigar los reportes sobre el hallazgo de bacterias E. Coli en la carne, y la aventura mental para los espectadores.

Y es desde allí también que parte la invitación de los creadores de este “platillo fílmico” para que le demos una mordida a su película. Sin embargo, la digestión de esta película, podría llevarnos a un proceso largo, para el cual Eric Schlosser y Richard Linklater han empleado, como el mejor de los gourmet, el gran ingrediente de la palabra, el diálogo, la argumentación, la toma de posiciones, sentimientos o roles, en esto que es la vida misma, de la cual no podemos escapar, ni dejar de alimentarnos. Ya antes Linklater nos había servido películas como "Antes del atardecer" (Before Sunset), "Waking life" y “Slacker”, con soberbios ingredientes; y esta vez nos ofrece su platillo, quizás, más difícil de digerir. Bon apetit!

Las Capas de una Hamburguesa. Lo bueno y lo malo.

¿Acaso todo tiene que tratarse de un asunto de buenos y malos?
Es justamente lo que más me atrajo de esta película, que no necesariamente todo es sobre las buenas personas vs. las malas o poderosas. ¿Y si en realidad se tratase de algo más?

De las Formas de relacionarse con la Gran Fábrica de Hamburguesas. ¿Podemos tomar su orden por favor?

* A la Harry Rydell, un generoso toque de pimienta y término, bien cocido. La carne bien cocida, mata los bichos. Así se crece vitaminizado, inmune y hasta vitaminizado.

* Aspirando a Robin Hood: Róbale al sistema. Si lo que buscas es una Big Mac, pero sólo tienes para el combo junior y con promoción.

* Tú ya sabes como es ¿no es así Mike?

* ¿Por qué es tan duro Virgencita? ¡Salva a mi Raúl!

* A lo Green Peace, y sin nada de ajo. ¿Por qué si le abro las rejas a las vaquitas, estas no se escapan? ¡I love Cowco guey!

* Desde la almohada, como los que soñaron una vez con enfrentarla, así como el tío Pete.

* Como Rudy Martin, cuando el Cowboy se jubila, y entonces, se aleja de lo malo, lo feo y lo contaminado.

* A lo chido cabrón, como Coco.

* T/A (Todas las anteriores)

* N/A (Ninguna de las anteriores)

Preguntas a la parilla

Si miles de personas mueren a diario debido a accidentes automovilísticos, ¿las fábricas de automóviles deberían detener su producción?

¿Siempre hemos sabido, o bueno, ya, sospechado, que la comida rápida puede traer un poquitin de gérmenes, digo, ingerimos gérmenes desde tiempos inmemoriales no?

Una vez que sabes la respuesta, no es tan difícil.

Escenas Clave:

* Dialogo de Don y Harry Rydell
* Chicos del College en la fiesta
* Diálogo de Don Anderson con Rudy Martin en su rancho
* Cuando Amber renuncia
*Recepcionista del hotel al percatarse de la queja de Don

Paola Fattorini.

THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY (Ken Loach / 2006)

2007-03-12T10:46:00.000-05:00

THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY (Ken Loach / 2006)

Dirección: Ken Loach

Reparto: Cillian Murphy (Damien), Pádraic Delaney (Teddy), Liam Cunningham (Dan), Orla Fitzgerald (Sinead), Mary O'Riordan (Peggy), Mary Murphy (Bernadette), Roger Allam (Sir John Hamilton), Laurence Barry (Micheail), Damien Kearney (Finbar), Frank Bourke (Leo), Myles Horgan (Rory), Martin Lucey (Congo).
Guión: Paul Laverty.

Música: George Fenton.

Producción: Rebecca O'Brien.

Editor: Jonathan Morris.

Vestuario: Eimer Ní Mhaolddomhnaigh.

Fotografía: Barry Ackroyd.

“The wind that shakes the barley”, cuenta la historia de dos hermanos y de un país. Es 1920, y a Damien (Cillian Murphy) le espera un futuro brillante en Londres como medico. Su hermano Teddy (Pádraic Delaney), por el contrario es miembro de un grupo que promueve la libración de Irlanda del imperio Británico, este grupo es el IRA (Irish Republican Army) quien a partir de atentados contra las tropas inglesas afincadas en Irlanda buscaban lograr su independencia[1]. Damien decide darle la espalda a su carrera médica y unirse al IRA, pues no soporta más el maltrato recibido por la corona Británica.

El viento que sacude, divide y separa

“El viento que sacude la cebada” es una película sobre la filia[2], pero no solo la que se circunscribe a la del hogar y la familia, sino que apunta a ser una reflexión hacía la noción que tenemos de nación. Si bien la nación es vista como una gran hermandad ideal, como un grupo de personas que viven en un mismo territorio y que comparten una misma raíz, para muchos esta cercanía física y de valores, tendría que implicar necesariamente una hegemonía en el pensar y en el sentir, ¿pero esto tendría que ser necesariamente así?.
La figura perfecta para empezar a construir esta dicotomía es la de dos hermanos que crecen en un mismo hogar. Esto no implica que los roces y diferencias no existan. Dos hermanos que han crecido con los mismos valores y creencias en un hogar pueden terminar siendo totalmente diferentes, a pesar que ambos argumenten que lo que hacen es comportarse defendiendo los mismos valores con los que han sido criados.

Esta es la temática que sigue Ken Loach en su último film, ganador de la palma de Cannes en su última edición. No trabaja el personaje histórico, el biopic[3] conmovedor y efectista, el personaje que se inmola por valores universales, ni es un film propagandista que esta inclinado a favor de una posición o de un país. Ni tampoco es la película que enarbola el antibelicismo llenando la pantalla de sangre y explosiones, sino que apuesta por colocar a cualquiera de nosotros en la situación de tener que defender a nuestra familia y a nuestros amigos, que son finalmente desde quienes construimos nuestra idea de identidad (de pertenencia a un grupo) y de nación.

Loach se introduce en el tema del otro no radical ni extremo, sino el otro cercano, que respira el mismo aire que nosotros, que comparte exactamente todos los valores que nosotros, y que defiende exactamente lo mismo que nosotros, pero que en un punto el otro deja de ser un espejo en el cual mirarse y termina siendo una figura que no logramos reconocer más (se hace latente la figura de Caín y Abel, o es que acaso Caín, no buscaba de cierto modo también el amor y aprobación de Dios al igual que Abel).

Ken Loach logra desarrollar un retrato dulceamargo, como las melodías típicas de Irlanda, no es casualidad que el titulo del film provenga precisamente de una ellas. Melodías llenas de nostalgia y tristeza, pero a la vez también llenas de esperanza, las cuales forman una tradición, pues acompañan un sentir, una nostalgia y un recuerdo.

Juan Alberto Gonzales Hurtado.

[1] Luego de una elaborada estrategia de guerra de guerrillas, contra la corona Británica, esta última termina cediendo cierta libertad política y económica a Irlanda (Irlanda no dejaba de estar supeditada a los designios de la corona Inglesa), pero esta concesión no es aceptada por todos los miembros del IRA (que tenía como principio regente la libertad total de Irlanda), es así que muchos miembros del IRA pasan a formar parte del nuevo ejercito de Irlanda, otros regresan a su vida civil, pero muchos otros, mantienen una posición reacia y continúan con sus acciones bélicas, pero esta vez el enemigo directo a enfrentar no son ingleses o escoses sino que son los propios irlandeses, incluso ex-miembros del IRA. Con esta movida, el Imperio ingles se aseguro no solo mantener su dominio sobre Irlanda, sino que creo lo que sería una guerra fraticida y violenta.
[2] (Del gr. φιλία). Afición o amor a algo.
[3] Termino que proviene de juntar Biografic Picture, denominación que reciben las películas que tienen como tema el contar la biografía de un personaje, por lo general histórico.

Yesterday (Sudáfrica, 2004)

2007-02-27T19:30:00.000-05:00

Yesterday (Sudáfrica, 2004)

Dirección y Guión: Darrell James Roodt

Reparto: Leleti Khumalo (Yesterday), Lihle Mvlase (Beauty), Kenneth Kambule (John Khumalo), Harriet Lehabe (Maestra), Camilla Walkerer (Doctora), Nandi Nyembe (Curandera)

Algunas de las razones por la que ésta es una película especial, radican en que se trató de la primera película filmada en lengua Zulú, además de ser la primera película sudafricana en recibir una nominación al Oscar en la categoría de mejor película extranjera.

El propio Nelson Mandela y su fundación la apoyaron en un intento por borrar el estigma que agobia a ese país respecto al virus del VIH.

Entonces, podríamos decir que de acuerdo con Mandela, Yesterday nos muestra la realidad de ese 20% de sudafricanos infectados con el virus del VIH, en un país considerado como desarrollado. Pero entonces, ¿qué ha pasado? Algo no ha marchado de manera correcta o equitativa. ¿O estaremos hablando de dos realidades completamente distintas: una, la de las aldeas y otras la de las ciudades? O serían otras las diferencias enfrentadas.

Yesterday es también una película de contrastes, como lo son la belleza y la pobreza, la ignorancia y el conocimiento. Así, Roolhooek, la remota aldea Zulú, en Sudáfrica podría ser cualquier pueblito o caserío sudamericano, en el cual, en la búsqueda de un futuro digno, los hombres han tenido que dejar a sus mujeres solas, en casa.

De padres e hijas: La nostalgia del patriarca

El padre de Yesterday (“Ayer”) la bautiza con ese nombre porque para él las cosas siempre son mejores en el pasado. Pero Yesterday, es el presente, el hoy; y el hoy, es lo que hay. Y es precisamente en el presente que Yesterday nos muestra su existencia, y la belleza de ese presente, existe también en su sueño por el mañana, en la belleza de esa promesa personificada en Beauty (“Belleza”), su hija de 7 años, quien está próxima a ingresar a la escuela por primera vez.

De madres e hijas

Beauty no sólo es hija de Yesterday, sino que en un pueblo carente de hombres, es su mejor y casi única amiga y sobre todo compañera: aquella personita que hace que el largo y extenuante caminar sea una odisea de compañeros de gesta.

Beauty es la fuerza que motiva a Yesterday a luchar por sobrevivir, pero bajo condiciones de dignidad. Yesterday podría ser también, la madre de muchos, aquella que nunca tuvo la oportunidad de educarse en una escuela, y quizás por ello su desinformación, quizás de haberlo sabido, hubiera podido usar un preservativo a tiempo, o quizás habría podido conseguir un trabajo remunerado y ayudar a su esposo con la carga del hogar. Demasiados “quizás” para los cuales ya no le queda tiempo, sino para mirar hacia un único objetivo: que su hija tenga y sea lo que ella no pudo tener ni ser. Belleza es la proyección de Ayer, y es ahí donde radica la ternura poética de esta película, agridulce como la vida misma, un canto de esperanza para acallar la ignorancia que nos calcina los pies.

De igual a igual

Para quién es más duro que un esposo tenga que hacerse a la idea de partir hacia Johannesburgo a entregar su vida enterrado en una mina bajo condiciones de coloniaje por un puñado de monedas en pleno siglo XXI, cuando han transcurrido muchos años de la caída del apartheid. Sin duda Yesterday nos habla también de la exclusión social de la etnia Zulú y con ello, hace un intento por divulgar un mensaje de prevención y de necesidad por erradicar el estigma de la discriminación en todos sus niveles.

Finalmente Yesterday es como el regalo que nos llega en medio de la adversidad diaria, pero sobre todo, un poema de amor maternal bajo una concepción de la entrega, que no es necesariamente ni sólo potestad de una madre, sino la de una mujer que lo perdona todo, que es compasiva, sin dejar de ser fuerte, y cuya sencilla compresión de la vida hace que se entregue y se dé totalmente con la única herramienta que tiene: el poder de su amor, sólo para legarle lo mejor de si misma a una nueva generación y así poder cambiar el mañana.

Escenas Clave:

* La visita de Yesterday a la curandera de la aldea.

* La golpiza que le propina su esposo, quizás en un arranque de desesperación porque no puede resistir el presente que lo agobia por sus acciones del pasado.

* Yesterday en el tren de regreso a casa, recordando los momentos cuando todo era felicidad con su esposo. La nostalgia por el esposo perdido y las preguntas sin respuesta: ¿Qué pasó? ¿En qué momento lo perdió? ¿Por qué lo perdió?

* Yesterday construyendo un refugio para su esposo. * * * * *

Paola Fattorini.

10 Artículos o menos (Brad Silberling /2006)

2007-02-26T16:42:00.000-05:00

10 Artículos o menos (Brad Silberling /2006)

Dirección: Brad Silberling.

Reparto: Morgan Freeman (él mismo), Paz Vega (Scarlet), Bobby Cannavale (Bobby), Anne Dudek (Lorraine), Kumar Pallana (Lee), Jennifer Echols (Tracy), Leonardo Nam (Sales Kis), Scott Norris, Jim Parsons.
Guión: Brad Silberling.

Música: Antonio Pinto.

Productores: Lori McCreary, Julie Lynn y Brad Silberling.

Editor: Michael Kahn.

Para muchos la mejor actuación es la que parece no ser actuada. Y es este tipo de actuación las que nos brinda Morgan Freeman en “10 Items or less”, que es la última película de Brad Silberling, director conocido por películas de un corte más familiar como “Casper” y “Lemony Snicket’s A Series of Unfortunate Events”, y que se encuentra normalmente filmando proyectos de grandes estudios. En esta ocasión el mismo decidió construir una historia con muy pocos elementos, tanto en la composición del guión como en los aspectos técnicos, inspirado ciertamente en el Neorrealismo Italiano.

Neorrealismo a la Chicana

Veamos, la historia inicia con Morgan Freeman actuando de si mismo (a pesar que nunca en la película se lo llame por su nombre, ni le permitan a él pronunciarlo) representándose como un actor que hace un buen tiempo no ha realizado proyecto alguno pero no por eso a perdido el cariño del público, que lo siente muy cercano. Freeman se encuentra analizando si aceptar o no el rol en un film independiente, de un cajero de un minimarket en una zona de migrantes, sobre todo Mexicanos en los alrededores de los Ángeles. Es así que conoce a Scarlet (Paz Vega), que es la cajera de la cola de 10 artículos o menos en un pequeño minimarket. Esta función la obliga de algún modo (diremos que contribuye mucho el carácter de Scarlet) a controlar a las personas, a no permitirles que paguen más de diez artículos, es una suerte de ente sensor en la vida de los demás. Una muestra de la personalidad de Scarlet esta en que a diferencia de las otras personas que se sorprenden por la presencia de Freeman en el establecimiento, actúa como si no le diera la menor importancia.

Freeman como esta en proceso de investigar el personaje de cajero decide observar a Scarlet y así empezar a construir los rasgos que le puedan ayudar en su decisión de aceptar o no el proyecto. De este modo comienza la relación de Freeman y Scarlet, él de algún modo se le presenta como una suerte de Hada madrina a Scarlet, él logra escucharla, saber lo que ella necesita y comprometerse a ayudarla a que se haga realidad lo que ella busca. Pero la relación entre ambos no es unidireccional, Scarlet le muestra a Freeman la necesidad de siempre empezar de nuevo en la vida, de no renunciar a lo que se busca. A que empezar no solo se hace cuando uno es joven, sino que empezar de nuevo en la vida se realiza un poco día a día.

Freeman a pesar de tener el don (don que muestra durante todo el film) de conectarse con las personas de generar empatía con ellas, de poder observar cada detalle de individualidad, no logra conectarse consigo mismo, parece no decidirse a hacer algo distinto por la mirada de los otros, por no romper el modo en que la gente lo ve, Freeman parece sentir que de algún modo ha llegado a tener un lugar en la vida que no desea perder. Scarlet es un espejo en el cual verse, un espejo en el cual hacer preguntas que el mismo teme hacerse. La actuación de Vega esta a la altura de la valla que pone Freeman, Vega no cae simplemente en el cliché de la inmigrante pobre y perdida, sino que sabe imprimirle un carácter fuerte y decidido, pero que a pesar de saberse capaz, no logra motivarse así misma.

“10 Items or less”, es una obra sencilla, que atrapa, que nos la oportunidad de ver la actuación de quien debe ser uno de los mejores en lo que hace. Y que como en los mejores films neorrealistas, en cada escena nos deja ver un poco de cada uno de nosotros. A no perdérsela.

Juan Gonzales.

Trust the Man (Bart Freundlich/2006)

2007-02-23T20:43:00.000-05:00

Trust the Man
País: USAAño: 2006

Dirección y Guión: Bart Freundlich

Reparto: Julianne Moore (Rebecca), David Duchovny (Tom), Billy Crudup (Tobey), Maggie Gyllenhaal (Eleine), Eva Mendes (Faith), Ellen Barkin (Norah), Garry Shandling (Dr. Beekman), Glenn Fitzgerald (Goren), Sterling K. Brown (Rand).

Trust the Man, muestra la historia de dos parejas de Nueva York: una, la de Rebecca (Julianne Moore), actriz de éxito y su esposo Tom (David Duchovny), quienes han acordado una especie de intercambio de roles, él se queda en casa, con los hijos, haciendo las tareas del hogar, y ella sale fuera y recoge los éxitos; y otra, la de Tobey (Billy Crudup), el hermano de la actriz, un tipo bastante relajado, que mantiene hace 7 años una relación con Eleine (Maggie Gyllenhaal), una dulce, romántica y paciente aspirante a novelista. Dichos personajes, a lo largo de casi dos horas, nos van a mostrar de una forma dramáticamente divertida las más humanas diferencias entre hombres y mujeres y cómo interactuamos con el otro en nuestras relaciones afectivas.

¿El hace lo mejor que puede, lo que aprendió, o lo que nunca le pedimos que dejara de hacer?

Ya mencionamos que Eleine es totalmente dulce y paciente, es la mujer con alma de madre, rayando en la fascinación por los niños terribles. Ella no pide más que un simple aventón al trabajo o la información bajada de Internet para un trabajo que debe presentar. Sin embargo para Tobey, eso es muy difícil, como para cualquier newyorkino, es casi imposible hallar un lugar donde estacionarse en hora punta, sin mencionar que por nada del mundo se perdería su programa de box matutino.

Rebecca y Tom van a terapia de pareja, una vez al año, y en todo ese tiempo, no han tenido ningún problema, excepto que Tom manifiesta su insatisfacción por el escaso sexo que le concede Rebecca. Para ella, él es maníaco del sexo.

Diagnóstico:
Tom, tú no la manosees tanto, dale un poco de espacio por el amor de dios. Y Rebeca, tú, piensa en tener sexo con Tom, dale!

Ellas…las amigas

Si hay algo que para nosotras las mujeres equivale a la sacrosanta palabra, más que cualquier otra opinión en el mundo, es el valor de aquello que dictan nuestras amigas, ascendidas casi al grado de Gurús en asuntos masculinos. Rebecca es tan mujer, que necesita algo más de lo que su terapista puede darle y si la consulta puede ser por celular, como están los tiempos, qué mejor que una consulta con Eleine!

- Eleine, ¿cuántas veces a la semana tienen mi hermano y tu sexo?
- ¿Te refieres a sexo que satisface o sólo sexo?
- …
- Buen sexo, a veces.
- Eleine…¿te preocupa que Tobey te engañe?

Ellos…los amigos

Las labores en la casa, están haciendo que Tom comience a sentirse un mantenido. Su trabajo en publicidad era detestable y lo hacía sentir vacío, sin embargo, ha empezado a extrañarlo. ¿Al trabajo en sí?, ¿o a…? ¡Qué mas da vamos a intercambiar páginas porno amigo!

Tobey es el tipo de chico al que le enseñaron que las flores reconquistan el alma herida de una mujer.

- Tom, ¿qué otro tipo de flor le puedes regalar a una chica, que no sea una rosa?
- ¿Qué tal una orquídea?
- ¡Estás loco!¡Esa es más cara aún!

Pregunta equivocada

Digamos, tras un mínimo, porque, existe un mínimo como máxima ¿no es así? ¿3 años de relación?, digo, ¿quéee? - ¿S I E T E años?, y… ¿Cuando se van a casar?

Si bien es cierto que Tobey no es ni proactivo, ni cuidadoso de los detalles en su relación, miles de Eleine en el mundo, jamás se han quejado – Shh, ¿quejarse, estás loca?, y si por manifestar mi inconformidad, mi desacuerdo, mi negativa, ¿me quedo soltera?

A las Eleines nos fascina fantasear sobre algún “otro chico”, no un Tobey, no “nuestro” Tobey, sino un posible hombre ideal, más acorde con nuestros sueños y expectativas, quizás uno que sí quiera…¿casarse? ¿tener bebés? Uno que sí nos lleve al trabajo o nos recoja, o al menos que no nos compre algo por el simple hecho de que está en oferta y sobre todo, que cuando le digamos que necesitamos información sobre Ryszard Kapuscinski, al menos apunte su nombre, para que luego no nos de la biografía de Robert Kaplan. ¿No escriben ambos acaso?

El Destino…

¿Alguna vez has sentido que desperdiciaste tu vida al lado de alguien?
¿O quizás pensaste que el paso de los años al lado de alguien te conferían el derecho de poseer o atrapar a esa persona?

Eleine va a vivir la oportunidad de explorar el otro lado del destino, una vida sin Tobey, para abrirse paso a hacia el conocimiento de sí misma, si ello es posible. Opción totalmente alejada de la de Faith (Eva Mendes), quien sí se ha casado, ¡lo ha logrado!, es una ganadora por donde se la mire, total, qué interesa si el que lleva el anillo de oro con su nombre, es un reverendo pelmazo. El asunto está en que cuando el pelmazo no te ve, o no está cerca, puedes revolotear abiertamente mostrando tus necesidades de soltera desesperada, pero qué rábano, ya estás a salvo ya eres feliz y se nota, de seguro ¡se te nota!

¿Quién eres?

Las sesiones de Tom con el grupo de Adictos Al Sexo, son parte de los momentos más sublimes y reales de esta película. La forma en que los seres humanos creamos o cortamos lazos con los demás podría denominarse el dilema de los vínculos: Algo así como un, relacionarnos o no relacionarnos. Ese es el asunto. Pero del cómo, ah no, sobre eso aún no hay enciclopedia.

Tal vez, como en los estudios de psicología social de Maria Anne Costalat, las identidades no son algo fijo. No existe o no poseemos una sola identidad, ni como seres individuales, ni como seres sociales, sino por el contrario, la identidad es algo en constante movimiento y evolución. Si hemos perdido el quién somos, podemos empezar por el reconocimiento de lo que no somos, para luego, retomar el camino del ser.

La fortuna de Rebecca es saber quién es ella, y reconocer también que no es perfecta. Sin embargo, su rigidez femenina le dicta que las relaciones de pareja se asemejan a un palo, sostenido cada uno, en extremo por el otro. A veces el palo viene corto, tan corto que puedes ver la cara del otro y reconocerla. Pero otras veces, el palo viene más largo, casi tan largo, que no es posible reconocer a quien está del otro lado, pero jamás, jamás, por nada del mundo debes soltar el palo.

I love that looser

Finalmente, atesoro de esta película el reencuentro de cada uno de los personajes con la apuesta voluntaria por no tener clave alguna para la relación ideal, sino por la lucha, en primer lugar, por ser fiel a uno mismo, y por empezar a querer reconocer quién somos o al menos, lo que no somos; y con ello, lo que podemos conceder y lo que de ninguna manera concederemos ni una sola vez más. Pero sobre todo, aprender cómo liberarse de esa necesidad terrible de controlarlo todo en nuestras vidas y malgastarlas complaciendo a todos menos a nosotros mismos.

Escenas clave:

* Tobey y Eleine discutiendo a escondidas del nuevo enamorado de Eleine.

* Maggie y Tobey – hermano/hermana cruzan juntos la pista y cómo ella corrobora que sus sospechas son ciertas.

* El grito memorable de Tobey, sólo superado por Dustin Hoffman en El Graduado

Paola Fattorini.